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出版者:Sourcebooks Inc

作者:Johnson, Stephen

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:

价格:232.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9781402207587

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 马勒
• 交响乐
• 音乐家
• 传记
• 音乐史
• 浪漫主义
• 20世纪音乐
• 音乐欣赏
• 艺术

《尘封的乐章：二十世纪初欧洲音乐的边缘与回响》 内容简介 本书深入探讨了二十世纪初期（约1900年至1930年间）欧洲大陆上，那些处于主流视野之外，却对音乐语言的演变产生深远影响的音乐家、流派和创作实践。聚焦于突破传统和声与形式束缚的探索者，本书旨在描绘一个比传统音乐史叙事更为复杂、更具张力的时代图景。我们不关注那些已成为典范的巨匠，而是将目光投向那些在历史的夹缝中挣扎求索的先锋。 第一部分：古典主义余晖下的不安 在瓦格纳主义的巨大阴影尚未完全散去之时，欧洲各地的音乐中心正酝酿着一场静默的革命。本部分首先考察了后浪漫主义向现代过渡期的地域性差异。在巴黎，德彪西和拉威尔的影响力固然巨大，但更值得注意的是那些试图结合民族民间音乐与印象派色彩的作曲家群体。例如，法国南部的几位音乐家，他们对色彩的运用更为粗粝，更贴近自然声响，而非纯粹的听觉幻象。他们的作品往往带有强烈的地域口音，在当时的音乐沙龙中被视为“不精致”的选择，却蕴含着对音乐材料最原始的提炼。 同时，在东欧，特别是巴尔干半岛的交界地带，民间音乐的复调结构和独特的调式系统，为寻求摆脱德奥传统和声体系的作曲家提供了另一条出路。本书详细分析了若干失传或罕见的记谱手稿，揭示了这些作曲家如何通过吸收民间音乐的“非西方化”元素，构建出一种既熟悉又陌生的音乐语言。这些探索并非体系化的“民族乐派”，而更多是一种本能的对自由节奏和非固定调性的亲近。 第二部分：维也纳的边缘声音——被遗忘的十二音前奏 在奥匈帝国解体的动荡时期，维也纳依然是欧洲音乐的中心，但其内部的张力已达到极限。舍恩伯格和他的追随者们开创了全新的结构逻辑，但本书着重考察了那些在“自由无调性”阶段徘徊，却最终选择回归或转向其他方向的音乐家。 我们详细考察了两位关键人物的创作生涯：一位是专注于声乐作品，试图用极简的音高变化来表达极端心理状态的词曲作家；另一位则是热衷于研究早期键盘音乐结构，并试图将其应用于室内乐创作的理论家。他们都察觉到了传统调性的危机，但并未采纳或完全接受了十二音体系的严格法则。他们的作品常常在极度紧张的和声密度和突然出现的、近乎田园牧歌式的旋律片段之间切换，形成了独特的心理戏剧效果。这些作品在当时常被批评为“逻辑断裂”，但在后世的分析中，我们能看到它们对未来“拼贴艺术”的预示。 第三部分：新兴国度的声音试验 二十世纪初的音乐探索并非局限于欧洲的心脏地带。苏联革命初期，音乐界经历了剧烈的意识形态冲突与形式上的激进实验。本书深入分析了那些在“左翼艺术阵营”中试图融合未来主义的机械节奏与集体主义的宏大叙事的作曲家群体。他们的作品往往规模庞大，充满噪音元素和工业化的音色，但由于政治风向的转变，大部分作品在1930年代后被雪藏或修改。我们通过对少数幸存的排练总谱的细致考证，重构了他们对声音“物质性”的理解。 与此同时，跨越大西洋的美国，一批欧洲移民带来的前卫思想正在生根发芽。本书描绘了芝加哥和纽约一些小型艺术社团的活动，他们热衷于将非洲裔美国人的节奏模式与欧洲的实验性对位法相结合。这种融合，并未形成后来的爵士乐主流，而是产生了一批结构复杂、极度强调打击乐器和即兴段落的室内乐作品。这些作品的文献资料稀缺，很多依靠当时的私人信件和报纸评论得以重建。 第四部分：技术的介入与声音的未来 在传统的管弦乐队编制达到其表现力的极限时，一些前瞻性的音乐家开始将目光投向新兴技术。本部分讨论了早期电子乐的萌芽，特别是那些利用早期留声机技术和磁带记录设备进行声音编辑的尝试。这些实践远早于成熟的电子音乐工作室，更多是出于对声音录制本质的哲学思考。例如，一位居住在柏林的作曲家，他收集了成百上千段环境噪音和机器轰鸣声，并试图通过物理手段（如将胶片剪切和扭曲）来重构这些声音的“内在节奏”。这些早期录音技术的使用，并非为了“合成”音乐，而是为了“揭示”声音本身的结构。 结语：未完成的交响 《尘封的乐章》旨在揭示，二十世纪初的音乐革命并非一条由少数天才铺设的单行道，而是一片由无数次尝试、失败和被忽略的洞见交织而成的广袤原野。这些“边缘”的声音，以其不妥协的探索精神和对传统边界的不断试探，共同构筑了我们今天所理解的现代音乐的复杂基底。他们的作品如同一座座未完成的宏伟建筑，等待着后来的聆听者去发现其中蕴含的结构和情感力量。

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我必须承认，阅读过程中的情感体验是极其复杂和矛盾的。一方面，书中描绘的那些人物的内心挣扎，那种对存在意义的永恒追问，那种在宏大宇宙面前个体的渺小感，深深地触动了我，让我数次停下来，凝视窗外，思考我自己的生活轨迹。那种对“虚无”的探讨，不是那种空洞的、口号式的宣告，而是渗透到每一个对话、每一个场景里的细节。然而，另一方面，作者对角色的处理方式又显得异常冷漠和疏离。他们似乎更像是某种哲学观点的载体，而非活生生的人。你理解他们的痛苦，但却很难与他们建立起深厚的情感联结。这种距离感，使得整个阅读体验更像是一次智力上的辩论，而非心灵上的共鸣。我仿佛是在观察一个精心设置的舞台剧，欣赏演员们精湛的表演，却无法真正走进去成为他们中的一员。这种疏离感是这本书风格的显著特征，它考验着读者，是更看重情感代入，还是更看重思想的穿透力。

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这本书的内在哲学探讨非常深刻，它似乎是在用一种极度个人化的语言，解构现代社会中“身份”的构建与瓦解。书中的人物不断地更换名字、职业、居住地，仿佛在进行一场永无止境的社会角色扮演游戏。这种反复的主题，指向了一种对“真实自我”的追问：如果外在的一切都可以被剥离，我们还剩下什么？这种探究是毫不留情的，它直指现代人内心深处的焦虑——那种害怕自己只是一个空壳的恐惧。尽管这种思想的深度令人敬佩，但作者在处理这些严肃主题时，偶尔会流露出一种近乎傲慢的姿态。他似乎在说：“看，我看到了比你们更深层的东西。” 这种潜在的优越感，在某些段落中，会让人产生一种被教导而非被邀请进入讨论的感受。因此，阅读这本书需要一种谦卑的心态，准备好接受作者抛出的那些带着挑战意味的哲学命题。

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如果用音乐术语来形容这本书的节奏，它绝对不是那种流畅的奏鸣曲，而更像是一部由不和谐音和突兀的休止符构成的实验性交响乐。它的情绪张力不是通过情节的高潮来建立的，而是通过反复出现的、几乎是病态的焦虑感来维持的。你总能感觉到一种潜在的骚动，一种即将爆发但又被某种力量压抑住的能量。这种紧张感贯穿始终，让人神经紧绷。然而，这种高强度的心理压力，在阅读接近尾声时，并没有得到一个预期的释放或解决。相反，结局的处理是那样地轻描淡写，几乎像是一个不经意的叹息，戛然而止。这种收尾方式无疑是反传统的，它将所有构建起来的紧张感都悬置在了空中，留给读者一个巨大的、无法填补的回响。这使得这本书读完之后，不会带来那种“尘埃落定”的满足感，而是留下一串串在脑海中不断盘旋的问号，仿佛作者根本没有提供答案的意图，只是想展示提出问题的过程本身。

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这本书的场景描写达到了近乎**巴洛克式**的繁复程度。每一个房间、每一条街道，甚至每一件家具，都被赋予了过多的象征意义和感官细节。你几乎能闻到旧书页发霉的气味，听到墙壁上时钟滴答声的微弱回响，感受到丝绒窗帘沉重的质感。这种对细节的痴迷，使得阅读的节奏变得非常缓慢，需要反复回味。我常常需要放慢速度，细细品味那些排比句和复杂的从句结构，因为作者似乎用尽了所有形容词来描绘一个微不足道的瞬间。这种写作手法的好处在于，它创造了一个无比丰富、纹理清晰的世界，让你确信作者对这个虚构时空有着绝对的掌控力。但弊端也很明显，有时候，过多的修饰反而会掩盖掉核心的信息，让叙事显得拖沓冗长。对于那些偏爱简洁明快叙事的人来说，这种如同油画般层层堆叠的文字，可能会成为一个巨大的障碍，需要极大的耐心去穿越这片文字的丛林。

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这部作品的叙事结构简直是一场迷宫般的探险，作者似乎并不在乎提供一个清晰的路线图。那种感觉就像是置身于一团浓密的雾气中，你只能依靠偶尔闪现的微弱光点来判断方向。我花了很长的时间才适应这种跳跃式的叙事，时间线在过去、现在和一种近乎预言的未来之间肆意穿梭，人物的身份也常常处于一种流动的、难以捕捉的状态。起初，这种模糊性让我感到焦虑，甚至有些恼火，觉得作者是在故弄玄虚。但是，当我逐渐沉浸其中，开始接受这种非线性的体验时，我发现它带来了一种奇特的沉浸感。它强迫你停止被动接受信息，转而主动去编织意义，去填补那些故意留下的空白。特别是对于那些习惯于传统情节驱动小说的读者来说，这无疑是一次挑战，但如果你愿意放下既有的期望，接受这种结构本身就是故事的一部分时，你会发现其内在的逻辑，那种看似混乱下隐藏的精妙平衡。它的语言风格也极具特色，充满了晦涩的意象和极度个人化的表达，仿佛是窃听了某个哲学家在梦呓中说出的话语。

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