Lighting Design on Broadway

Lighting Design on Broadway pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Greenwood Pub Group
作者:Owen, B.
出品人:
页数:178
译者:
出版时间:1991-10
价格:$ 82.43
装帧:HRD
isbn号码:9780313265334
丛书系列:
图书标签:
  • 舞台灯光
  • 百老汇
  • 灯光设计
  • 戏剧照明
  • 舞台技术
  • 表演艺术
  • 灯光
  • 设计
  • 百老汇音乐剧
  • 照明设计
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具体描述

This book presents over 900 biographical sketches of scenic designers who worked on Broadway between the 1915-16 and 1989-90 theatre seasons. The entries provide background and professional information, ending with chronological lists of Broadway credits in scenic design and, as relevant, lighting and costume design. Winners of the major awards for scenic design are listed in appendixes, a selective bibliography is included, and an index provides access to the designers from the play titles. Over 400 individuals who designed lighting are profiled here in biographical sketches, each accompanied by a chronological listing of Broadway credits for lighting and for scenic and costume design when relevant. An introduction traces the development of the profession on Broadway, and a section of illustrations reproduces 15 designer renderings spanning the period of coverage, from a design of Robert Edmond Jones for a 1915 production to one by Tony Award winner Tony Walton for "The Grand Hotel" (1989). This volume should prove of interest to researchers and professionals in lighting design, stage design and theatre history generally.

剧场灯光艺术的里程碑:从黎明到辉煌的舞台照明史诗 这部宏伟的著作,《舞台灯光:从自然之光到数字矩阵的百年演进》,并非仅仅是一部技术手册,而是一部跨越时空的艺术编年史。它深入剖析了灯光技术如何在剧场艺术中从一种实用的辅助手段,蜕变为与演员表演、布景设计并驾齐驱的核心叙事元素。本书的叙事线索清晰而富有张力,它聚焦于十九世纪中叶至二十一世纪初,灯光设计作为一门独立艺术形式的诞生、发展、成熟及其对戏剧美学产生的颠覆性影响。 全书分为五大部分,每一部分都代表了剧场灯光发展史上的一个关键转折点。 第一部分:火光、气体与浪漫的幽暗(1850-1900) 本章回溯了电力革命之前,剧场照明的原始面貌。作者以细腻的笔触描绘了使用油灯、蜡烛和早期的煤气照明所带来的挑战与机遇。重点探讨了煤气时代的“安全顾虑”如何反作用于舞台艺术的视觉表达。煤气灯的亮度虽有限,但其可控的“火焰颤动”和暖调光晕,意外地为瓦格纳式的宏大叙事和早期象征主义戏剧营造了一种不可复制的“柔和的幽灵感”。 书中详细分析了阿尔弗雷德·布朗(Alfred Browne)和奥古斯特·洛伊特(August Löhle)等先驱者,他们是如何在极其简陋的设备条件下,尝试通过反射板和彩色玻璃滤光片,来模拟日出、黄昏或神秘的月光。这一阶段的灯光设计,更多地依赖于“氛围的营造”而非“精确的塑造”。它揭示了早期剧场设计师在技术限制下,如何迸发出惊人的创意,使得灯光成为区分白天与黑夜、现实与梦境的原始工具。 第二部分:电力的曙光与“明亮派”的兴起(1900-1930) 随着白炽灯的普及,剧场灯光迎来了第一次革命性的飞跃。本部分详细考察了“亮度至上主义”的思潮。电灯的出现解放了舞台,使得导演和设计师可以彻底摆脱对自然光或煤气火焰的依赖。 本书着重介绍了阿道夫·阿皮亚(Adolphe Appia)和爱德华·戈登·克莱格(Edward Gordon Craig)等人的理论贡献。他们不再满足于将灯光视为单纯的照明手段,而是将其视为“塑造空间的建筑力量”。阿皮亚关于“光线与体积的互动”、“对演员身体的立体描绘”的论述被置于核心地位。通过大量珍贵的剧照和设计图纸,本书展示了如何使用最初的碳弧灯和钨丝灯,配合木制或金属的聚光灯,来创造出具有强烈透视感和明确阴影的舞台画面。重点分析了这一时期对“角度照明”的探索,即如何通过灯光的高低和远近来定义人物的心理状态和舞台的层次结构。 第三部分:色彩的解放与戏剧的心理投射(1930-1960) 第二次世界大战后,剧场技术进入了快速发展期。本章的核心是色彩滤波技术的成熟与照明控制台的初步应用。 书中详细评述了彩色凝胶(Gelatin filters)的广泛使用如何彻底改变了舞台的调色板。设计师开始系统地研究色彩心理学在剧场中的应用——蓝色代表疏离或寒冷,琥珀色象征温暖或怀旧。此阶段的灯光设计开始深入角色的内心世界。例如,书中分析了特定剧目中如何通过“渐变”和“叠色”的技术,来表现角色内心的挣扎或情绪的微妙变化,而不再是简单的“全开”或“全关”。 一个重要的篇幅被分配给对可调光器(Dimmer)技术的演进的考察。从最初的电阻式调光器到磁性感应调光器的出现,使得灯光过渡可以达到前所未有的平滑度,这为现代写实主义戏剧中对“真实时间流逝”的精准模拟提供了技术保障。 第四部分:集成化与电子革命(1960-1990) 这一时期标志着灯光设计开始走向集成化和自动化。本部分聚焦于晶体管技术的引入和固态调光器(SCR Dimmers)的普及,这使得控制系统体积大幅缩小,可靠性显著增强。 本书深入探讨了“灯光编程”的概念如何在这一阶段确立。早期的内存型灯光控制台如何使设计师能够预设和串联复杂的光照序列,从而将灯光操作从“现场混音”转变为“预先编辑的乐谱”。重点分析了“造型灯”(Profile Spotlights)的成熟如何使得“光束的精确切割”成为可能,这对于表现现代派和后现代派戏剧中对几何空间和抽象形式的追求至关重要。书中还探讨了灯具的标准化如何促进了国际间的技术交流与设计语言的统一。 第五部分:数字纪元与光线的无限可能(1990至今) 最后一部分探讨了电脑控制、数字化通信协议(如DMX512)和LED技术对剧场照明带来的颠覆。本书不仅关注技术本身,更关注技术如何拓宽了艺术家的想象边界。 作者详细分析了智能灯具(Moving Lights)如何从摇滚音乐会走向主流戏剧舞台,它们所提供的灯位调整、色彩混合和图案投射能力,使得一个灯光设计师可以完成过去一个团队才能完成的工作。同时,书中也对“灯光饱和度”和“视觉疲劳”等新出现的艺术伦理问题进行了探讨。最后的章节展望了虚拟现实(VR)和增强现实(AR)在剧场照明中的潜在应用,以及灯光设计师在“沉浸式剧场体验”中扮演的角色。 通过这部著作,读者将全面领略舞台灯光从早期的“照明”到现代的“叙事媒介”的完整演变轨迹,理解每一束光线背后所蕴含的艺术选择、技术突破与时代精神。

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用户评价

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,那种厚重而富有质感的封面,光是拿在手里就能感受到一股沉甸甸的专业气息。我特别喜欢封面上那种低调的烫金字体,在深沉的背景色衬托下,透露出一种经典而永恒的美感。内页的纸张选择也十分考究,触感温润,即便是长时间翻阅,眼睛也不会感到疲劳。翻开扉页,首先映入眼帘的是一套精心排版的目录,清晰地勾勒出全书的知识脉络,那种逻辑分明的结构感,让人在尚未深入内容之前,就已经对作者的学术态度和严谨性有了一个初步的良好印象。从排版细节上,就能看出编辑团队对这本书倾注了极大的心血,每一个章节的标题、引文格式,乃至图表的对齐方式,都处理得一丝不苟。这种对工艺的极致追求,无疑提升了阅读体验,让它更像是一件值得收藏的艺术品,而非仅仅是一本工具书。那种触摸得到的质感和视觉上的和谐统一,让每一次拿起它都成为一种享受,极大地激发了我想要深入探索其中奥秘的渴望。

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整体而言,这本书成功地构建了一种平衡的视角:既有坚实的工程学基础,又充满了艺术家的浪漫情怀。它不像一些纯粹的技术手册那样枯燥乏味,也没有落入空谈美学的窠臼。我发现自己阅读完其中一些关于色彩心理学和光影叙事的章节后,看待日常生活中任何一个光源的方式都发生了微妙的变化——商场橱窗的射灯、公园路灯的色温,甚至清晨透过窗帘的阳光,都似乎被赋予了更深一层的解读维度。这本书培养的不是简单的“布光员”,而是一个能够用光线与空间进行有效沟通的“视觉语言学家”。它教会了读者,照明设计绝不是后期添加的装饰,而是与建筑、表演同步呼吸、共同构建体验的核心要素。这种观念上的重塑,才是这本书给予我最持久和最深刻的馈赠。

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我花了整整一个周末的时间,沉浸在这本书的文字海洋中,感觉就像是跟随一位技艺精湛的导师进行了一次深入的行业考察。作者的叙述方式极为生动,绝非那种干巴巴、板着面孔堆砌专业术语的教科书腔调。他似乎擅长将那些复杂的物理原理和美学概念,转化为读者可以直观感受到的场景描述。比如,在探讨光束角度如何影响舞台空间感的那一章,作者没有直接给出晦涩的公式,而是通过对几场经典戏剧场景的细致复盘,让我们真切体会到,一个微小的光束角度调整,是如何在观众心中构建起宏大或幽闭的戏剧氛围的。这种“讲故事”式的讲解,极大地降低了学习门槛,使得即便是初涉此道的爱好者,也能轻松跟上思路。更难能可贵的是,作者总能在技术探讨的间隙,穿插一些关于艺术哲学的思考,将“光”的功能性与它在叙事中的象征意义巧妙地结合起来,使得整本书的深度和广度都得到了极大的拓展。

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这本书的理论深度和广度都超出了我的预期,特别是关于历史演进的部分,简直是一部浓缩的舞台照明发展史。我原以为它会侧重于当代LED技术的应用与发展,但作者却花费了大量篇幅,系统梳理了从油灯、煤气灯到早期钨丝灯泡的每一步技术迭代,以及这些技术变革如何反过来塑造了不同时代的舞台美学风格。这让我意识到,我们今天习以为常的照明技术,背后承载了多少代人的智慧和探索。作者在描述这些历史转折点时,引用的资料翔实可靠,从早期的剧院设计图纸到关键人物的访谈录,都得到了细致的考证。阅读这些内容时,我仿佛能听到过去剧院里设备切换时发出的特有“咔哒”声,感受到艺术家们在技术受限条件下迸发出的创造力。这种跨越时空的对话感,让这本书的价值不仅仅停留在实操层面,更上升到了对媒介发展史的探讨。

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我必须提到书中收录的案例分析部分,那真是干货满满,让人爱不释手。这些案例并非简单的“布光图展示”,而是深入到创作流程的每一个环节,详细剖析了设计决策背后的思考逻辑。每一个案例都仿佛一个完整的迷你项目报告,从最初的概念构思,到与导演、舞美设计师的沟通磨合,再到具体的设备选型、编程调试,直到最终的彩排呈现效果,都做了事无巨细的记录。尤其欣赏作者对“失败案例”的坦诚分析,没有一味地展示成功的光环,而是坦率地剖析了在特定预算或技术限制下,如何进行取舍和妥协,以及如何通过创新的思维来弥补资源的不足。这种近乎“幕后揭秘”的分享,对于在实际工作中摸爬滚打的设计师来说,是无价的经验财富,提供了极其宝贵的参照系和解决问题的思路框架。

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