The Films of the Eighties pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McFarland & Co Inc Pub

作者:Nowlan, Robert A./ Nowlan, Gwendolyn Wright

出品人:

页数:868

译者:

出版时间:2006-3

价格:$ 107.35

装帧:Pap

isbn号码:9780786427376

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 八十年代
• 电影史
• 流行文化
• 美国电影
• 类型片
• 导演研究
• 影评
• 文化研究
• 电影产业

光影流金：一窥二十世纪的默片时代与好莱坞的崛起 一本穿越时空的电影史诗，深入剖析了默片黄金时代的艺术成就、技术革新，以及电影工业在20世纪初的蹒跚学步与最终的辉煌奠基。 本书并非对某个特定十年（如八十年代）的电影进行回顾或分析，而是将目光投向了电影艺术的“开端”——那个没有同步对白，全凭演员的肢体语言、布景的恢弘气势和管弦乐队现场配乐来叙事的时代。我们追溯电影这门新兴艺术形式从滑稽短片到史诗巨制的艰难蜕变，揭示了早期电影人如何定义了“电影语言”本身。 第一部分：黑暗中的微光——电影的诞生与早期的探索（约1895-1910年） 本部分聚焦于卢米埃尔兄弟的留声机式记录，以及乔治·梅里爱如何通过魔术般的剪辑和布景，将电影从单纯的记录工具转变为想象力的载体。《月球旅行记》不仅仅是一部早期的科幻片，更是对蒙太奇（Montage）概念的首次无意识实践。 关键议题探讨： 梅里爱的魔法： 详细分析梅里爱在影棚内构建的微缩宇宙，以及他如何利用“定格替换”等技术，创造了现代视觉特效的雏形。 德律风的叙事革命： 考察大卫·沃克·格里菲斯在《大国民生》（The Birth of a Nation）等作品中，对景深、交叉剪辑和复杂的镜头运动的系统性运用。尽管其内容在今日充满争议，但其技术革新对后世影响深远，成为学院派叙事电影的基石。 欧洲的先锋精神： 侧重于法国印象派电影和德国表现主义在视觉风格上的先声夺人。我们探究了让·爱泼斯坦（Jean Epstein）对“光线电影”（Photogénie）的理论思考，以及《卡里加里博士的小屋》如何用扭曲的布景和阴影来投射人物的内心世界。 第二部分：星光初现——好莱坞的“制片厂系统”雏形（约1910-1927年） 随着电影制作中心从东海岸向西海岸转移，工业化的需求催生了最早的片厂体制。这一时期，电影开始真正地成为一种大众娱乐和经济驱动力。 工业化的奠基石： 明星制度的形成： 深入分析玛丽·碧克馥（Mary Pickford）和道格拉斯·范朋克（Douglas Fairbanks）如何从演员转变为制片人，掌握了对自己作品的控制权。他们与查理·卓别林（Charlie Chaplin）一同，塑造了观众对“银幕人物”的最初认知。卓别林通过“流浪汉”这一经典形象，将社会讽刺与无声喜剧的肢体语言推向了巅峰。 长片叙事的成熟： 分析了诸如《十诫》等早期史诗片在叙事结构上的复杂化，以及如何平衡宏大场面与细腻的人物刻画。 俄国蒙太奇学派的影响： 尽管主要在欧洲发展，但爱森斯坦（Eisenstein）的“知性蒙太奇”理论——即通过镜头冲突产生新的意义——对美国电影制作人产生了潜移默化的影响，尤其体现在动作场面的节奏控制上。 第三部分：从寂静到轰鸣——有声电影的冲击与适应（约1927-1930年代初） “有声电影的到来”被认为是电影史上最剧烈的技术断层之一。它不仅改变了观众的体验，更重塑了电影人的工作流程和演员的职业生涯。 技术的颠覆： 《爵士乐之王》的蝴蝶效应： 分析华纳兄弟如何冒险引入“Vitaphone”音响系统，以及这部影片对行业内保守势力的震撼。 演员的困境与转型： 详细记录了那些因口音、嗓音不佳或无法适应声音表演的无声片巨星的陨落，以及如何培养出如克拉克·盖博、詹姆斯·斯图尔特等适应新媒介的“声音演员”。 声音的运用艺术： 考察了早期有声片在处理声音上的笨拙与创新。初期，摄影机被固定在庞大的隔音罩内，限制了镜头运动。然而，一些导演，如鲁本·马莫利安（Rouben Mamoulian），很快找到了将对白、音乐和环境音效融合成叙事工具的方法，而非仅仅是声音的记录。例如，片中对背景人声的运用，如何有效揭示人物所处的社会环境。 总结：奠基者的遗产 本书旨在为读者构建一幅完整的、从机械玩具到成熟艺术形式的视觉叙事演进图景。我们关注的是电影作为一种媒介，如何在诞生后的前四十年中，通过不断的试验、技术引进和工业整合，最终确立了其在世界文化中的核心地位。它探讨的是电影的起源、语言的塑造以及工业框架的建立，与后续任何特定年代（如八十年代的类型片复兴或数字革命）的潮流无关。这是一部关于“如何讲故事”的艺术史，而非关于“什么故事在流行”的娱乐志。

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这本书的非虚构叙事功力简直令人叹为观止，读起来完全不像是在看一本学术性的电影研究，更像是在听一位资深影评人娓娓道来他与那个黄金年代的爱恨情仇。尤其让我印象深刻的是对独立电影浪潮兴起的章节。作者用非常生动甚至有些尖锐的笔触，描绘了那些在主流制片厂体系外挣扎、却最终改变了电影语言的“小人物”。他对约翰·休斯的青春片进行了解构，但重点放在了当时美国中产阶级家庭结构微妙的变化如何投射在高中校园的阶级鸿沟上，而不是简单地怀旧。此外，对恐怖片类型在八十年代如何从纯粹的血腥转向对社会焦虑的隐喻（比如对艾滋病危机、冷战恐慌的映射），那段分析简直是教科书级别的。我尤其喜欢作者那种毫不留情的批判精神，他敢于指出那些被神化的作品在叙事上的瑕疵，使得整本书的论述显得更加平衡和可信。

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我必须承认，一开始我对这种宏大的“年代回顾”有些敬而远之，担心内容会过于泛泛而谈。然而，这本书的深度远超我的预期。它最精彩的部分在于对国际电影格局的细致描绘。比如，书中用相当大的篇幅讨论了欧洲艺术电影在八十年代如何试图反击好莱坞的强势入侵，以及日本电影工业在动画和真人电影制作上展现出的独特美学和技术前瞻性。对我这个对全球电影史有兴趣的读者来说，这种跨文化的比较视角尤为珍贵。作者引用的资料非常扎实，引用了大量当时的业内访谈和未经公开的制片日志。读到关于意大利铅色年代结束之后，电影人如何在新的政治气候下重塑其叙事声音的部分，我简直手不释卷，仿佛亲身感受到了那份挣扎与重生。这本书提供的不仅仅是电影信息，更是一份关于全球文化政治变迁的切片。

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这本书的视角非常独特，它没有把焦点仅仅放在美国的好莱坞主流叙事上，而是巧妙地将叙事轴线延展到了那些在特定类型片中大放异彩的小众流派。我特别欣赏作者对B级片和邪典电影（Cult Films）的致敬与严肃对待。他认为这些看似低俗的电影，实际上是当时社会压抑情绪最直接的宣泄口，是主流文化审查制度的反作用力。书中对那些游走在道德边缘的恐怖片、科幻片进行了深度解读，分析了它们如何反映了当时社会对科技伦理、性别认同等议题的焦虑。这种挖掘主流光环之下“阴影”的做法，让这本书的厚度和广度远超一般的回顾录。它不满足于讲述“什么电影成功了”，更深入地探讨了“什么情绪在那个年代没有被主流允许表达，而只能在暗处生长”。阅读体验是震撼的，它拓宽了我对八十年代电影复杂性的理解。

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翻开这本厚厚的《八十年代光影志》，我仿佛被瞬间拉回了那个霓虹闪烁、充满大胆创意的十年。首先映入眼帘的是对那些开创性视觉特效的深入剖析，那些在当时看来简直是魔法般的技术，比如《星球大战》后续几部作品中对CGI的早期尝试，以及《银翼杀手》那种赛博朋克美学的奠基性作用。作者没有停留在表面赞美，而是挖掘了背后的工业流程和那些幕后英雄的坚持。比如，他详细描述了工业光魔（ILM）是如何一步步克服胶片限制，将科幻片的想象力推向新的高度。书中对角色服装和场景设计的探讨也极其到位，光是阅读关于《早餐俱乐部》中不同青少年群体服饰选择的社会学解读，就足以让人深思半小时。这本书的叙事节奏把握得非常好，它不是枯燥的年代编年史，而是一场充满激情和洞察力的电影考古之旅，让人忍不住想立刻找来那些尘封已久的老电影，重新审视它们在文化土壤中的根基。

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这本书的排版和图片选择简直是一场视觉盛宴，虽然我主要关注的是文字内容，但那些精心挑选的剧照和海报，它们本身就讲述了故事。更重要的是，作者在讨论商业成功与艺术价值之间的微妙关系时，展现出了一种罕见的平衡感。他既不贬低那些纯粹以娱乐为目的的爆米花大片（比如对动作片黄金时代的赞美），同时也精准地指出了那些在商业上受挫但艺术上影响深远的“失败之作”。书中对配乐的分析部分尤其令人耳目一新，比如如何解析合成器音乐如何定义了八十年代的电影音景，以及范吉利斯等音乐家对氛围营造的贡献。这种对“声音”的重视，在很多同类书籍中是被忽略的。它强迫读者去重新审视一部电影，不仅仅是看画面，更是去“听”那个年代的声音特质。

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