East Meets West in Dance pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Routledge

作者:Solomon, Ruth (EDT)/ Solomon, John (EDT)

出品人:

页数:332

译者:

出版时间:

价格:47

装帧:Pap

isbn号码:9783718656042

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈
• 东西方文化
• 舞蹈史
• 舞蹈研究
• 文化交流
• 艺术
• 表演艺术
• 舞蹈理论
• 比较文化
• 舞台艺术

东方之韵与西方之形：当代舞蹈的跨文化对话 图书名称： 东方之韵与西方之形：当代舞蹈的跨文化对话 作者： [此处可填写一位虚构的、专注于舞蹈人类学或跨文化研究的学者的姓名，例如：李文哲 或 艾米莉亚·霍尔姆斯] 出版社： [此处可填写一家关注艺术研究或社会科学的出版社，例如：蓝鲸文化或全球视野出版] --- 内容简介 《东方之韵与西方之形：当代舞蹈的跨文化对话》深入剖析了二十世纪下半叶至今，全球舞蹈艺术领域中日益显著的文化交融现象。本书并非简单地罗列不同地域的舞蹈元素，而是聚焦于“相遇”本身所产生的张力、融合、再创造，以及由此引发的身份认同和艺术理论的深刻变革。 本书的核心论点是：当代舞蹈不再是一个孤立的地域性艺术表达，而是一个高度互联的全球剧场，其中东方（特指亚洲，包括但不限于印度、中国、日本及东南亚传统身体哲学）的身体观、节奏结构与西方现代舞、后现代舞的理论框架和剧场实践，正进行着一场复杂而富有成效的对话。 全书结构清晰，分为六个主要部分，层层递进地构建起对这一现象的全面理解。 第一部分：边界的消融与概念的重构 本部分首先回顾了“东方”与“西方”在舞蹈史上的传统二元对立叙事——西方强调清晰的线性叙事、人体结构解剖学的精确性、以及对绝对空间的征服；而东方则常被视为神秘的、循环的、注重内在能量（如“气”或“生命力”）的流动。作者挑战了这些刻板印象，指出冷战后全球化加速了这种二元对立的瓦解。 我们考察了早期先驱者，如鲁道夫·拉班（Rudolf Laban）的理论如何被印度卡塔卡利舞或日本舞踏（Butoh）的非西方身体逻辑所修正和丰富。重点分析了“身体在场感”（Presence）这一概念，在跨文化语境下如何从西方主体的“观看”转向东方客体的“被感知”。 第二部分：亚洲身体的“现身”：从剧场到全球舞台 本部分是全书的基石之一，专注于亚洲传统舞蹈元素如何在西方当代舞蹈的语境中被“提取”和“重塑”。我们详细研究了几个关键案例： 1. 日本舞踏（Butoh）与后现代主义的交汇： 舞踏作为一种对二战后身份危机的反应，其缓慢、扭曲、充满死亡意象的肢体语言，如何为西方后现代舞蹈提供了一种摆脱理性逻辑的身体出路。我们探讨了土方巽（Tatsumi Hijikata）和麿赤儿（Akira Kasai）的作品如何挑战了西方对“美”与“进步”的定义。 2. 印度古典舞的结构性渗透： 以婆罗多舞（Bharatanatyam）或卡塔克舞（Kathak）中对“手印”（Mudra）和复杂节奏（Tala）的精细运用为例，分析这些元素是如何被编舞家如皮娜·鲍什（Pina Bausch）的学生或新一代的欧洲编舞家吸收，用以构建新的叙事片段，而非仅仅作为异域装饰。 3. 中国传统戏曲与身体的“虚实观”： 考察京剧的“程式化表演”与当代舞蹈中对“非技术性”身体的推崇之间的对话。重点分析了中国传统武术和太极中对重心、呼吸与空间关系的理解，如何为西方探索流体性（Fluidity）和悬浮感（Suspension）提供了新的动力。 第三部分：跨文化编舞中的“中介者”：舞蹈家的身份政治 本书深入探讨了那些本身就处于文化交汇点上的舞蹈家——通常是具有双重或多重文化背景的艺术家。他们的创作不再是简单的“融合”，而是一种“在中间地带的生存艺术”。 我们分析了“混血儿”身份如何影响创作的议题选择、肢体语言的筛选，以及他们如何应对来自东西方观众的不同解读压力。例如，一位拥有印度和德国血统的编舞家，其作品中关于家庭记忆的表达，如何同时呼应了印度的家族叙事模式和德国的个体心理分析传统。 第四部分：技术、媒介与身体的延伸 技术在跨文化舞蹈交流中扮演了双重角色：既是全球传播的工具，也是新的审美媒介。本部分考察了： 1. 数字化身体与传统： 当亚洲的传统舞蹈通过高清摄像、虚拟现实（VR）或动作捕捉技术被西方数据化时，其本体论上的“灵性”是否被削弱？我们比较了传统剧场演出与数字档案在保留文化原真性方面的差异。 2. 剧场空间与环境： 分析了当代编舞家如何打破传统剧场（通常是西方的“黑匣子”结构）的限制，将舞蹈带入寺庙、城市广场或自然环境。这种空间选择本身就是一种对权力结构和传统观看模式的挑战。 第五部分：批判性反思：警惕挪用与“异国情调化” 对文化交流的积极肯定并不意味着忽略其潜在的权力不平衡。本部分对“文化挪用”（Cultural Appropriation）的争议进行了细致的审视。 作者区分了有深厚研究基础的“对话式借鉴”与肤浅的、将东方元素作为“异国情调的调味品”进行消费的行为。通过对具体案例的文本分析，本书提供了一套批判性工具，用以评估跨文化作品的伦理立场和深度，强调真正的对话必须建立在互相尊重和深入理解的基础之上，避免将非西方身体简化为西方艺术家的灵感来源。 第六部分：未来的展望：舞蹈作为全球公民身份的表达 本书的结论部分展望了舞蹈艺术的未来走向。在全球化不可逆转的背景下，未来的舞蹈将是更加去中心化、更加流动的。我们探讨了新的“混血”舞蹈语言的可能性，这些语言可能不再明确标记其东方或西方的根源，而是形成一种全新的、全球性的身体词汇库。 《东方之韵与西方之形》不仅是对过去五十年舞蹈史的总结，更是一份对艺术实践者的邀请函：邀请他们更深入地思考身体作为文化载体的意义，并勇敢地在跨越边界的创作中，探索人类经验的共同基石。 --- 目标读者： 舞蹈研究者、表演艺术理论家、人类学家、剧场制作人，以及对全球文化交流与当代艺术发展感兴趣的广大读者。 本书特色： 理论框架严谨，案例分析细致入微，兼具学术深度与启发性，避免使用晦涩难懂的学院术语，力求语言清晰、富有洞察力。

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这本书的价值在于其对“交流的媒介”这一概念的深刻反思。它不仅仅是比较了“我们”和“他们”的舞蹈，而是着重探讨了在殖民、贸易和信息爆炸的时代，舞蹈元素是如何被“挪用”、“误读”和“重构”的。例如，书中对二十世纪中叶，日本舞踏（Butoh）运动的兴起及其对西方批判理论的回应，分析得入木三分。作者没有将舞踏简单地视为对西方戏剧的模仿或反叛，而是揭示了它如何巧妙地吸收了日本传统美学中的“幽玄”概念，并将其转化为一种极具冲击力的全球性艺术语言。这本书的论证过程严密，大量引用的第一手资料和历史文献，如早期旅行者的日记、艺术家的私人信件，为论点提供了坚实的后盾，让人对其结论深信不疑。对于希望理解当代跨文化艺术实践的学者或爱好者来说，这本书提供了一个无可替代的分析框架。

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这部舞蹈史著作的视角极为独特，它巧妙地将东西方舞蹈艺术的演变脉络编织在一起，构建了一个宏大而又细腻的文化对话空间。作者没有采取简单的并列叙述方式，而是深入探讨了文化碰撞与融合的复杂过程。例如，书中对十七世纪欧洲宫廷芭蕾的起源及其受到的东方主义影响的分析，就非常引人入胜。我尤其欣赏它对那些常常被主流叙事忽略的“边缘”舞蹈形式的关注，比如东南亚传统祭祀舞蹈如何通过殖民时期的交流，反过来启发了二十世纪初的欧洲现代舞先驱。阅读时，我仿佛置身于一个跨越世纪的全球舞台，见证着每一次脚步、每一次手势背后的文化张力与和解。它不仅仅是在记录动作，更是在解读肢体语言如何承载和传递人类文明的深层密码。书中的配图和动作分解图，虽然是黑白的，但其精确性足以让专业舞者感受到动作的微妙差异，而对于普通读者而言，也能直观地体会到不同文化对“美”与“韵律”的不同定义。这本书成功地将学术的严谨性与散文般的流畅性完美结合，是一部值得反复研读的舞蹈人类学经典。

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这部作品的野心之大令人敬佩，它试图梳理的文化谱系横跨了地理和时间上的巨大鸿沟。我尤其关注它在后现代思潮背景下对“真实性”（Authenticity）的探讨。当一个来自西方的编舞家将东方元素融入其作品时，这种融合是致敬、是窃取，还是创造了新的文化实体？书中对此进行了非常审慎且富有批判性的考察，避免了简单的价值判断。它通过一系列具体的案例研究——从早期的俄罗斯芭蕾巡演到当代的数字舞蹈项目——展示了文化资本的流动性。与其说这是一本舞蹈史，不如说它是一本关于“文化翻译”的深度研究。虽然篇幅厚重，但它绝非是为少数精英准备的，相反，它以一种开放且邀请性的姿态，鼓励所有对人类创造力边界感兴趣的读者，一同参与到这场无止境的跨界对话中去。

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我从一个纯粹的舞蹈爱好者而非专业人士的角度来审视这本书，它带给我的震撼是多维度的。首先，作者在构建叙事时，展现了一种近乎诗意的洞察力，尤其是在描述印度古典舞（如婆罗多舞）与二十世纪美国现代舞先驱如玛莎·葛兰姆（Martha Graham）技法之间的潜在哲学共鸣时，文字的张力令人屏息。那种对于“呼吸”和“内在能量流转”的探讨，超越了单纯的技术比较，触及了艺术哲学的核心。这本书的结构安排非常大胆，它不遵循时间线性，而是围绕“空间”、“重力”、“叙事性”等概念进行主题式跳跃，迫使读者不断地重新校准自己的文化坐标系。坦率地说，某些章节涉及到非常深奥的理论分析，需要我多次查阅附录中的词汇表才能完全跟上作者的思路，但这绝非是负面的体验，反而更像是一场智力上的探险。这本书强迫我跳出自己熟悉的西方古典美学框架，去重新欣赏那些源自大地、与自然融为一体的东方肢体语言的深刻力量。

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老实说，初次翻开这本书时，我有些担心它会陷入枯燥的学术罗列，但很快，作者那近乎散文家的笔触就抓住了我。书中最让我印象深刻的是关于“沉默”在舞蹈中的角色对比。在西方，尤其是在芭蕾叙事中，动作是主导；而在很多东方剧场艺术中，静止的姿态或极慢的过渡，往往蕴含着比快速旋转更强大的戏剧张力。作者花了大量篇幅阐述这种“时间感”的差异，并讨论了在现代跨界合作中，舞者如何调适这种内在节奏。书中描述的一场融合了中国戏曲身段与现代即兴的合作演出，简直是身临其境，我几乎能听到那锣鼓声的忽远忽近和舞者呼吸的起伏。这本书的阅读体验是极其私密的，它邀请你不仅用眼睛去看舞蹈，更要用心去倾听身体在不同文化土壤中发出的声音。

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