具体描述
①名著名译，内容经典。《艺术哲学》由傅雷精心翻译的艺术史通论，译笔严谨而传神，颇便于读者研读。
②在忠实原著基础之上，将原黑白图片置换为彩图片。既保证了新版的完整性，也提升了读者的阅读体验。
③布脊精装，结实大方，便于读者翻阅。
作者简介
①因你对一切艺术很感兴趣，可以一读丹纳之《艺术哲学》（Hachette出版，共两册）。这本书不仅对美学提出科学见解（美学理论很多，但此理论极为有益），并且是本艺术史通论，采用的不是一般教科书的形式，而是以渊博精深之见解指出艺术发展的主要潮流。
②阅读也不宜老拣轻松的东西当作消遣；应当每年选定一二部名著用功细读。比如丹纳的《艺术哲学》之类，若能彻底消化，做人方面，气度方面，理解与领会方面都有进步，不仅仅是增加知识而已。（傅雷《傅雷家书》）
目录信息
读后感
也许仅仅是一次纯粹意义上的附庸风雅，这些天一直跟着丹纳先生在理论哲学的瀚海中漂流，然后为欧罗巴博大的艺术沉淀而震撼和陶醉。总以为艺术的本源该是相通的，而东西方并不相近的价值取向也该在文化的层面上找到契合点。所以品读《艺术哲学》的时候，总是想为作者代劳，...
在发小的新居里，偶尔谈起创作和痛苦的关系。 是的，每一次创作的过程，其实是穿透一种痛苦。 “这种可怕的努力不能不产生痛苦和骚乱。 现代最善于用色彩的人，不论文学家或画家， 都是耽于幻象的人，不是过于紧张，就是精神骚动。” 这正是在兴之所至的表象之下， 艺术...
这本书非常实际地让我们知道了很多艺术史背后的一些东西，很值得我们阅读，读完之后会对艺术有一个比较全面的感觉，渐渐丰富我们自己小小的大脑吧，我们这辈子就注定了要做这样的事情。 这里只说一点不能苟同的建议，本书的书名有些偏颇，艺术“哲学”。 哲学这个词汇，得使...
第一篇评论的时候，书只读到三分之二左右，知道最近才断断续续的读完，，，补一个比较完整的印象，，， 丹纳这本书，话题谈得非常开，使我之前都不抓住重点，最后，丹纳先生将自己展开得资料，叙述一一收拢，完成一个结论。这个结论，我觉得可以理解为“艺术品鉴赏方法”。 ...
用户评价
这本书拿到手里，沉甸甸的，光是装帧设计就透着一股子沉稳和厚重感，封面那种做旧的纸张质感，配上字体排版，仿佛一脚就踏入了某个古典的学术殿堂。我本来是抱着一种“凑合看看”的心态来翻阅的，毕竟哲学类的书籍，很多时候都像是面对一座高耸入云的迷宫，总觉得要花费巨大的精力才能找到出口。然而，这本书的开篇并没有立刻陷入那种晦涩难懂的理论堆砌，反而采用了非常巧妙的叙事方式，像是请了一位博学的向导，带着我们穿梭在美学史的各个关键节点上。它并没有直接去界定“什么是美”，而是通过对不同时代艺术家的创作动机、作品背后的文化语境进行抽丝剥茧的分析，让我得以窥见艺术创作的内在驱动力。特别是关于文艺复兴时期光影运用和透视法背后的理性思考，作者的论述角度新颖，将技术革新与哲学思辨紧密地联系起来，看得我连连点头，仿佛解开了一个长久以来的困惑。这种层层递进，引人入胜的叙述节奏，完全不同于我以往接触的那些干巴巴的理论著作，它更像是一部精彩的历史画卷，让人愿意沉下心去细细品味每一笔色彩的深意。
读完前三分之一，我不得不承认，这本书的作者在史料的搜集和整合能力上达到了令人惊叹的程度。我特别留意了其中关于现代主义艺术流派兴起的章节，那部分内容简直是教科书级别的梳理。作者并没有简单罗列“立体主义”、“未来主义”等流派的标签和代表人物，而是深入挖掘了技术进步——特别是工业革命后期对人类感官世界的冲击——是如何催生了对传统再现手法的反叛。他引用的那些早期评论家的辩论记录，那些充满火药味的书信往来，都让这段历史“活”了起来。我能清晰地感受到艺术家们在面对一个被机械化、速度化重塑的世界时，内心的焦虑与探索欲。这种将宏大的时代背景与微观的个体创作心路相结合的处理手法，使得原本疏离的艺术理论变得触手可及。每当我试图在脑海中构建某一艺术思潮的脉络时，作者的文字总能精准地为我铺设出清晰的逻辑桥梁，避免了陷入概念的泥潭。这本书的好处在于，它让你在理解“是什么”的同时，更深刻地体会到“为什么会这样”。
这本书的结构设计，也体现了作者深厚的学术功底和对读者体验的关怀。全书的章节划分并非是简单的线性推进，而是在不同的理论高地之间设置了清晰的连接点。比如说，在深度探讨了德国古典美学之后，作者并没有立即转向二十世纪的理论，而是插入了一段关于东方美学思想（虽然只是点到为止）的对比性讨论，这个转折非常自然，有效地避免了读者陷入单一文化体系的局限。这种在宏观架构中加入微观的、跨文化的参照，使得全书的视野极为开阔。书末的参考文献和索引部分做得尤为详尽，每一个被提及的关键人物和文本都有明确的标注，对于有志于进行更深入研究的人来说，这无疑是一份宝贵的地图。总而言之，这是一部需要反复咀嚼才能体会其深意的著作，它提供的知识密度极高，但绝不故作高深，而是以一种结构严谨、论证有力的姿态，引导着求知者去探索艺术背后的永恒命题。
这本书给我最大的启发点，不在于它告诉我哪些艺术作品是“好的”或者“坏的”，而在于它提供了一套审视一切视觉与非视觉艺术现象的底层思维框架。在我阅读关于符号学和接收理论的那几章时，我突然意识到，我们对艺术的“感同身受”，很多时候是被社会文化预设好的“脚本”。作者用犀利的笔触剖析了大众文化中那些被过度简化的艺术消费模式，并揭示了隐藏在这些模式背后的权力结构。我回想起自己最近看过的几部非常流行的电影和一些装置艺术展览，再用书中提供的工具去分析，立刻发现了过去被我忽略掉的那些精心设计的“陷阱”和“暗示”。这种思维工具的赋能感，远比单纯记住几个艺术史名字来得更有价值。它让我从一个被动的接受者，变成了一个更具批判性的观察者，看待日常生活中那些被认为是“理所当然”的审美体验时，都多了一层审视的目光。
这本书的语言风格，说实话，初看有些挑战，但一旦适应了那种严谨而又充满张力的学术语调，就会发现其中蕴含着一种独特的魅力。它不像某些当代哲学书籍那样追求口语化或网络化的表达，而是保持了一种对概念的敬畏感。作者在阐述一些核心术语时，会极其审慎地追溯其词源和历史演变，这种对“词语的忠诚度”让我感到非常踏实。例如，在讨论“审美判断”的那个段落里，他引用了康德的论述，但紧接着就对比了后来的现象学流派如何解构了这种先验的结构，这个对比过程的处理极为精妙，既保留了经典的权威性，又展示了思想流动的动态过程。我尤其欣赏作者在处理争议性议题时的平衡姿态，他从不急于给出绝对的定论，而是将不同的观点像精密仪器一样拆解开来，让读者自行观察其内部的构造和相互关系。这与其说是阅读一本阐述既定理论的书，不如说是在参与一场高水平的学术对话，需要读者投入全部的注意力去跟上作者的思维节奏。
《艺术哲学》不仅对美学提出科学见解，而且还是一部艺术史通论，这部著作是法国作家丹纳根据授课讲义编定的，也是丹纳美学原则和思想的总纲。他相信艺术规律有迹可寻，虽然艺术品的创造表面上同风一样变幻莫测，但也有许多确切的条件和固定的规律，他认为，任何艺术品的产生和发展必须取决于种族、环境、时代三大因素：种族是指那些先天的、内在的和固有的遗传特征；环境则包括地理、气候在内的外部力量；时代则是文化因素在民族意识中沉淀下来，并影响一个民族艺术的产生和发展的因素。
如果想读一本艺术史通论的话，知识量恐怕远不如《艺术的故事》，而且主观性很强，观点过于鲜明直接，这些特质，而不是分析诸多的艺术家和流派，更会吸引初学者，然而这对初学者也比较危险。最后一章的价值判断中值得商榷的很多，“主题伟大，技术风格统一，效果集中”造就伟大作品？再加物质决定精神，很像上世纪许多古代文学史的写作套路。还有，里面的人名译法与如今通行的出入比较大，书后笔划顺序的附表翻起来也不太方便…
《艺术哲学》不仅对美学提出科学见解，而且还是一部艺术史通论，这部著作是法国作家丹纳根据授课讲义编定的，也是丹纳美学原则和思想的总纲。他相信艺术规律有迹可寻，虽然艺术品的创造表面上同风一样变幻莫测，但也有许多确切的条件和固定的规律，他认为，任何艺术品的产生和发展必须取决于种族、环境、时代三大因素：种族是指那些先天的、内在的和固有的遗传特征；环境则包括地理、气候在内的外部力量；时代则是文化因素在民族意识中沉淀下来，并影响一个民族艺术的产生和发展的因素。
任何一件伟大的艺术作品，必然是反应时代特征的，文学作品亦然。本书重点梳理了艺术在历史发展中的规律，一切皆有迹可循。
艺术的理论，各种艺术被剥茧抽丝般的提炼出来，不知道是不是艺术类学院的基础教材或精读之一？
