具体描述
《算法作曲理论与实践》以Max/Msp平台为例,结合算法作曲及当代音乐的创作实践,对计算机算法作曲的相关基础理论及其实践技巧进行了较全面的梳理和阐述,为我国当代计算机算法作曲技术的研究和应用提供有益的启示。
作者简介
倪朝晖,上海音乐学院硕士,副研究员,中国音乐家协会会员,中国录音师协会会员,四川省政府专家库评审专家,四川音乐学院特聘专家。个人创作音乐作品先后获20余项国际和国内奖项,如:电子音乐《丝路》,领唱与合唱《羌山是我家》(获第十一届中国人口文化奖银奖,2003),合唱《祝福世界》(获第四届中国少年儿童合唱节“小黄鹂杯”奖,2011),合唱《亲爱的祖国》(获“放歌中华”全国大型音乐展评活动作曲金奖,2012),重唱《走向太阳》(获全国第七届新创词曲大赛一等奖,2013),室内乐《越王楼歌》,室内乐《江上泛舟》(获亚洲国际音乐节作曲金奖,2014),室内乐《羌寨素描》(获庆祝中韩建交22周年暨2014中韩国际艺术节*佳创作奖,2014)等。曾先后担任第四届全国农民运动会、第四届中国诗歌节、中央电视台“激情广场”、湖南卫视“玫瑰之约”等大型活动的音乐创作及制作。
目录信息
阅读建议
总序
前言
第一章 20世纪电子音乐与计算机音乐概论
第一节 综述
第二节 20世纪西方电子音乐与汁算机音乐兴起的历史背景
第三节 20世纪电子音乐发展概况
第四节 20世纪计算机音乐发展概况
第二章 算法作曲概论
第一节 综述
第二节 算法作曲简史
第三节 基本概念
第四节 主要算法作曲方法及其软件平台
第三章 基本操作
第一节 综述
第二节 快速入门
第三节 快速人门(续)
第四章 简单的尝试
第一节 音高表达
第二节 时值表达
第五章 简单的尝试(续)
第一节 掷骰子中的音乐
第二节 一部简单的作品
第六章 序列音乐
第一节 综述
第二节 基本序列设计
第三节 序列的变形与处理
第七章 序列音乐(续)
第一节 多声织体中的序列处理
第二节 整体序列音乐创作
第八章 非序列的无调性音乐
第一节 综述
第二节 音级内涵
第三节 标准序
第九章 非序列的无调性音乐(续)
第一节 集合间的关系
第二节 音程涵量
第三节 紧张度的控制
第十章 节 拍与节奏
第一节 综述
第二节 比例描述与时间描述
第三节 多声部织体中的节 奏
第十一章 音色与音响
第一节 综述
第二节 MIDI音色
第三节 采样与合成音色
第十二章 随机与选择
第一节 综述
第二节 创作和演奏中的不确定性
第三节 马尔可夫链
第十三章 拓展——非音乐规则、视觉与互动
第一节 非音乐规则
第二节 视觉与互动
第三节 视觉与互动(续)
结语
参考文献
后记
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
我最近在学习如何用Python进行一些基础的音乐生成实验,但市面上很多教程都过于偏重理论推导,或者干脆就是堆砌代码片段,读起来枯燥乏味。这本书的叙事方式给我带来了耳目一新的感觉。作者似乎非常理解初学者的困境,他们没有直接抛出复杂的数学公式,而是将整个算法构建的过程,用一种近乎讲故事的口吻娓娓道来。比如,在介绍马尔可夫链用于旋律生成的部分,它不是简单地罗列转移概率矩阵,而是通过一个生动的音乐片段演变案例,展示了“可能性”是如何在限制中孕育出“惊喜”的。这种娓娓道来的教学法,极大地降低了理解门槛,让人感觉不是在啃教材,而是在一位经验丰富的前辈的指导下,一步步调试和优化自己的创意模型。书中的插图和图示也十分精妙,它们不是教科书式的示意图,而是更接近于思维导图的层次,帮助读者在大局观上把握不同算法模块之间的逻辑关系。
这本书的后续章节对我来说,具有极高的实践参考价值。它不仅停留在理论层面,更是引导读者思考如何将抽象的算法模型“落地”到实际的音乐制作流程中。例如,它花了很大篇幅讨论了不同编程语言和音乐中间件(如Max/MSP或SuperCollider)的集成策略,这解决了许多自学者在“写完代码后如何让它真正发出声音”这个阶段的痛点。作者并没有强行推荐某一种工具,而是提供了一个普适性的接口设计思路,这使得无论读者偏爱哪种平台,都能找到适合自己的实现路径。这种开放式的指导,充分尊重了创作者的个性化需求,鼓励我们在算法的框架下,用自己最顺手的“画笔”去创作。读完相关章节后,我立刻尝试着用书中提出的某种反馈机制来设计一套自动化的动态混响系统,效果令人惊喜,它带来的反馈循环比我以往手动设置的要自然得多。
作为一名资深的电子音乐制作人,我一直对“随机性”和“结构性”之间的平衡把握感到头疼。以往的随机生成器往往要么过于随机导致音乐听起来像噪音,要么限制太多导致作品千篇一律。这本书在“结构化随机”这一主题上的探讨,简直是为我打开了一扇新的大门。它深入剖析了如何将音乐的宏观结构(如曲式、段落划分)固定下来,然后在微观层面引入受控的随机波动,比如通过细胞自动机或L-系统来驱动节奏和和声的细微变化。我特别欣赏作者在讨论这些复杂概念时,总是能适当地引用不同音乐流派(从巴赫的对位法到二十世纪的序列主义)作为参照物,这使得算法不再是孤立的数学工具,而是可以被用来重新诠释传统音乐语言的强大武器。这本书让我开始思考,是否可以用某种基于遗传算法的优化过程,来寻找一个听众接受度最高的“美学最优解”。
这本《算法作曲理论与实践》的封面设计简直就是一场视觉盛宴。它摒弃了传统技术书籍那种呆板、刻意的排版,转而采用了一种更具艺术气息和现代感的布局。深邃的背景色调,仿佛是深夜里代码流动的星河,而那些象征着算法的几何图形和音符符号,则以一种既有序又充满灵性的方式交织在一起,给人一种强烈的、探索未知的神秘感。光是捧着这本书,就能感受到作者试图在冰冷的数据世界和温暖的艺术表达之间架起一座桥梁的努力。字体选择上也非常考究,主标题的字体既有力量感又不失优雅,让人一眼就能捕捉到这本书的核心——技术与创意的完美融合。这样的包装,绝对能吸引那些渴望在数字领域寻找音乐灵魂的创作者,让人迫不及待想翻开扉页,看看里面的内容究竟能带来怎样的启发。我特别喜欢封面角落那个微小的、用某种古老符号演变而来的标识,它似乎在暗示着,即便是最前沿的技术,也根植于深厚的音乐传统之中。
这本书的排版和装帧工艺,绝对称得上是业界良心。纸张的选择非常厚实,那种略带纹理的哑光纸质,拿在手里有一种沉甸甸的踏实感,完全没有廉价印刷品的反光和油腻感。印刷质量也是无可挑剔,无论是代码中的细小字符,还是图表中复杂的色彩渐变,都清晰锐利,长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是,这本书在关键技术细节的呈现上做得非常到位——重要的数学推导和算法核心代码块,都采用了与正文不同的字体或加粗处理,极大地提高了信息的可检索性。这体现了编者对读者使用习惯的深刻理解:他们知道,这本书不仅仅是用来通读的,更是需要时常翻阅查找特定参数或公式的工具书。这种对细节的执着,让这本书的阅读体验远超一般的技术专著。