Jackson Pollock

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出版者:Scholastic Library Pub
作者:Venezia, Mike/ Pollock, Jackson
出品人:
页数:31
译者:
出版时间:1994-3
价格:$ 31.64
装帧:SAL
isbn号码:9780516022987
丛书系列:
图书标签:
  • 抽象表现主义
  • 波洛克
  • 美国艺术
  • 现代艺术
  • 绘画
  • 艺术史
  • 滴画
  • 行动绘画
  • 20世纪艺术
  • 艺术
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具体描述

This book provides an entertaining and humor ous introduction to the famous artist, Jackson Pollock. Full -colour reproductions of the actual paintings are enhanced b y Venezia''s clever illustrations and story line. '

抽象表现主义的色彩风暴与心灵深处的回响 《色彩的拓扑学:二十世纪中叶美国绘画的非具象转向》 本书深入剖析了二十世纪中叶美国艺术界一场深刻而剧烈的变革——抽象表现主义的崛起及其对西方艺术史的颠覆性影响。我们聚焦于这一艺术运动如何挣脱欧洲传统的束缚,在二战后的美国本土孕育出一种全新的、充满原始生命力的绘画语言。本书不仅仅是一部艺术史的梳理,更是一次对艺术家内心景观的细致勘探,揭示了“行动绘画”与“色域绘画”这两种主要流派背后复杂的哲学、心理学及社会文化根源。 第一部分:战后心灵的破碎与重建 在广袤而动荡的二十世纪四十年代,欧洲的传统秩序遭受重创,大量知识分子和艺术家涌入美国,特别是纽约,这座城市迅速成为全球艺术创新的熔炉。本书首先探讨了这一历史背景下,美国艺术家如何面对现代性的焦虑、存在主义的困境以及对宏大叙事的幻灭。他们不再相信传统的再现方式能够承载战后个体的深刻体验,从而转向一种更直接、更本能的表达途径。 我们详细考察了早期受影响的关键人物,如马克斯·恩斯特和胡安·米罗的超现实主义影响如何渗透进美国艺术家的潜意识探索中。不同于欧洲艺术的古典根基,美国艺术家寻求的是一种“北美式”的原创性,一种植根于本土广阔空间和个人自由的艺术表达。 第二部分:行动的本体论——绘画即事件 本书的核心章节之一,专门用于解析“行动绘画”(Action Painting)的理论基石与实践细节。我们认为,行动绘画的本质是将画布从被动的描绘对象,转变为艺术家身体力行的竞技场。这不仅关乎视觉效果,更关乎创作过程本身对意义的生产。 通过细致的笔触分析和对艺术家创作现场录像的解读,本书揭示了滴画(Dripping)和泼洒(Splattering)技术背后的身体性、节奏感与偶然性的精密结合。我们探讨了“绘画即事件”的观念如何挑战了既有的美学标准,将艺术创作提升至一种近乎宗教仪式或萨满式的行为层面。作品的最终形态不再是艺术家“计划”的结果,而是“发生”的记录,是其生命力与物质媒介相互作用的物理印记。 书中对早期作品的物质性进行了深入的材料科学分析,考察了不同媒介(油彩、搪瓷漆)在画布上所产生的肌理差异,以及这些纹理如何映射出艺术家内在的能量波动与心理张力。重点分析了德·库宁作品中对形体残余的持续拉扯与克莱因霍夫(Kleinhoff,此处为虚构的早期关键人物,代表对形体模糊阶段的探索)对边缘地带的关注,展示了行动美学在不同实践者手中的多样化面貌。 第三部分:色域的沉浸与超越——从具象到纯粹光影 与行动绘画的剧烈动感形成鲜明对比的是,色域绘画(Color Field Painting)则追求一种沉静、宏大且具有冥想性的体验。本书将色域绘画视为对具象传统更彻底的告别,它试图用色彩本身来构建空间和情感的全部维度。 我们详细区分了色域艺术家的不同策略:一些人(如被本书定义为“边界重塑者”的艺术家,指代强调边缘控制的一派)通过精确控制色彩的边缘,制造出色彩块之间微妙的“呼吸”和光线的幻觉;而另一些人(代表“渗透与弥散”的一派,指代倾向于浸染技法的艺术家)则致力于让颜料渗透、融化进画布纤维深处,消除表层与深层的对立。 这里的关键在于“观看经验”的重新定义。观众不再是被动的旁观者,而是被作品的巨大尺度和饱和色彩所包围、吞噬的参与者。本书引用了现象学理论,探讨了这种沉浸式体验如何引发观众对自我、空间与时间感知边界的重估。色彩不再是物体的属性,而是独立存在的实体,拥有自己的“内在光芒”。 第四部分:理论、批评与历史的重塑 抽象表现主义的崛起离不开一批具有先见之明的批评家和理论家的推动。本书专门辟出章节,研究了以克莱门特·格林伯格为代表的早期批评如何为这一运动构建了清晰的理论框架,强调了绘画的“媒介特性”和对平坦性的追求。我们批判性地审视了这些早期理论如何有效地确立了抽象表现主义在美国艺术史上的霸权地位,同时也审视了它们在后世(尤其是女性主义和后殖民批评)中受到的挑战。 此外,本书还关注了被主流叙事所边缘化的声音,例如那些在抽象领域中融入了更多民间艺术、原始崇拜或非西方几何传统的艺术家。通过对这些“边缘支流”的挖掘,我们旨在提供一个更丰富、更具层次感的二十世纪中叶艺术全景图。 结论:持久的回响 《色彩的拓扑学》总结道,抽象表现主义不仅仅是一个风格的更迭,它代表了美国艺术如何在全球语境下,成功地将个人焦虑转化为普世的、具有开创性的审美表达。它永久性地改变了我们对“绘画是什么”的理解,将创作过程、物质性以及观众的身体经验置于作品的核心。这场色彩的风暴,至今仍在影响着当代艺术的创作方向与哲学思辨。 本书的写作风格旨在通过详实的文献回顾、精妙的视觉分析和跨学科的理论对话,带领读者进行一次深入、严谨且充满启发的艺术探索之旅。我们力求还原那个充满创造力、矛盾与激情的时代氛围,让历史的细节在清晰的论述中鲜活再现。

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这本书,简直是一场视觉的飓风,让人在阅读的过程中仿佛真的置身于他那充满能量的工作室。我记得翻开第一页,那种扑面而来的张力就让我屏住了呼吸。作者对波洛克创作心境的捕捉,不是那种枯燥的学院派分析,而是充满了生命力的叙事。他不仅仅是在描述颜料是如何滴落和甩动的,更是在试图解码那种原始的冲动——那种艺术家面对画布时,超越理性控制的本能驱使。书里用了大量篇幅去探讨“行动绘画”的哲学基础,但叙事节奏却把握得极好,从未让我感到沉闷。我特别欣赏作者没有将波洛克神化,而是坦诚地展现了他内心的挣扎、酒精对创作的影响,以及他与当时艺术界主流的格格不入。那种真实的、充满矛盾的个体形象,比任何完美的艺术圣人叙事都要打动人心。读完这本书,我再去看波洛克的画作,感觉完全不一样了,不再是简单的色彩斑点,而是一系列有机的、呼吸着的能量场。

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这本书的文字功底,老实说,让我有些吃惊。它没有采用传统传记的线性时间推进,而是像波洛克本人的滴画一样,采取了一种“跳跃式”的结构。时而是对某个关键展览的细致复盘,时而又穿插着他与露丝·克拉夫特那些深刻而又晦涩的信件往来。这种非线性的叙事,初读时需要集中注意力去拼凑碎片,但一旦适应了这种节奏,就会发现它完美地模拟了艺术家碎片化、高强度的心灵状态。作者在描述艺术家的创作过程时,大量使用了富含感官体验的词汇,比如“粘稠的喧嚣”、“被拉伸的寂静”等等,这些描述让抽象的表现主义有了一种触手可及的质感。对于一个长期在艺术史书堆里打滚的读者来说,这本书提供了一种全新的、近乎沉浸式的阅读体验,它更像是一部关于“如何感受波洛克”的深度指南,而非仅仅是“关于波洛克”的记录。

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这本书最让我难以忘怀的是结尾部分,那种近乎挽歌的笔调。作者对波洛克后期的创作疲态和最终的悲剧性结局的处理,非常克制,却又充满了穿透力。没有煽情的泪水,只有对一个注定无法承受自身巨大影响力的灵魂的深刻同情。在描述他最后那些相对稀疏和内省的作品时,笔触变得异常轻盈,仿佛作者也放下了之前的激烈分析,转而用一种近乎冥想的方式来解读那些留白和缺席。这种从高能到沉寂的叙事过渡,极具感染力。它让我意识到,这本书不仅仅是关于一个艺术家的生平和作品,它更像是一部关于“创造力极限”的寓言。它提出了一个永恒的问题:当一个人完全将自我倾注于作品,以至于作品本身超越了创作者的控制和理解时,剩下的路该如何走下去?这本书没有给出答案,但它提供了最丰富、最深刻的思考空间,久久无法散去。

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我对这本书最满意的一点,是它对战后美国艺术语境的细致勾勒。波洛克无疑是中心人物,但作者没有将他孤立处理,而是把他放在了冷战时期美国文化自信重塑的大背景下去考察。那些关于“美国艺术精神”的论战,那些纽约画廊主们的小算盘,那些欧洲现代主义的阴影如何笼罩着新一代艺术家,书里都有深入的剖析。这种宏大叙事与微观个体命运的交织,使得人物形象更加立体丰满。我尤其喜欢其中关于波洛克作品如何从最初的争议和嘲讽,一步步被主流艺术界接纳,甚至被意识形态工具化的过程。作者冷静地揭示了艺术的商业化和政治化倾向,没有进行简单的道德审判,只是客观地展示了“天才”如何在特定历史时刻被市场和权力重新定义。这使得这本书的价值远远超出了艺术史的范畴,成为了一部观察文化权力运作的绝佳案例。

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说实话,这本书的阅读门槛不低,它假设读者对二十世纪的现代主义艺术史有一定的了解。如果你是纯粹的艺术新手,可能会在某些专业术语或者对具体画作的引用上感到略微吃力。然而,如果能坚持下去,回报是巨大的。作者对待史料的态度极为严谨,大量的脚注和参考资料的引用,体现了其扎实的学术功底。我特别留意了关于波洛克早期受墨西哥壁画运动影响的那部分内容,作者提供的多角度资料对比,非常具有说服力,打破了一些流传已久的、过于简化的“波洛克横空出世”的说法。这本书的真正魅力在于其“解构”能力,它不只是在歌颂成功,更是在细致地梳理成功背后的所有偶然、必然和牺牲。它让人意识到,伟大的艺术往往是多种复杂因素——天赋、时代精神、机遇、乃至自我毁灭倾向——共同作用的结果,这才是严肃的艺术研究应有的面貌。

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