Contemporary Japanese Jewelry pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Perseus Distribution Services

作者:Fraser, Simon/ Hida, Toyojiro

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:0.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9781858941639

丛书系列:

图书标签:

• Japanese Jewelry
• Contemporary Jewelry
• Art Jewelry
• Metalwork
• Craft
• Design
• Jewelry Design
• Asia
• Exhibition
• Modern Art

好的，这是一份关于一本虚构的图书《当代日本珠宝》的详细简介，内容将完全专注于其假设的独特主题和结构，避免提及您提到的原书名或任何关于生成过程的信息。 --- 《光与形：战后日本工艺的复兴与现代珠宝的演变》 一部跨越时代、深入解析日本现代珠宝设计哲学与实践的权威著作 装帧： 精装，全彩印刷，内含超过 400 幅高清作品图版与历史文献照片。 页数： 680 页 作者： 栗原 健三 (Kenzo Kurihara) --- 内容导览 《光与形：战后日本工艺的复兴与现代珠宝的演变》并非仅仅是一部风格指南或艺术家名录。它是一部深入的历史、社会与艺术人类学研究，探讨了自 1945 年以来，日本如何从一个战败国，通过对本土传统美学（如“侘寂”与“间”）的重新诠释，成功构建并输出了一种极具辨识度、享誉全球的现代珠宝语言。 本书的核心论点在于，现代日本珠宝的诞生，是传统工艺（如金工、漆艺和莳绘）在面对西方现代主义浪潮时，进行自我革新与结构重塑的结果。 珠宝不再仅仅是财富的载体或装饰品，而成为了承载个体哲学、对材料的深刻理解以及对空间感（Ma）进行物质化表达的载体。 第一部分：废墟中的奠基——战后初期（1945-1965）的探索与重建 本部分聚焦于战后初期日本手工艺界在物质匮乏与文化转型期的挣扎与突破。我们详细考察了早期艺术家如何从美军遗留的废料和稀缺的贵金属中提取灵感，以及他们如何积极参与到国际现代设计运动的早期对话中。 传统技艺的“去符号化”： 研究了从传统武士刀装饰（如金工的“毛雕”技术）和发簪制作中分离出来的纯粹技术，如何被应用于制作简洁、几何化的现代首饰。 民艺运动的深远影响： 分析了柳宗悦思想中对“日常之美”的推崇，如何促使珠宝设计师关注材料本身的质感与不完美性，而非过度依赖宝石镶嵌。探讨了早期实验性团体对有机形态和非贵金属的大胆使用。 教育体系的转型： 记录了东京艺术大学等重要学府在战后如何引入西方设计教育体系，以及本土教授如何巧妙地将这些新方法与本土传统工艺思维进行融合。 第二部分：现代主义的浪潮与抽象的表现——黄金时代的形成（1965-1985） 进入 1960 年代末期，随着日本经济的腾飞和国际艺术市场的开放，日本珠宝设计迎来了其最具实验性和国际影响力的阶段。本部分将大量篇幅用于分析那些定义了“日本现代珠宝”这一范畴的关键流派。 雕塑性与佩戴性的辩证： 重点解析了那些将珠宝从人体附属物提升到可穿戴雕塑层面的作品。我们深入探讨了如何通过对贵金属（尤其是白金和黄金）的极端锻造和锤击，实现介于坚硬与流动之间的视觉效果。 “极简主义的东方诠释”： 本章细致对比了日本设计师与同期欧美极简主义（如“工作室珠宝运动”）的区别。日本的极简往往是“有声音的极简”，即通过微小的纹理、微妙的表面处理（如砂目、镜面与拉丝的并置），来创造层次感，而非单纯的几何切割。 有机形态的回归与材料的“叛逆”： 考察了设计师如何开始使用非传统材料，如陶瓷、木材、甚至工业废料。这些材料的选择，往往是为了反思战后高速工业化对自然环境的冲击。其中包含对“七宝烧”复兴运动中如何融入现代抽象图案的个案研究。 第三部分：工艺的深化与概念的拓展——当代语境的构建（1985至今） 最后一部分关注当代日本珠宝的多元化发展，探讨了在全球化背景下，新一代艺术家如何在继承前辈成就的同时，寻求更具批判性或更个人化的表达方式。 技术与手感的融合： 分析了计算机辅助设计（CAD/CAM）技术在日本传统金工室中的应用。这并非是取代手工，而是通过先进技术实现传统上难以达到的精度和复杂结构，例如对微观结构和复杂镂空图案的精确控制。 “侘寂”的当代视觉语言： 探讨了如何通过氧化、腐蚀、故意留下的锤痕和不对称设计，来表达对“残缺之美”的欣赏。本部分收录了对多位专注于利用时间痕迹和材料衰变来创作的作品的深度访谈。 地域性与全球对话： 考察了日本不同地区（如京都、金泽、东京）的珠宝美学差异。并分析了当代艺术家如何利用其作品，对全球身份政治、可持续性以及身份认同等议题进行非语言的阐述。特别关注了那些将日本传统纺织图案（如絣纹）转化为三维金属结构的创新实践。 本书的独特价值 《光与形》的价值在于其对“技”（Waza）与“道”（Dō）关系的深刻挖掘。它清晰地展示了日本珠宝艺术家是如何通过对单一材料的极致处理，实现对宇宙、自然和时间流逝的深刻冥想。本书不仅仅是展示了“美”，更重要的是揭示了“如何通过手艺达到精神性”的完整路径。 本书是所有致力于研究20 世纪后半叶世界工艺史、设计哲学以及收藏家、策展人的必备参考书。它提供了一个观察一个民族如何在废墟中重建文化身份，并通过最精微的艺术形式——珠宝——向世界发声的完整叙事。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种低调而奢华的质感，让人一拿在手就爱不释释。内页的纸张厚实，印刷的色彩饱和度极高，即便是那些需要细致观察的微小纹理，也能被清晰地呈现出来。我尤其欣赏它在排版上的用心良苦，每一个作品的展示都占据了恰到好处的空间，留白处理得极具禅意，既不显得拥挤，又能让读者的目光自然地聚焦在艺术品本身。我是在一个阳光明媚的午后翻开这本书的，那些精美的图片立刻将我拉入了一个充满想象力的世界，仿佛能触摸到金属的冰凉和宝石的光泽。更让我惊喜的是，它不仅仅是图片的堆砌，在每一组照片旁边，都有简短但精炼的文字介绍，这些文字并非生硬的学术辞藻，而是充满了对工艺的敬畏和对设计的洞察，让我这个非专业人士也能窥见一斑。这本书的装帧工艺也值得称赞，书脊的缝合紧密而平整，即便是反复翻阅，也丝毫没有松动的迹象，这无疑是一本可以长久珍藏的艺术品鉴赏宝典，它的存在本身就是对工艺美学的致敬。

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从收藏角度来看，这本书的价值是不可估量的。它就像一本权威的行业索引，收录了在过去几十年中那些具有里程碑意义的作品和背后的重要人物。对我而言，它提供了极佳的“参照系”。当我遇到一些不熟悉的风格或陌生的设计师签名时，这本书里的详尽案例和清晰的风格归类，能够迅速帮我定位和理解其在当代艺术光谱中的位置。书中对不同流派——比如那些极简主义的信徒，以及那些偏爱有机形态的叙事者——的区分和对比分析，非常精妙。这使得读者在欣赏作品时，不再是盲目的赞叹，而是建立了一套结构化的鉴赏框架。它帮助我学会了如何透过表象，去捕捉到作品中蕴含的时代精神和社会思潮，极大地提升了我对高阶艺术品价值判断的敏锐度，绝对是收藏家案头必备的工具书。

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我本以为这是一本相对严肃的、可能只适合行业内部人士阅读的专业图录，但深入阅读后才发现，它的叙事方式极其平易近人，像是一位经验丰富的老匠人，耐心而生动地向你讲述他手中技艺的来龙去脉。作者似乎有一种魔力，能将那些复杂的金属锻打、镶嵌、蚀刻等工艺流程，转化成一段段引人入胜的故事。比如，描述如何通过加热与冷却的反复试验来控制金属的韧性与光泽时，那种对材料的深刻理解跃然纸上，读来让人心潮澎湃。更出色的是，书中穿插了许多设计理念的剖析，解释了为何某些线条会选择如此走向，为何特定的材质组合能产生如此强烈的对比效果。这不仅仅是“看”珠宝，更是“理解”珠宝背后的哲学思考。对于那些对传统工艺心生向往，但又害怕被技术术语吓退的爱好者来说，这本书无疑架起了一座完美的桥梁，它既有深度，又保持着一种令人愉悦的阅读节奏，让我仿佛置身于一个精致的工作室里，耳边回荡着敲击和打磨的声音。

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这本书给我带来的最大震撼，来自于其对“当代”这个词的全新诠释。它并没有沉溺于对历史经典的复刻或简单的致敬，而是大胆地探索了材料的边界和形式的极限。我看到了一些极其大胆的结构设计，那些几何形体之间的巧妙平衡，挑战了我对“佩戴”这一行为的传统认知。有的作品看起来更像是微缩的雕塑，它们的力量感和雕塑感远远超越了传统首饰的范畴。我特别留意了其中关于可持续性和新材料运用的章节，作者似乎很关注环保议题，将回收材料或非传统介质（比如某些高科技树脂或创新陶瓷）融入到精湛的金工技术中，创造出一种既有传承又有突破的视觉冲击。这种前瞻性的视野，让我看到了珠宝艺术在未来十年可能走向的方向。它不是停滞不前的工艺展示，而是一份充满活力和思考的宣言，激励着我去重新审视日常可见之物的美学潜力。

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我必须提及这本书在文化背景介绍上的细致入微。它没有孤立地展示首饰作品，而是将每件作品的诞生，置于一个更宏大的文化和社会语境之中进行解读。例如，书中解释了战后经济复苏时期，人们对“轻盈”和“流动性”的追求如何体现在作品的镂空设计上；又或是，面对全球化的挑战，一些设计师如何通过回归本土材料和图腾来寻求身份认同。这种深度的文化植入，让原本可能显得冰冷的金属和宝石，充满了人性和历史的温度。阅读过程中，我感受到的不仅仅是工艺上的精湛，更是一种对时代脉搏的捕捉。它让我理解，一件顶级的当代艺术品，必然是社会情绪和个人哲思的结晶。这本书不愧为“当代”的范本，它成功地捕捉到了那些转瞬即逝的文化意象，并将其固化在永恒的材料之中，提供了极富洞察力的阅读体验。

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