Ossie Clark, 1964-74 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Harry N Abrams Inc

作者:Watt, Judith

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2006-5

价格:$ 39.55

装帧:Pap

isbn号码:9781851774074

丛书系列:

图书标签:

• 时尚设计
• Ossie Clark
• 1960s
• 1970s
• 英国时尚
• 服装设计
• 时尚历史
• 设计师
• 流行文化
• 时装秀

伦敦的剪影：1960年代英国时装与文化变迁的侧影 本书深入探讨了二十世纪六十年代至七十年代初，一个剧烈变革时代的英国社会景观，尤其聚焦于伦敦作为全球时尚与文化熔炉的核心地位。我们不聚焦于任何特定设计师的个人传记，而是以更广阔的社会、经济和文化背景为画布，描绘出那个时代特有的视觉语言和精神面貌。 第一章：战后复苏与“摇摆伦敦”的诞生（1960–1965） 战后经济的稳步复苏为英国社会带来了前所未有的活力与自信。经历了战时的物资匮乏和传统约束后，新一代年轻人渴望挣脱束缚，创造属于自己的风格。本章首先勾勒了战后重建时期留下的物质与精神遗产，以及新兴的中产阶级对消费主义的初步接纳。 “摇摆伦敦”（Swinging London）并非一夜之间出现，它是在Carnaby Street、King’s Road等特定街区酝酿而成的亚文化集群。我们分析了这些街区如何从旧有的士绅阶层住所转变为青年文化和前卫时尚的试验田。关键在于，这不再是高级定制（Haute Couture）自上而下的影响，而是街头文化、音乐（尤其是披头士和早期的英伦入侵浪潮）与商业化零售的相互渗透。 这一时期的服饰特点是：明亮的色彩、A字形剪裁的简约化，以及对传统性别着装规范的初步挑战。我们考察了当时主导零售业的几家重要精品店，它们如何通过批量生产的成衣（Ready-to-wear）概念，将时尚民主化。本章还探讨了媒体，特别是《Vogue》英国版和新兴的周刊杂志，如何捕捉并放大这种年轻化的审美趋势。 第二章：社会阶层的消融与身份的重塑 六十年代是英国社会结构经历剧烈松动的时期。教育的普及、社会福利的扩展以及工人阶级收入的提高，使得传统意义上的阶级界限开始模糊。时尚成为这种社会流动的最直观体现。 本章深入剖析了“摩德族”（Mods）和后来的“皮肤族”（Skinheads）等青年亚文化群体如何利用服饰来定义和宣示自己的身份。摩德族对意大利剪裁、Scooter摩托车的迷恋，以及对精致细节的追求，体现了他们对工作阶层刻板印象的反叛，转而拥抱一种更加“都市化”和“前卫”的自我定位。我们对比了这些街头风格与上流社会依然遵循的传统着装规范，揭示了文化权力中心的转移——焦点正从上流沙龙转向街头。 此外，本章还关注了音乐的影响力，如爵士乐、节奏布鲁斯以及英国本土摇滚乐的兴起，如何为服装设计提供了源源不断的灵感。音乐节和小型音乐场地成为了视觉表达的重要场所。 第三章：女性解放的先声：身体与自由的宣言 七十年代初，第二波女权主义运动的浪潮开始涌现，这深刻影响了女性服饰的演变。从六十年代初期的迷你裙对传统保守的挑战，到七十年代初期对更实用、更宽松剪裁的追求，女性的穿着正日益成为对身体自主权和职业抱负的宣言。 我们探讨了“青年解放”如何与“女性解放”在视觉上产生交汇。迷你裙的普及不仅仅是时尚宣言，更是对限制女性行动和自由的旧有道德观的公开反抗。本章详细分析了裙长、面料选择（如人造纤维的普及）对日常行动力的影响。 七十年代初期的趋势，如喇叭裤、流苏、以及对异域（特别是游牧民族风格）的借鉴，象征着对传统工业化社会审美疲劳的反弹，转而追求一种更“自然”和“流动”的状态。这反映了社会对更人性化、更少束缚的生活方式的向往。 第四章：技术革新与全球化视野的初现 本时期是纺织技术和材料科学取得突破的黄金阶段。人造纤维，如聚酯纤维和尼龙的大规模应用，不仅降低了服装成本，也使得设计师能够实现过去难以想象的夸张廓形和鲜艳色彩。 本章将目光投向了服装生产链的工业化和全球化倾向。英国时装不再仅仅是本土现象，它开始通过出口和国际媒体的关注，影响北美和欧洲大陆的时尚走向。我们考察了当时英国设计在面料运用和印花设计上的独特之处，如大胆的几何图形、迷幻的色彩组合，以及对波普艺术的回应。 同时，我们也分析了“太空时代”美学的影响，虽然不似法国和意大利那样极端，但英国设计师和零售商也吸收了对未来科技的想象，体现在一些前卫的配饰和光泽感面料的使用上。 第五章：从“摇摆”到“反思”：时代的转折点 七十年代初期，英国经济遭遇了石油危机和工业动荡，昔日那种无忧无虑的“摇摆”氛围开始减弱，取而代之的是一种更加现实和内省的基调。 时尚也从极度的外放转为更加注重质感、舒适度和个人主义的表达。本章描述了“嬉皮士”美学对主流的渗透，这种审美强调手工制作、复古情怀和对回归土地的渴望，与前十年对未来技术的迷恋形成了鲜明对比。 最终，本书将描绘出1974年前后，英国时尚界所处的十字路口：传统定制的残余力量正在衰退，而朋克等更具颠覆性的新运动正蓄势待发。这个时期是英国社会在战后乐观主义破灭，迈向后现代解构主义的过渡阶段，其服装史即是理解这一社会心理转变的绝佳窗口。 通过对当时环境、社会阶层动态、性别角色的变化以及技术进步的细致考察，本书旨在提供一个丰满的、多维度的视角，理解一个时代在面料、剪裁和街头语言中留下的深刻印记。

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说实话，这本书的阅读体验是充满矛盾的。一方面，它极其光彩夺目，那些关于“自由女神”风格的描述，以及对摇滚乐文化如何融入时装的分析，确实令人兴奋。然而，另一方面，文字中流露出的那种对逝去美好时代的深深眷恋，却带着一种挥之不去的忧伤。作者似乎在用一种极其华丽的方式，为那个时代的戛然而止而哀悼。我在阅读过程中，反复被一种“无可挽回”的情绪所笼罩。它不仅仅记录了设计的美学，更触及了文化变迁中必然的失落感。这种情绪的张力，使得这本书的基调远比一般的时尚画册要厚重得多。它迫使读者思考，在一切都追求速度和效率的今天，那种慢工出细活、对美有近乎偏执的追求，是否真的已经成为历史的绝唱。这绝不是一本轻松的读物，它需要你带着思考和共情去进入。

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我必须强调这本书在视觉描述上的强大功力，虽然它本质上是一本文字书，但它几乎让你不需要插图也能“看”到那些衣服。作者使用的动词和形容词极其精准有力，比如形容裙摆“如同被风暴催熟的蒲公英”，或者衬衫的领口“像一只被驯服的蝴蝶结”。这种文学化的表达方式，极大地提升了阅读的愉悦感，让原本可能枯燥的工艺描述变得生动有趣。它成功地捕捉到了那个时期“异国情调”和“迷幻色彩”的精髓，并且将其成功地转化为可以被文字解读的感官体验。这本书读完后，我感觉自己对“风格”这个概念有了新的认识，它不再是表面的装饰，而是一种由内而外散发出来的、与时代精神紧密捆绑的内在驱动力。这是一本对美学有极致追求的作者写给同好的一封情书，读起来酣畅淋漓，仿佛被卷入了一场永不落幕的盛大派对的余韵之中。

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这本书的结构处理得非常巧妙，它没有采用严格的线性叙事，而是通过一系列碎片化的、高度个人化的回忆片段来构建整体形象。这种叙事方式，就像是翻看一本被精心保存多年、边缘已经磨损的私人剪报集。不同章节之间，时间线索时而交错，时而重叠，这恰恰反映了记忆本身的特点——不是一板一眼的记录，而是情感爆发点的重现。我特别欣赏作者对于人物性格的刻画，那些鲜活的、充满生命力的个体形象跃然纸上，他们之间的合作与冲突，甚至比服装本身更引人入胜。它成功地将“时装”从一个纯粹的物质对象，提升到了一个复杂的人际互动和艺术哲学的高度。如果你期待的是一本教科书式的、条理清晰的编年史，这本书可能会让你感到些许迷失，但如果你追求的是一种沉浸式的、文学性极强的体验，那么它绝对是上乘之作。

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我对这本书的编排和细节的考据程度感到由衷的敬佩。它不像是一本普通的传记或回忆录，更像是一份极其详尽的、带有强烈个人情感色彩的艺术档案。书中的许多段落，对于当时设计过程中的挣扎与灵感迸发的瞬间，描写得极其细腻。我尤其喜欢作者对于面料采购和供应链管理的探讨，这部分内容常常被时尚史的书籍所忽略，但它却是理解一个品牌如何从概念走向现实的关键。这种近乎于解剖学的分析，让我对“设计”这个行为有了更深层次的理解，它远不止于画图和缝纫，更关乎商业的敏锐度和对市场情绪的精确把握。文字的密度很高，信息量爆炸，我不得不放慢速度，甚至需要时不时地停下来，在脑海中重构那些描述的画面。这本书无疑是为那些真正热爱时尚工艺和幕后故事的人准备的，它毫不留情地揭示了光环背后的汗水与坚持。

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这本书简直就是一扇通往那个黄金时代的窗户，让我身临其境地感受到了那个时代时尚界的脉搏。作者对色彩的运用、面料的选择，以及剪裁上的大胆革新，都描绘得入木三分。我仿佛能闻到那种老式香水和新裁剪布料混合在一起的气味，看到那些华丽的派对场景。尤其是书中对那些标志性设计的描述，那种流动的线条和对女性身体的赞美，读起来让人心驰神往。它不仅仅是关于服装的历史，更是关于一个社会思潮的变迁，那种冲破束缚、追求自由的精神，通过那些优雅的裙摆和夸张的喇叭袖，被完美地捕捉了下来。读完之后，我立刻产生了去博物馆寻找相关展品的冲动，希望能亲眼看看那些文字中描绘的奇迹。这本书的叙事节奏掌控得极好，时而像一场酣畅淋漓的时尚秀，时而又像一次深入灵魂的访谈，让人完全沉浸其中，欲罢不能。

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