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出版者:Schiffer Pub Ltd

作者:Clements, Monica Lynn/ Clements, Patricia Rosser

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1998-6

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780764305238

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珠宝与时代的交织：一部跨越世纪的时尚史诗 书名：《琉光碎影：从维多利亚到二十一世纪的装饰艺术与社会变迁》 本书简介 本书并非仅仅聚焦于某一特定品牌或某一类别的可收藏饰品，而是以一部宏大、细致的“装饰艺术社会史”为蓝本，深入剖析了自维多利亚时代鼎盛期至当代，珠宝、配饰乃至各类荣誉徽章如何作为社会文化、经济变动、技术革新以及性别角色演变的物质载体，深刻反映了人类文明的脉络。 《琉光碎影》将带领读者穿越历史的长廊，探寻那些镶嵌着宝石、雕刻着纹章、闪烁着光芒的物件背后，所隐藏的宏大叙事。 --- 第一部分：时代的印记——从庄重到流光溢彩（维多利亚至爱德华时期） 本部分聚焦于工业革命后期至两次世界大战前夕的欧洲及北美社会。在这个时期，社会等级森严，珠宝和配饰是身份、财富与道德观最直观的体现。 第一章：维多利亚的哀伤与奢华 探讨维多利亚女王时代对“纪念性珠宝”（Mourning Jewelry）的推崇，如何将黑玛瑙、缟玛瑙和鉎（Jet）推向时尚前沿。分析当时对丧葬习俗的社会规范，以及如何将逝者的发丝编织进戒面或胸针中，形成一种私密而庄重的纪念方式。同时，我们将对比上流社会对定制黄金和钻石的狂热，特别是对“锁链式”项链和复杂胸针的偏爱，这些设计往往融合了哥特复兴和自然主义的元素。 第二章：工艺的复兴与异域风情 随着全球贸易的拓展，欧洲珠宝设计开始吸收来自东方、埃及（图坦卡蒙陵墓的发现尤其具有影响力）的元素。本章细致考察了“学院派”珠宝的特点，他们如何通过精湛的微雕和复杂的金属镶嵌工艺，试图复兴古典美学。此外，还将深入研究早期沙龙文化中，女性对轻盈、不对称设计的追求，以及如何利用半宝石（如蛋白石和月光石）来表达浪漫主义情怀。 第三章：爱德华的精致与“白色热潮” 进入二十世纪初，白K金、铂金和钻石的组合（即“Garland Style”）达到了工艺的巅峰。我们将分析爱德华七世时期对法国洛可可风格的回溯，讨论“永恒的优雅”如何通过镂空技术、精细的钻石镶嵌（如钉镶和爪镶的改进）得以实现。这些珠宝强调的是光线在结构中的穿透与折射，而非物质的重量，预示着未来装饰艺术的轻盈化趋势。 --- 第二部分：变革的洪流——装饰艺术、实用主义与大众化（两次大战之间至战后初期） 两次世界大战极大地改变了社会结构、女性的着装习惯以及对物质的看法。饰品开始服务于现代生活的需求，并拥抱工业化带来的新材料。 第四章：装饰艺术运动（Art Deco）的几何冲击 本章是全书的核心之一。我们将分析1920年代爵士乐的兴起如何影响了珠宝设计。装饰艺术风格（Art Deco）的出现是对过度繁复的告别。重点分析如何运用强烈的几何形状、鲜明的色彩对比（如红宝石、蓝宝石与祖母绿的组合），以及对新材料如珐琅、黑玛瑙和早期人造宝石的实验。探讨这些设计如何与“飞来峰”（Flapper）文化和现代女性解放运动紧密相连。 第五章：功能性与工业美学 战争期间，贵金属的稀缺推动了材料和设计的创新。本章关注的是“实用至上”的设计理念。探讨了“计时器”作为一种时尚配饰的崛起，以及早期的袖扣、领针和实用的手镯设计，如何从单纯的装饰品转变为现代生活效率的象征。我们还将考察在二战期间，配饰设计如何受制于配给制度，催生了“替代品”的创新性使用。 第六章：战后的回归与新古典的优雅 二战结束后，社会对稳定和传统审美的渴望催生了“新造型”（New Look）和随之而来的珠宝设计风格。本部分将考察克里斯汀·迪奥等设计师如何将华丽的、注重女性曲线的风格带回高级定制领域。分析这一时期，珠宝与时装配饰的紧密结合，以及珠宝设计如何开始更多地借鉴中世纪和文艺复兴的宏大主题。 --- 第三部分：大众的舞台与个体的表达（二十世纪下半叶至今） 随着消费主义的崛起和全球化的推进，配饰的设计理念从“独一无二的定制”转向“可复制的时尚”与“强烈的个人宣言”。 第七章：塑料的革命与“时装珠宝”的崛起 本章将深入探讨香奈儿等先驱者如何将人造材料（如树脂、塑料、玻璃珠）提升至与贵金属同等的地位。分析“时装珠宝”（Costume Jewelry）如何成为社会阶层流动性的体现——它允许普通大众以较低的成本追随时尚前沿。我们将对比不同时期（如1950年代的夸张浮雕与1960年代的迷幻色彩）对人造材料的使用哲学。 第八章：“摇滚与反叛”——亚文化的符号学 从嬉皮士运动到朋克摇滚，配饰不再仅仅是展示财富的工具，而是成为反叛社会规范的武器。本章关注皮革、铆钉、安全别针和大规模的、非对称的设计如何表达对主流审美的挑战。探讨了“部落主义”在饰品设计中的体现，以及珠宝如何成为表达性取向、政治立场的视觉语言。 第九章：当代趋势：极简主义、可持续性与数字印记 进入二十一世纪，饰品设计呈现出多元化和碎片化的特点。我们分析了当代极简主义对“形式追随功能”的回归，以及对传统贵金属工艺的解构。同时，深入探讨了“可持续性”和道德采购在饰品行业中的日益重要性，以及新材料（如再生金属、3D打印）对设计边界的拓展。最后，本书将以对“数字收藏品”和虚拟配饰的观察作结，展望未来装饰艺术的形态。 --- 本书特色 《琉光碎影》通过对大量设计图稿、历史照片、博物馆藏品和私人收藏记录的交叉分析，构建了一幅细致入微的视觉时间轴。它不仅关注了“什么被佩戴”，更深入探究了“为什么被佩戴”，揭示了装饰艺术如何成为我们理解社会变迁、性别权力、技术进步与审美迭代的最生动历史文本。本书面向所有对设计史、时尚考古学、工艺美学以及社会文化史感兴趣的读者。

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这本书的文笔真是太有感染力了，仿佛我不是在阅读一本关于建筑美学的专业书籍，而是在聆听一位经验老到的建筑大师亲口讲述他的心路历程。它聚焦于包豪斯学派在不同国家——特别是从魏玛到特拉维夫再到芝加哥——的传播与演变，探讨了现代主义思潮是如何跨越文化和政治的藩篱，在不同的土壤上生根发芽，并最终开出迥异的花朵。作者的洞察力体现在他对于“空间”的解读上，他不仅关注了那些标志性的几何线条和功能至上的原则，更深入探讨了光线、材料的触感，以及建筑如何潜移默化地塑造了居住者的行为模式和心理状态。其中有一章专门分析了流亡海外的包豪斯教师们在面对全新环境时，如何调和自身美学理想与当地的实际需求，那种在坚持与妥协之间的微妙平衡，写得极其精彩。我尤其喜欢作者对图纸和手稿的细致描述，它们不再是冰冷的图示，而是凝固着设计师最初的激情与挣扎的载体。合上书页时，我感觉自己对“家”和“城市”的概念都有了一种全新的、更深层次的理解，这绝对是一本能提升你审美维度的杰作。

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说实话，我本来以为这本关于早期宇宙学和量子纠缠的科普读物会枯燥得让人打瞌睡，但事实证明我完全错了！作者用一种近乎讲故事的叙述方式，将那些深奥晦涩的物理学概念讲得清晰明了，充满了智慧的火花。他从爱因斯坦与玻尔的世纪大辩论讲起，循序渐进地引导读者进入到对“实在性”和“观测者效应”的探讨中。最妙的是，作者不断地穿插一些有趣的哲学思辨，比如，当我们谈论一个粒子在被观测之前是否存在确定状态时，我们究竟在讨论物理学，还是在讨论形而上学？书中的类比运用得极其精妙，比如将量子隧穿效应比作一个幽灵穿墙而过，一下子就让复杂的数学模型变得形象起来。这本书的价值不仅仅在于传授知识，更在于它激发了一种对世界本源的好奇心和敬畏感。它让你在仰望星空时，不仅看到亿万光年的距离，更感受到我们思维的边界正在被不断地拓宽。读完后，虽然我可能还是无法精确计算薛定谔方程，但我对宇宙的运行逻辑有了更具诗意和哲理的认识。

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天哪，我刚刚读完了一本关于美国历史和政治的重量级著作，简直让人手不释卷！这本书深入剖析了20世纪中叶美国社会转型的复杂图景，从罗斯福新政到肯尼迪的“新边疆”精神，每一个章节都像剥洋葱一样，层层递进地揭示了权力、意识形态与社会变迁之间的微妙关系。作者的叙事功力一流，他不仅仅是罗列事实和数据，更是巧妙地将宏大的历史叙事与微观的个体命运交织在一起。比如，他对工会运动兴衰的论述，既有对国家层面政策制定的冷静分析，又不乏对普通工人家庭生活挣扎的细致描摹，那种身临其境的历史厚重感扑面而来。更令人赞叹的是，作者对不同历史学派观点的梳理和批判性吸收，展现了极高的学术素养。他没有简单地偏向某一方，而是以一种近乎哲学思辨的方式，邀请读者一同参与到对历史“真相”的追问之中。读完之后，我对美国那段激情燃烧的岁月有了全新的认识，不再是教科书上扁平化的概念，而是一个充满矛盾、活力与挣扎的真实世界。这本书的深度和广度，绝对值得所有对现代史感兴趣的人反复品读，它提供了一个理解当代世界的坚实基础。

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我最近一口气读完了这本关于中世纪修道院日常生活的历史地理学著作，简直像搭乘时光机回到了那个充满羊皮纸气味和晨钟暮鼓的时代！这本书的独特之处在于它结合了考古学证据、手抄本插图以及教会文献，构建了一个极其细致入微的“微观世界”。作者没有将修道院描绘成一个与世隔绝的象牙塔，而是将其置于更广阔的封建经济网络中，探讨了修道院在土地管理、农业技术传播乃至地区教育中扮演的关键角色。最让我印象深刻的是关于“抄写室”的描述，那里的寂静、光线的角度、修士们日复一日誊写经典的重复动作，都被描绘得有血有肉，你甚至能想象到墨水干燥时发出的细微声响。这本书的学术严谨性毋庸置疑，但它最吸引我的是那种强烈的场所感——如何一块石头、一扇窗户的设计，如何影响了中世纪信徒的祷告节奏和对永恒的理解。它让我明白，历史不仅仅是帝王将相，更是那些在寂静中，用双手和信仰塑造了我们文明基础的普通人。

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这本关于古典音乐史的专著，简直是为真正的音乐鉴赏家准备的饕餮盛宴！它摒弃了传统传记式的写作手法，而是将重点完全放在了作曲家们在创作特定作品时所处的社会、经济和乐器技术背景之上。作者对巴赫晚期赋格曲的分析尤其令人折服，他不仅仅是拆解了和声的复杂结构，更结合了当时莱比锡教会的礼仪要求和巴赫个人的精神困境，来阐释这些作品的结构美学和宗教内涵。我特别欣赏书中对“风格演变”的细致追踪，比如如何从海顿的“惊喜”中看到古典主义的成熟，再到贝多芬如何以近乎暴力的姿态，将浪漫主义的个人情感强行注入到既有的曲式框架之中。作者对乐谱的引用和讲解，虽然专业，但绝不是故作高深，而是旨在揭示音乐的内在逻辑。读这本书，就像是拿到了一份关于人类情感表达最精密的解码手册，它让你在下一次聆听《英雄交响曲》时，不再只是感受到磅礴的气势，而是能清晰地听见贝多芬在与命运抗争时，每一个音符背后所蕴含的巨大决心。

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