The Best Plays of 1998-1999 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Guernsey, Otis L. 编

出品人:

页数:556

译者:

出版时间:2004-8

价格:$ 53.68

装帧:HRD

isbn号码:9780879102906

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 美国戏剧
• 1990年代戏剧
• 最佳剧本
• 文学
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• 文化
• 戏剧选集
• 舞台剧
• 获奖剧本

20 世纪末的戏剧风景：回望与前瞻 本书收录的剧作集，旨在呈现 1998 年至 1999 年间世界舞台上涌现出的、最具代表性和实验性的戏剧文本。这是一个剧场艺术在世纪之交面临深刻变革的时期，传统叙事模式受到挑战，新的美学探索蓬勃发展。 第一部分：现实的碎片与社会的回响 本部分重点关注那些直面时代脉搏，捕捉 20 世纪末社会结构松动与个体焦虑的剧作。 1. 《失语的边境》（The Muted Frontier） 这部由一位伦敦的后戏剧剧作家创作的作品，以其高度的象征性和对白语法的解构而引人注目。剧本发生在一个模糊不清的、被时间遗忘的边境小镇。角色间的交流充满了断裂和误解，语言本身成为了阻碍而非桥梁。作者巧妙地运用了空间设计——一个由反复出现的、象征着官僚主义和无意义等待的空置房间构成的迷宫——来体现现代人被异化和身份迷失的状态。 剧中探讨了全球化背景下，地方文化身份的消亡。一个核心情节围绕着一个关于“边界线迁移”的冗长、晦涩的官方听证会展开，然而，所有参与者都无法准确说出“边界”究竟意味着什么，或者它对他们的生活有何实际影响。这反映了 90 年代末，人们对于宏大叙事（如意识形态、国家认同）的普遍怀疑和疏离感。这部作品拒绝提供明确的道德评判或情感出口，迫使观众直面意义本身的缺失。其舞台调度极度依赖声音设计，大量使用录音片段、白噪音和刺耳的电子乐，构建了一个令人不安的听觉景观。 2. 《柏林灰烬：一幕关于记忆的拼贴》（Berlin Ashes: A Collage in One Act） 聚焦于后冷战时期柏林复杂的心理地理学。《柏林灰烬》并非传统的历史剧，而是一部将个人记忆、官方档案和城市传说交织在一起的碎片化作品。剧本以三代人——一位东德时期的老教授、一位试图抹去过去的中产阶级建筑师，以及一位在柏林墙倒塌后出生的年轻艺术家——的独白和交谈为骨架。 结构上，剧作频繁地在 1989 年、1995 年和剧本创作的当下（1998/99）之间跳跃，如同观众在翻阅一本被撕裂的相册。引人注目的是，作者对“重建”主题的处理：建筑师痴迷于将老城区的废墟以一种“纯净的、非历史的”方式修复，这实质上是对集体创伤的审美化和清洗。剧本的高潮部分，教授在舞台上朗读了大量关于秘密警察审讯记录的摘录，这些摘录与周围现代主义的玻璃幕墙形成了强烈的视觉和情感对比。它探讨了“铭记”与“遗忘”之间的危险平衡，以及在欧洲统一的宏大叙事下，个体良知如何被边缘化。 第二部分：身体、技术与非人性的边缘 进入新千年之际，戏剧界对新兴科技、身体的边界以及人类主体性的衰落表现出强烈的关注。 3. 《零点协议》（The Null Protocol） 这部作品具有明显的赛博朋克后遗症，但它摒弃了华丽的视觉特效，转而专注于信息过载对人类心智的侵蚀。故事设定在一个高度数字化的未来（设定在 2005 年），人类通过植入芯片与全球信息网络（“网格”）连接。 剧本的主角是一位“离线者”（The Unplugged），他拒绝了所有的网络连接，因此被社会视为异类和“信息盲”。他的斗争不是反抗暴政，而是努力去重建一种不依赖带宽的、纯粹的人际沟通方式。剧本中最具创新性的是“数据噪音”的使用。舞台指示要求演员在关键对话时，必须同步表演接收或发送海量数据流的生理反应——抽搐、眼神游离、机械性的重复动作。这使得观众清晰地感受到，当“连接”成为生存必需品时，真正的“存在”反而被压缩成了背景噪音。这部剧对 90 年代末互联网泡沫的狂热，投下了一道冷静的、技术批判的阴影。 4. 《玻璃与皮肤之间的》（Between Glass and Skin） 这是一部对身体政治和生物伦理进行深刻反思的室内剧。背景设定在一个无菌的、未来主义的医疗中心，讲述了一对夫妇在面临“优化”其下一代基因的选择时所经历的心理折磨。 剧本的结构模仿了科学论文的格式，充满了技术术语和冷漠的医疗报告。然而，隐藏在这些冰冷数据之下的是原始的情感恐惧。作者通过对话的张力，探讨了“完美”的诱惑与“自然”的价值。一个关键的道具是“生命培养箱”，它被置于舞台中央，不断闪烁着代表生命体征的蓝光。当角色们争论是否应该干预孩子的基因序列以避免某种“统计学上的缺陷”时，培养箱的光芒成为了审判他们道德立场的沉默证人。这部剧超越了简单的“反对基因工程”的道德说教，转而探究在技术工具面前，人类的“爱”是否也会被量化和编程。 第三部分：后现代的解构与剧场本体论的探索 在世纪末，许多戏剧人转向对戏剧本身形式的审视，质疑舞台上的真实性与观众的期待。 5. 《第四堵墙的坍塌：一次排练记录》（The Collapse of the Fourth Wall: A Rehearsal Log） 这部剧作采取了一种高度元戏剧（Meta-theatrical）的形式。它表面上记录了一群演员在排练一部（从未被写完的）古典悲剧的过程，但实际上，排练本身成为了戏剧的内容。剧本中没有统一的主线故事，只有演员们对剧本、导演、彼此以及“表演行为”本身的无休止的争论和即兴发挥。 剧本的精妙之处在于其结构：它包含了大量的舞台指示，要求演员模仿彩排中常见的失误、争吵和技术性停顿。例如，某段对白会突然被要求“重来，这次情绪要更‘真实’一点”，而演员的回答却是“什么叫‘真实’？你的‘真实’是上周二的那个版本吗？”。这部作品是对 90 年代后现代主义美学的总结性陈述——它揭示了表演的构造性，并挑战了观众对“一气呵成”戏剧体验的依赖。它用混乱、重复和自我指涉，制造了一种独特的、令人兴奋的剧场能量。 6. 《海上的灯塔管理员：一则关于孤独的报告》（The Lighthouse Keeper on the Sea: A Report on Solitude） 这部作品回归了对经典文学主题的重访，但使用了极其克制和极简的语言。故事很简单：一位灯塔管理员在与世隔绝的灯塔里度过了十年。然而，剧本的重点不在于发生了什么，而在于时间如何被感知。 剧本大量使用沉默和舞台上的仪式化动作：点灯、记录日志、检查仪器。文本的稀疏性使得观众的注意力完全集中在演员的身体状态和灯塔单调的声响上（如海浪的节奏、灯塔转动的嗡鸣）。作者通过这种近乎冥想的方式，探讨了人类在绝对的隔离中，如何与自我、与时间建立起一种既亲密又疏远的关系。这部作品是对世纪末商业化娱乐的反拨，它要求观众投入极大的耐心，以换取对人类精神疆域的深度探索。其结尾没有高潮，只有灯光逐渐减弱，留给观众的，是无尽的、海的低语。

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这部汇集了年度最佳戏剧的选本，简直是戏剧爱好者的福音，我拿到手就迫不及待地翻阅起来。首先映入眼帘的是那些在百老汇和区域剧院引起轰动的作品，舞台调度、演员表演的张力，仿佛隔着纸页都能感受到。比如，其中收录的某部关于社会边缘人群挣扎的剧本，它的对白犀利得像手术刀，直插人心最柔软的地方。我尤其欣赏编剧对复杂人性的刻画，没有简单的好人与坏人，只有在特定情境下做出艰难选择的个体。剧本结构上，它巧妙地运用了非线性叙事，让观众在追溯事件真相的过程中，不断对既有的认知产生颠覆。排练笔记部分也极其详尽，不仅记录了导演对特定场景的构思，还披露了主演在揣摩角色心理状态时的独到见解，对于想深入研究舞台艺术的同行来说，这简直是无价之宝。我记得其中一出历史题材的戏，舞台设计就用了极简主义的手法，仅仅依靠光影和少数道具，就成功营造出宏大的历史氛围，这种“少即是多”的境界，在当今浮躁的戏剧界实在难得。读完后，我立刻去查找了当年的演出录像，发现文字记录所传达的震撼感，丝毫没有打折扣。这本书不仅仅是一本剧本集，它更像是一份珍贵的、对特定年份戏剧生态的深度剖析报告，值得反复品味和研读。

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这本书的装帧和印刷质量实在令人称赞，每一页的纸张都散发着一种温暖的触感，这对于经常与书籍为伴的人来说，是非常重要的体验。我通常习惯在深夜，泡一杯浓茶，在柔和的台灯下阅读这些剧本。其中几部家庭伦理剧，虽然题材看似传统，但其对白的生活化处理达到了惊人的高度。它们没有宏大的叙事，聚焦于餐桌上、客厅里的细微冲突，但正是这些日常的拉锯战，深刻揭示了现代家庭内部权力结构和情感隔阂的真相。我能清晰地想象出舞台上演员微妙的肢体语言——一个不经意的眼神闪躲，一次略显僵硬的拥抱，这些细节在剧本中被记录得丝丝入扣。特别是关于父辈与子辈之间代沟的描绘，处理得极其细腻，没有指责，只有深深的无奈与理解。这类作品的魅力在于它的“可信度”，让你感觉自己随时可能就是舞台上的某一个角色。阅读过程是宁静而沉思的，它引导我回望自己的生活，反思那些被忽略的情感瞬间。它提醒我，最深刻的戏剧冲突，往往就潜藏在我们最熟悉的生活场景之中。

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与其他年份的剧本选集相比，这本1998-1999年的合集在喜剧元素的运用上显得尤为高明和克制。我翻阅时发现了几部讽刺剧，它们用夸张的手法和快速的节奏，将当时社会上的一些荒谬现象无情地暴露出来。这些喜剧的笑点设置得非常巧妙，不是那种低俗的肢体笑料，而是基于情境和语言的精妙错位。比如，其中一部关于企业文化批判的剧作，通过一个荒诞的“目标设定会议”场景，将现代职场的虚伪和官僚主义描绘得淋漓尽致，读到那些官方辞令和空洞口号的重复时，我忍不住哈哈大笑，但笑过之后，心里却涌上一股寒意，因为它太真实了。这些剧本的成功之处在于，它们既能逗人发笑，又能引发严肃的思考，实现了艺术和娱乐性的完美平衡。而且，剧本中对节奏的把控极其严格，你知道什么时候该加快语速制造紧张感，什么时候该停顿留白让笑声回荡。这套书完整地展现了那个时期，优秀剧作家如何用幽默作为武器，去解剖社会的顽疾。

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说实话，我买这本书完全是冲着那些晦涩难懂、挑战观众思维的作品去的。我向来对那些循规蹈矩、结局大团圆的商业演出提不起兴趣，我渴望的是能把我从舒适区里拽出来的艺术体验。这本书里收录的几部先锋戏剧，恰恰满足了我的胃口。其中一篇关于后现代主义解构的剧作，几乎没有传统意义上的情节，完全是由一系列的符号、碎片化的语言和舞台上的即兴行为构成的。初读时我感觉一头雾水，简直像是拿到了一份加密文件，但耐下心来，结合附带的评论家导读，才逐渐领悟到作者试图探讨的“意义的消解”的主题。这种阅读过程本身就是一种智力上的角力，非常过瘾。而且，这些剧本的排练说明中，大量运用了欧洲剧场理论的术语，比如“布莱希特的间离效果”在这里被运用到了极致，导演试图通过不断打断观众的沉浸感，强迫他们从批判的角度审视正在发生的一切。我特别喜欢其中一篇剧本对语言界限的探索，台词的重复与扭曲，营造出一种令人不安的、梦魇般的氛围，读起来让人脊背发凉，这才是真正具有时代精神的戏剧。

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我必须强调这本书在戏剧理论学习方面的价值。它不仅仅是优秀作品的集合，更是一本关于“如何写作”的教科书。其中收录的一部探讨记忆与创伤的独幕剧，结构极其精巧，全剧只有一个演员，全部依靠内心独白和对过去场景的重述来推动。剧本的页边空白处，作者似乎留下了一些手写的标注，虽然有些模糊，但依稀能看出他对场景转换时内心活动逻辑的梳理。这种近乎于“创作日记”的呈现方式，对于任何有志于舞台创作的人来说，都是一次难得的偷师机会。它展示了如何在一个受限的空间内，通过语言的力量去构建一个完整、立体、充满张力的世界。我对比了剧本和一篇附录中的评论，评论家重点分析了该剧如何运用“意识流”的手法，将时间感彻底打乱，从而更好地服务于角色情绪的爆发点。这本书的深度，就在于它不仅给你成品，还展示了制作成品的过程和理论支撑，让你在阅读欣赏之余，还能获得扎实的学术养分。

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