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出版者:For Dummies

作者:Thomas Hoving

出品人:

页数:440

译者:

出版时间:1999-9-24

价格:USD 24.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780764551048

丛书系列:

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深入探索西方艺术史：从古典到现代的视觉之旅 作者： 艺术史研究团队 出版信息： 2023年秋季版 页数： 680页（精装） 定价： 450元 ISBN： 978-1-56789-012-3 --- 内容简介： 《深入探索西方艺术史：从古典到现代的视觉之旅》是一部全面、深入且富有洞察力的艺术史著作，旨在为严肃的艺术爱好者、学生以及寻求系统知识的文化探索者提供一个坚实而广阔的知识框架。本书摈弃了浅尝辄止的表面介绍，而是致力于剖析西方艺术在数千年发展历程中的内在逻辑、社会背景、技术演进及其核心思想的交替与冲突。 全书分为五大部分，共计二十章，通过对数千幅重要艺术作品的细致解读，勾勒出一条清晰而富有张力的历史脉络。我们不仅关注那些“必看”的杰作，更深入挖掘那些在特定历史时期起到关键性过渡作用的“隐形”作品，力求呈现一幅立体而非扁平的艺术全景图。 第一部分：文明的曙光与形式的奠基（约公元前3000年 – 公元400年） 本部分聚焦于西方艺术的起源，探究其如何从功能性需求逐步发展成为具有审美和精神象征意义的表达方式。 第一章：尼罗河与美索不达米亚的早期符号学 我们将从古埃及的永恒性追求和等级秩序的视觉体现入手，分析象形文字与雕塑如何服务于宗教和王权。随后，转入两河流域，探讨苏美尔、阿卡德和巴比伦文明中，早期城市规划、神庙建筑以及浮雕叙事手法的形成与演变，重点解析《汉谟拉比法典》石碑等文本艺术的意义。 第二章：爱琴海的辉煌与迈锡尼的战争叙事 深入爱琴海文明，研究米诺斯文明（克里特岛）中对自然生命力的自由描绘，例如著名的“海豚壁画”。对比迈锡尼文明中展现的防御性建筑风格和对黄金艺术的偏爱，揭示早期地中海文化在艺术表达上的地域差异。 第三章：古希腊：理想、和谐与人类的尺度 这是艺术史上一个关键的转折点。本章详细梳理了古风时期（Archaic）雕塑从僵硬的“库洛斯”（Kouros）向古典时期（Classical）的完美主义过渡。我们将剖析黄金时代（伯里克利时代）建筑（帕特农神庙）中的数学比例（如黄金分割），以及菲狄亚斯和波留克列特斯如何确立了“理想人体”的标准。后续章节将探讨希腊化时期（Hellenistic）艺术如何开始引入戏剧性、情感张力和对痛苦的刻画，预示着未来艺术表达的复杂性。 第四章：古罗马：工程、权力与现实主义的继承 本章分析罗马人如何继承并改造希腊的艺术遗产。重点在于罗马在建筑工程（如万神殿的巨大穹顶技术）和实用艺术（如公共浴场、引水渠）上的创新。在肖像艺术方面，我们将比较共和时期对真实面貌的刻板记录（Verism）与帝国时期为颂扬皇帝功绩而创作的理想化雕塑（如奥古斯都胸像），探究艺术如何成为政治宣传的工具。 第二部分：信仰的时代：中世纪的视觉神学（约公元400年 – 1400年） 中世纪的艺术不再以人的感官体验为中心，而是服务于一个超验的、神圣的真理。本部分关注图像如何成为“不识字者的圣经”。 第五章：早期基督教与拜占庭的圣像传统 探讨君士坦丁大帝后，基督教艺术如何从地下墓穴走向公共空间。重点剖析拜占庭艺术（如圣索菲亚大教堂）的马赛克技术，解析其对空间透视的放弃，以及“神性之光”的抽象表达。对“圣像破坏运动”及其对图像制作的深远影响进行分析。 第六章：凯尔特人的交织与蛮族艺术的活力 本章将目光投向西欧边缘地区，研究受日耳曼民族迁徙影响的艺术风格。重点剖析《凯尔经》（Book of Kells）等手抄本中复杂、富有韵律感的带状图案和动物造型，揭示其与古典传统的区别和融合。 第七章：罗马式建筑的厚重与朝圣之路 研究修道院运动（特别是克吕尼和熙笃会）对欧洲文化版图的重塑。罗马式（Romanesque）教堂的厚墙、小窗户和桶形拱顶如何体现安全感和对信徒的约束。分析圣殿骑士团和朝圣路线沿途雕塑（如穆瓦萨克的《最后的审判》）如何用恐怖与希望的视觉语言教化大众。 第八章：哥特式的光芒与高度的追求 哥特式（Gothic）是中世纪艺术的巅峰。本章详细解析尖拱、飞扶壁和肋拱顶的工程学突破如何使教堂墙壁得以被巨大的彩色玻璃窗取代，实现了“光线建筑”的理想。我们将对比沙特尔大教堂和兰斯大教堂，分析雕塑如何逐渐从建筑依附物中解放出来，展现出更自然的人体形态。 第三部分：人性的觉醒与秩序的重建（约1400年 – 1600年） 文艺复兴时期，艺术重新聚焦于人文主义、科学观察以及对古典智慧的再发现。 第九章：早期文艺复兴的佛罗伦萨实验 本章聚焦于佛罗伦萨的文化土壤，分析乔托（Giotto）的突破性成就——引入情感深度和空间感。深入探讨布鲁内莱斯基的建筑透视法理论，以及马萨乔作品中对科学观察的早期应用。 第十章：盛期文艺复兴的巨匠与完美的追求 详细分析达·芬奇（科学与艺术的融合）、米开朗基罗（“未完成”的内在力量与雕塑的解放）以及拉斐尔（和谐与理想化的肖像大师）的创作理念与技法。对梵蒂冈教廷在艺术赞助中所扮演的角色进行探讨。 第十一章：北方法实主义与油画技术的革新 将焦点转向尼德兰地区，分析凡·艾克兄弟等艺术家如何通过精湛的油画媒介运用，实现了对光线、材质和微观细节无与伦比的描绘能力，以及其作品中隐藏的宗教象征意义。 第十二章：宗教改革的冲击与“反宗教改革”的艺术 探讨马丁·路德引发的肖像与圣像争论对北欧艺术（如丢勒的版画）的影响。随后分析在罗马，特伦特会议后天主教会如何利用巴洛克艺术的戏剧性力量来重新吸引信徒。 第十三章：威尼斯画派：色彩的王国 专门探讨威尼斯画派（乔尔乔内、提香）如何将“色彩”（Colore）置于“素描”（Disegno）之上，以及他们对自然光影和世俗题材（如神圣的爱情）的探索如何影响了后世的油画技法。 第四部分：冲突、情感与理性的交锋（约1600年 – 1850年） 巴洛克、洛可可与新古典主义的对立，反映了欧洲在科学革命、绝对君主制和启蒙运动中的社会剧变。 第十四章：巴洛克的戏剧性：卡拉瓦乔与光影的对决 剖析卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对比法”（Tenebrism）如何为巴洛克艺术注入了前所未有的现实感和强烈的精神张力。同时，探讨贝尔尼尼如何将雕塑、建筑与戏剧融为一体，创造出令人震撼的感官体验。 第十五章：欧洲宫廷的奢华与优雅：洛可可的短暂辉煌 分析路易十五时期法国贵族阶层对艺术趣味的转变，洛可可（Rococo）风格如何以其柔和的色彩、曲线和享乐主题（如华托和弗拉戈纳尔的作品）反映了旧制度的最终放纵。 第十六章：启蒙运动与新古典主义的回归 探讨启蒙思想（理性、美德、共和精神）如何促使艺术家（如大卫）回归古希腊罗马的“崇高”风格，以规范社会道德。我们将分析庞贝遗址的发掘对这一运动的直接推动作用。 第十七章：浪漫主义：情感、异域与自然的伟大 作为对新古典主义僵硬理性的反叛，浪漫主义（Romanticism）将主观情感、想象力、对中世纪的迷恋以及对未开化自然的敬畏提升到核心地位。详细研究戈雅的阴郁政治批判、德拉克洛瓦的动感叙事和透纳对光线和大气现象的迷恋。 第五部分：现代性的开端与艺术的解构（约1850年 – 1900年） 工业革命、摄影术的出现以及城市化的进程，彻底动摇了艺术的传统功能，迫使艺术家寻求全新的视觉语言。 第十八章：现实主义的目光与现代生活的纪实 分析库尔贝如何以“坦率无畏”的态度描绘普通劳动者的生活，拒绝浪漫主义的逃避。探讨马奈如何通过其大胆的构图和对观看者目光的直视，成为了连接现实主义与印象派的关键人物。 第十九章：印象派的瞬间捕捉与光学革命 深入分析印象派（Impressionism）如何受到新光学理论的影响，致力于在画布上记录短暂的光影和色彩感受。研究莫奈对同一场景在不同时间的光线变化研究，以及德加对非传统视角（如芭蕾舞排练）的偏爱。 第二十章：后印象派的内在结构与主观表达 本章总结了19世纪末的艺术探索。塞尚如何致力于恢复形式和结构的稳定，被誉为“现代艺术之父”；梵高如何将强烈的个人情感倾注于笔触之中；而高更则转向了象征主义和对“原始”文化的探索，为20世纪的艺术爆发奠定了多重基础。 --- 本书特色： 跨学科整合： 文本巧妙地将艺术史与同时期的哲学思潮、政治事件和科技进步相结合，确保读者理解艺术作品产生的深层社会语境。 高保真图像： 全书配有超过500幅高清全彩图版，其中许多图像经过专业色彩校正，力求还原原作的微妙色调。 深度分析框架： 每章末尾设有“结构解读”模块，引导读者从材料、技法、赞助人和意识形态四个维度系统地分析作品。 详细的术语索引与时间轴： 附录提供了详尽的艺术史名词解释和涵盖两千多年历史的对照时间轴，便于快速查阅和复习。 《深入探索西方艺术史》不仅仅是一部参考书，它是一份邀请函，邀请读者亲自走进历史的画廊，与那些永恒的创造者进行一场跨越时空的对话。

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这本书的结构设计非常人性化，完全符合“Dummies”系列一贯的风格。我一直对艺术史的各个时期和流派感到头晕目眩，总是记不住那些复杂的名称和时间线。但《Art for Dummies》的章节安排非常清晰，从最早期的洞穴壁画，到古埃及、古希腊、罗马，再到中世纪、文艺复兴，每一个时期都用大量的插图和简洁的文字进行介绍。它并没有试图涵盖所有内容，而是抓住每个时期最重要、最有代表性的特点进行阐述。我特别喜欢关于“文艺复兴”的那部分，它详细介绍了达芬奇、米开朗琪罗等大师的作品，以及他们如何在人文主义思潮的影响下，将艺术推向新的高峰。书中对“透视法”的解释尤其到位，通过图示和案例，我终于明白了为什么文艺复兴时期的绘画看起来那么立体和真实。而且，这本书还不仅仅是罗列事实，它更侧重于解释这些艺术作品背后的文化和社会背景。比如，它会提到基督教对中世纪艺术的影响，或者政治和社会动荡如何催生了某些艺术流派。这让我感觉自己读的不仅仅是一本艺术入门书，更是一本通识读物，它帮助我建立了一个更加宏观和立体的历史视角。

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这本书简直是为像我这样完全不懂艺术的人量身定做的！我一直觉得艺术是一种高高在上的、普通人难以企及的东西，充满了晦涩的术语和神秘的潜规则。但《Art for Dummies》彻底颠覆了我的认知。它以一种极其平易近人的方式，从最基础的概念讲起，比如什么是“形式”和“内容”，色彩是如何影响情绪的，构图的原则有哪些等等。我从来没有想到，原来了解一幅画的构成元素可以这么有趣！作者并没有上来就给我灌输那些复杂的艺术史流派，而是先从识别艺术品的基本技能开始，比如如何观察笔触、光影和透视。我跟着书里的指导，尝试去分析我眼前看到的任何东西，无论是墙上的挂画还是手机里的图片，都变得生动起来。书中还穿插了大量的案例分析，详细讲解了不同时期、不同风格的艺术作品是如何运用这些基本原理的。我特别喜欢关于“印象派”的那一部分，作者用生动的语言描述了莫奈是如何捕捉光线在不同时间下的变化，以及他如何突破传统绘画的束缚。这让我意识到，艺术不仅仅是模仿现实，更是一种对现实的解读和表达。读这本书，我感觉自己不再是一个被动的观赏者，而是一个有能力去理解和欣赏艺术的参与者。它让我对艺术产生了浓厚的兴趣，也激发了我想要亲自去体验艺术创作的冲动。我迫不及待地想去美术馆，用我新获得的知识去“解读”那些曾经让我望而生畏的艺术品。

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这本书的叙事方式非常吸引人，让我在轻松愉快的阅读过程中，不知不觉地掌握了许多艺术知识。我一直对“巴洛克艺术”和“洛可可艺术”这些风格感到混淆，总觉得它们都是那种非常华丽、装饰繁复的风格。但是，《Art for Dummies》用非常生动的语言，把它们之间的区别解释得一清二楚。它会描绘出巴洛克艺术那种宏大、戏剧化的场面，以及洛可可艺术那种精致、优雅的细节。书中还用了很多生动的比喻来形容这些艺术风格的特点，比如把巴洛克艺术比作一场盛大的戏剧表演，而把洛可可艺术比作一场精致的舞会。我特别喜欢关于“浪漫主义”的那部分，它详细介绍了那些追求情感、自由和个性的艺术家，以及他们如何用充满激情和想象力的作品来表达内心的世界。书中对德拉克洛瓦、戈雅等艺术家的介绍，让我感受到了艺术的力量和激情。它让我明白，艺术不仅仅是技巧的展示，更是情感的释放和心灵的写照。

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不得不说，这本书让我重新审视了“美”的定义。我一直认为美丽就应该是对称、和谐、赏心悦目的，但《Art for Dummies》却让我看到了艺术中“不完美”和“丑陋”所蕴含的力量。它专门辟出了章节来讨论“丑陋”在艺术中的作用，比如表现主义中的焦虑和痛苦，或者超现实主义中的怪诞和荒谬。我以前看到那些看起来“恐怖”或“压抑”的艺术品，总是无法理解，甚至会产生排斥感。但通过书中对弗朗西斯·培根、爱德华·蒙克等艺术家作品的解读，我才明白，原来艺术也可以直面人性的阴暗面，也可以表达那些难以启齿的情感。作者用一种非常温柔和鼓励的方式，引导读者去尝试理解和接纳这些“不那么美好”的艺术。它让我意识到，艺术的价值并不仅仅在于提供愉悦，更在于引发思考，甚至触及心灵深处的某些角落。书中还提到了一些当代艺术家的作品，他们运用各种意想不到的材料和方式来创作，挑战着我们固有的审美观念。这让我觉得，艺术是一个永远充满惊喜和可能性的领域，而《Art for Dummies》就是我探索这个领域的最佳向导。

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这本书真的让我感受到了艺术的“温度”。我一直以为艺术品都是陈列在博物馆里，高高在上、触不可及的。但《Art for Dummies》却强调了艺术与我们生活的紧密联系。它介绍了许多生活化的艺术形式，比如建筑设计、家居装饰、甚至服装设计。它让我明白，艺术不仅仅是挂在墙上的画，而是渗透在我们生活的方方面面。书中还采访了一些艺术家，让他们分享了自己的创作灵感和生活感悟。我特别喜欢一位雕塑家的话，他说他创作的灵感来自于他家乡的自然风光，来自于他儿时的回忆。这些真实的经历和情感，让我觉得艺术家也和我们一样，有喜怒哀乐，有自己的生活。这本书还鼓励我们去发现和创造属于自己的艺术。比如，它提供了一些关于如何用简单的材料进行手工创作的建议，以及如何通过摄影来记录生活的美好。这让我觉得，艺术并不是只有少数天才才能拥有的特权，而是每个人都可以去体验和享受的。

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这本书最大的价值在于它彻底打消了我对艺术的“敬畏感”。我一直觉得艺术是高高在上的，需要有深厚的学识才能欣赏。但是，《Art for Dummies》用一种非常亲切和鼓励的方式，让我意识到，每个人都可以是艺术的爱好者。它并没有教我如何成为一个专业的艺术评论家，而是教我如何用自己的眼睛去观察，用心去感受，用自己的语言去表达。书中提供了一些非常实用的欣赏技巧，比如如何找到作品中最吸引你的地方，如何思考作品让你产生了怎样的联想，以及如何将自己的观感与他人的观点进行交流。它让我觉得，艺术欣赏是一个非常个性化的过程，没有对错之分，只有不同的体验和感受。这本书让我对艺术的态度发生了根本性的转变，从一个被动的旁观者，变成了一个积极的探索者。它让我明白，艺术世界是如此广阔和精彩，而我，也终于找到了进入这个世界的钥匙。

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我必须承认，我曾经对“当代艺术”感到非常困惑和抵触。在我看来，很多当代艺术作品看起来就像是随手涂鸦，或者根本没有意义。但是，《Art for Dummies》用一种开放和尊重的态度，帮助我重新认识了当代艺术。它并没有强迫我去喜欢那些我无法理解的作品，而是引导我从更广阔的视角去思考它们。书中探讨了“观念艺术”是如何将思想置于作品形式之上的，也解释了“装置艺术”和“行为艺术”是如何打破传统艺术的界限的。我特别喜欢关于“波普艺术”的章节，它详细分析了安迪·沃霍尔如何将大众文化元素融入艺术创作，以及这种做法如何挑战了艺术与生活的界限。这本书让我意识到，当代艺术更多的是在表达一种观念、一种态度，而不是仅仅追求形式上的美感。它鼓励我去思考艺术家为什么要这样做，以及这些作品想要传达什么信息。这让我觉得，即使是那些看似“奇怪”的当代艺术，也有其独特的价值和意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的像一位耐心而博学的老师，一步一步地带领我走进艺术的世界。我最头疼的就是那些复杂的艺术术语，比如“晕涂法”、“空气透视”等等，总觉得它们是艺术家们用来吓唬外行人的。但是，《Art for Dummies》用非常生活化的语言，把这些术语都解释得清清楚楚。它甚至会用一些简单的比喻来帮助我理解，比如把“黄金分割”比作一幅画面的“平衡木”，或者把“印象派”的光影变化比作阳光透过树叶洒下的斑驳光影。我最欣赏的是书中关于“材料与技法”的那部分，它详细介绍了不同绘画材料的特性，比如油画、水彩、丙烯，以及它们所能达到的不同效果。我还学到了很多关于雕塑、版画、摄影等其他艺术形式的基础知识。它让我明白，艺术家选择不同的材料和技法，是为了更好地表达自己的想法。书中还提供了一些非常有趣的“小练习”，比如让我尝试用不同的颜色来表达同一种情绪，或者尝试用简单的线条来勾勒出事物的轮廓。这些练习虽然简单，但却能极大地提升我的观察力和创造力。

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《Art for Dummies》这本书最让我惊喜的是它对“艺术与社会”关系的深刻探讨。我之前一直以为艺术只是艺术家个人的表达，与社会没什么太大的关系。但是，这本书让我看到了艺术是如何反映社会现实，又是如何影响社会的。它详细介绍了那些具有社会批判精神的艺术作品，比如纪实摄影、政治漫画，以及那些关注社会问题的当代艺术。我特别喜欢书中关于“社会现实主义”的章节，它介绍了那些描绘工人阶级生活、反映社会不公的艺术作品。它让我意识到，艺术可以成为一种发声的工具，可以引起人们对社会问题的关注。书中还探讨了艺术在政治宣传、宗教传播等方面所扮演的角色。这让我觉得，艺术不仅仅是美学上的追求，更是一种具有强大力量的社会实践。它让我开始思考，我所看到的艺术品，它们背后隐藏着怎样的社会意义和价值。

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这本书真的让我对“大众化艺术”有了全新的认识。我一直以为艺术评论就是那些专业人士才能懂的“黑话”，但《Art for Dummies》却用最简单的语言，把复杂的艺术理念剖析得淋漓尽致。我印象最深刻的是关于“表现主义”的章节，它详细解释了艺术家如何通过扭曲的形态和强烈的色彩来表达内心的情感和体验。我以前看那些看起来“奇怪”的画作，总觉得是艺术家在故弄玄虚，但读了这本书，我才明白，原来这些“奇怪”背后隐藏着艺术家深刻的情感挣扎和对世界的独特视角。作者并没有回避那些比较“前卫”的艺术形式，反而以一种鼓励探索的态度，引导读者去理解它们背后的逻辑和价值。例如，关于“抽象艺术”，书中并没有简单地将其定义为“看不懂”，而是深入浅出地分析了蒙德里安的几何抽象是如何追求纯粹的视觉语言，以及波洛克是如何通过“滴画”来表达一种自发性和能量的。这让我意识到，艺术的边界是不断被拓展的，而理解艺术的关键在于打开自己的思维，接受不同的表达方式。这本书还提供了一些非常实用的方法，比如如何“开始”欣赏一件作品，如何提出自己的观点，以及如何与其他艺术爱好者交流。它让我感觉自己不再是孤军奋战，而是一个加入了艺术探索大军的普通人。

评分☆☆☆☆☆

内容本来不错，可惜排版太糟糕了

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