Artists at Continent's End

Artists at Continent's End pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Univ of California Pr
作者:Shields, Scott A.
出品人:
页数:357
译者:
出版时间:2006-4
价格:$ 48.53
装帧:Pap
isbn号码:9780520247390
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术史
  • 澳大利亚艺术
  • 殖民地艺术
  • 风景画
  • 肖像画
  • 19世纪艺术
  • 文化研究
  • 艺术与社会
  • 历史
  • 视觉艺术
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具体描述

Few regions rival the magnificence of California's Monterey Peninsula. This beauty, together with a mild climate, rich history, and simplicity of lifestyle, encouraged the development of one of the nation's foremost art colonies. From 1875 to the first years of the twentieth century, artists were drawn to the towns of Monterey, Pacific Grove, and then Carmel. Artists at Continent's End is the first in-depth examination of the importance of the Monterey Peninsula, which during this period came to epitomize California art. Beautifully illustrated with a wealth of images, including many never before published, this book tells the fascinating story of eight principal protagonists--Jules Tavernier, William Keith, Charles Rollo Peters, Arthur Mathews, Evelyn McCormick, Francis McComas, Gottardo Piazzoni, and photographer Arnold Genthe--and a host of secondary players who together established an enduring artistic legacy. Most previous accounts claim that the 1906 San Francisco earthquake and fire were the reason that artists began to gather on the Monterey Peninsula. Shields challenges this view by demonstrating that the colony began much earlier--and in Monterey, not Carmel, as often asserted. In an absorbing narrative that combines art and social history, Shields describes how, beginning with Jules Tavernier's arrival in 1875, art produced on the peninsula broke from its East and West Coast antecedents to become increasingly subjective, meditative, and simple. He maintains that, by the turn of the century, the majority of the artists in the region had arrived at a tonal style featuring moody atmospheric effects. Some went one step farther, producing canvases reductive in color and form; others practiced a more colorful impressionism. Created to accompany a major traveling exhibition of works of the Monterey Peninsula Art Colony, Artists at Continent's End places the movement in its art-historical context, comparing its achievement with other approaches including the Barbizon style, art nouveau, arts-and-crafts, and impressionism. Copub: Crocker Art Museum

《大陆之巅的艺术家们》是一部深刻描绘那些在人类文明边缘、在已知世界的最远端,依然坚守艺术理想的创作者群像的作品。它并非聚焦于某一个具体的地理区域,而是以一种更为宏观的视角,去探寻那些在文化、社会或地理意义上处于“终端”状态的艺术家们。 书中,我们首先会遇见那些生活在偏远岛屿的雕塑家,他们的作品与海浪的节奏、岛上古老的传说紧密相连。他们使用的材料往往是就地取材,被海水侵蚀的木材、被风化的岩石,甚至是收集来的渔网残片,都在他们手中焕发出独特的生命力。他们的创作过程,如同一次与自然的对话,每一次敲击、每一次打磨,都饱含着对这片土地的敬畏与理解。他们不是为了迎合市场,也不是为了获得名望,他们的艺术是与生俱来的表达,是与环境共存的证明。 接着,我们会深入到一些面临文化断代的社区,那里有一些年长的画师,他们用世代相传的技法,描绘着正在消失的古老仪式、传说中的神祇,以及已经不再有人居住的村庄。他们的颜料取自植物的根茎,他们的画布是手工制作的粗布。他们的画作,承载着一个民族的记忆,是抵抗遗忘的最后一道防线。当年轻人纷纷离开,走向更繁华的都市时,他们却选择留守,用画笔定格那些即将消逝的灵魂,将祖先的故事延续下去。 书中还描绘了一些生活在极端气候条件下的音乐家,例如在永恒冰雪覆盖的山脉中,用风声、冰裂声、甚至是积雪融化的滴答声来创作的作曲家。他们的乐器或许是自己用天然材料制作的,其声音带着大自然的原始力量和一丝淡淡的哀愁。他们的音乐,如同是对严酷现实的回响,又像是对生命顽强不息的赞歌。在寂静的山谷中,他们的旋律回荡,成为一种超越语言的力量,连接着人与自然,与内心最深处的孤独。 《大陆之巅的艺术家们》也包括了那些在社会边缘地带,以独特的媒介探索艺术边界的实验者。或许是那些利用废弃工业品的装置艺术家,在被遗忘的工厂遗址中,将冰冷的金属、生锈的机械,转化成充满象征意义的艺术装置,揭示着工业化进程中的失落与反思。他们的作品,是废墟上的低语,是对过往辉煌的追问,也是对未来方向的警示。 这本书试图告诉我们,艺术并非总是诞生于光鲜亮丽的画廊和音乐厅。在世界的尽头,在被时代遗忘的角落,依然有许多灵魂在燃烧,用最质朴的方式,最纯粹的热情,创作出那些震撼人心的作品。他们是文化的守望者,是自然的歌者,是内心世界的探险家。他们的艺术,是人类精神在最艰难环境中绽放出的倔强之花,是生命力的永恒证明。 《大陆之巅的艺术家们》是一次关于坚持、关于传承、关于与环境对话的深刻思考。它鼓励我们去发现那些不为人知的美丽,去理解那些在寂静中绽放的才华。它让我们看到,无论身处何种境地,艺术家的灵魂,永远都在追寻着那片属于自己的“大陆之巅”。

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读后感

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用户评价

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从阅读的愉悦感和满足感来看,这本书无疑是一次令人失望的投资。它似乎更专注于展示作者的“学识”和“独特视角”,而不是致力于构建一个引人入胜的世界或故事。书中那些穿插的、关于晦涩哲学流派或是冷门历史事件的冗长注释,虽然在理论上丰富了文本的内涵,但在实际阅读过程中,却像是一连串的阅读障碍,迫使我不得不频繁地离开书本去查阅背景资料,极大地打断了沉浸感。一个好的故事,应该能将这些背景知识巧妙地编织进情节中,让读者在探索故事的同时自然吸收,而不是像这样粗暴地将百科全书的章节硬塞进来。这种做法,让我感到作者对读者智商的轻视,仿佛在说:“如果你不了解这些,你就无法真正理解我的杰作。”我寻求的是文学的慰藉和情感的投射,而不是一场必须通过高分考试才能领略其妙处的学术研讨会。这本书最终留给我的,只剩下一叠被划满重点标记的书签,和一份对时间流逝的深深懊悔。

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这本小说,恕我直言,读起来像是一场在迷雾中摸索的旅程,充满了难以捉摸的隐喻和似乎永无止境的内心独白。作者对叙事节奏的把控着实让人捏了一把汗,故事的主线索如同被蛛网缠绕的蝴蝶,每一次挣扎都显得气力不足,让人不禁想问,这场漫长的铺垫究竟是为了引出何种惊天动地的真相?角色的塑造也显得有些扁平化,他们的动机如同笼罩在厚重烟雾中的雕塑,轮廓依稀可辨,但细节和深度却难以捕捉。我花了大量的时间试图去理解那些看似深奥的对话,它们往往绕着弯子,像是在进行一场只有作者自己才懂的智力游戏,留给读者的,除了困惑,还是困惑。我期待着情节能有一次有力的推进,哪怕只是一个明确的转折点,但它似乎总是在即将到达时,又滑入了另一个晦涩的哲学思辨之中。整本书弥漫着一种精英式的疏离感,仿佛作者在提醒你,这趟旅程的真正价值,在于你是否能忍受这份刻意的、近乎矫揉造作的“艺术性”。我不得不承认,某些段落的文字功底是扎实的,那份对语言的雕琢是显而易见的,然而,当艺术的技巧凌驾于故事的感染力之上时,最终留下的,可能只是一堆华丽的、但冰冷的词藻堆砌。我更倾向于那些能够带着我深入角色内心,让我感受到他们真实痛苦与喜悦的作品,而不是这种故作高深的文学姿态。

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读完之后,我感到一种强烈的疲惫感,这不是因为情节的紧张刺激,而是源于精神上的持续消耗。这本书仿佛是一个巨大的、没有出口的迷宫,每当你以为找到了正确的方向时,就会发现自己又回到了起点,只不过这次的起点看起来稍微有点不一样。作者对环境的描写达到了令人发指的细致程度,每一片落叶的纹理、每一缕穿过窗棂的光束的角度,都被描绘得一丝不苟。然而,这种极致的细节堆砌,却适得其反地减缓了故事的推进,让我对那些宏大的主题失去了耐心。例如,书中花费了整整三章的篇幅来描述一场雨,雨点如何敲击不同的材质,空气中弥漫的气味如何变化,这固然展现了作者的观察力,但对于推动故事发展的作用,几乎为零。我期待的是情绪的共振,是角色命运的牵动,而不是一场无休止的自然现象纪录片。阅读体验更像是被困在一个极其精美却毫无实用价值的艺术装置中,你欣赏它的工艺,却渴望逃离它的束缚。那些所谓的“象征意义”,最终也被过多的修饰淹没了,变得空洞而无力。

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这本书的对白设计,简直是一场关于“如何避免直接沟通”的教科书式演示。角色们似乎都患有严重的表达障碍,他们说话的方式充满了大量的反问句、假设性语句以及各种旁敲侧击的影射,真正有信息量的交流少之又少。我读到的更多是人物内心戏的独白被硬生生地塞进了对话框里,让原本应该流畅的交流变得极其别扭和僵硬。我感觉自己像是一个闯入了一场私人精神分析会议的局外人,所有人都心照不宣,只有我一个人在努力地解码那些不必要的复杂性。举个例子,当一个角色仅仅是想表达“我饿了”的时候,他可能会用一段五百字的文字来阐述饥饿感是如何与童年缺失的母爱联系起来,以及这种生理需求如何反映了现代社会的原子化生存困境。这种过度解读和自我拔高的倾向,让角色的声音听起来千篇一律,缺乏个性化的音色,最终使得整部作品的听觉体验变得极其单调乏味,像是一群受过同样训练的演员,在用同一种声调朗读剧本。

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我不得不说,这本书的结构简直是一场对线性叙事的公然挑衅。它采用了碎片化的叙事手法,时空跳跃得如同喝醉的陀螺,上一秒你还在十九世纪的某个阴暗小巷里听着窃窃私语,下一秒就跳到了一个未来主义的、充斥着霓虹灯的城市广场,而这两者之间的逻辑桥梁,全靠读者自己的脑补。这种手法如果运用得当,可以营造出一种梦境般的迷离美感,但在这里,它更像是作者在炫耀自己可以随意打破规则的能力,却忘了读者需要一个落脚点。我常常需要停下来,翻阅前面的章节,试图重构丢失的时间线索,这种阅读体验,与其说是享受故事,不如说是在进行一项复杂的考古挖掘工作。更令人沮丧的是,每一次我以为我抓住了某个关键人物的背景信息时,接下来的内容就会立刻将其推翻或彻底模糊。人物间的关系也如同薛定谔的猫,在你观察之前,它处于多种可能性的叠加态,而一旦你试图去确定,它又立刻坍缩成一个毫无意义的节点。我非常欣赏那些大胆的文学尝试,但这次的“大胆”,似乎更多地导向了“晦涩难懂”,让我感觉自己像是一个不合格的闯入者,始终无法获得进入核心秘密的钥匙。

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