具体描述
Investigating the central role that theories of the visual arts and creativity played in the development of fascism in France, Mark Antliff examines the aesthetic dimension of fascist myth-making within the history of the avant-garde. Between 1909 and 1939, a surprising array of modernists were implicated in this project, including such well-known figures as the symbolist Maurice Denis, architects Le Corbusier and Auguste Perret, sculptors Charles Despiau and Aristide Maillol, the 'New Vision' photographer Germaine Krull, and the Fauve Maurice Vlaminck. Antliff considers three French fascists: Georges Valois (1878-1945), Philippe Lamour (1903-1992), and Thierry Maulnier (1909-1988), demonstrating how they appropriated the avant-garde aesthetics of Cubism, Futurism, Surrealism, the so-called retour a l'ordre ('return to order'), and, in one instance, even defined the 'dynamism' of fascist ideology in terms of Soviet filmmaker Sergei Eisenstein's theory of montage. For these fascists, modern art was the mythic harbinger of a regenerative revolution that would overthrow existing governmental institutions, inaugurate an anti-capitalist new order, and awaken the creative and artistic potential of the fascist 'new man'. In formulating the nexus of fascist ideology, aesthetics, and violence, Valois, Lamour, and Maulnier drew primarily on the writings of the French political theorist Georges Sorel (1847-1922), whose concept of revolutionary myth proved central to fascist theories of cultural and national regeneration in France. Antliff analyzes the impact of Sorel's theory of myth on Valois, Lamour, and Maulnier. Valois created the first fascist movement in France; Lamour, a follower of Valois, established the short-lived Parti Fasciste revolutionnaire in 1928 before founding two fascist-oriented journals; Maulnier forged a theory of fascism under the auspices of the journals Combat and Insurge.
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用户评价
这本书的插图部分处理得极为精妙，虽然数量不多，但每一张图都经过了近乎偏执的筛选和布局，它们并非简单的视觉辅助，而是作为文本意义的强力延伸，甚至在某些瞬间，图画所传达的信息量远超其配搭的文字段落。我特别注意到那些被截取、被裁剪的、或以极端特写方式呈现的图像，它们不再是我们熟悉的艺术史经典，而是被重新语境化，其原始的美学价值被剥离，转而成为某种符号学的攻击点。这种视觉策略非常高明，它强迫读者质疑自己对图像的既有认知，迫使我们在阅读文字的同时，对画面进行二次的、充满警惕性的解码。然而，这种高度的艺术化处理也带来了一个问题：当视觉语言的张力达到极限时，它似乎开始吞噬掉理论本身的精确性。有时候，我感觉自己被图像的强烈暗示所裹挟，不得不去“感受”作者想要传达的情绪，而不是去“理解”他所论证的观点，这使得整本书的阅读体验在感官与智性之间不断地摇摆不定。
评分阅读这本书时，最让我感到困惑的是它对“激进性”的界定似乎总是在不断地游移和自我消解。作者似乎热衷于在理论的迷雾中穿梭，不断地使用那些晦涩难懂的哲学术语，似乎是为了构建一个只有少数精英才能完全理解的认知壁垒。我尝试理解其中关于“审美政治化”的论述，但每一次深入，都感觉自己被卷入一个无限递归的定义循环中，所有清晰的界限都变得模糊不清，最终指向的可能是一种虚无的、纯粹形式主义的姿态。这种对清晰表达的刻意规避，使得原本可能具有强大社会批判力的观点，被包裹在了一层难以穿透的语言迷宫之中。坦白说，这本书的许多章节读起来，更像是在欣赏一种语言的雕塑艺术，而非在吸收明确的知识体系。对于期待获得明确历史结论或清晰政治立场的读者来说，这可能会是一种极大的挫败，因为它似乎更倾向于提出“问题”本身，而不是提供“答案”，甚至连问题本身都变得越来越难以捉摸。
评分这本书的引文规范和脚注系统简直是一场灾难性的盛宴。我不知道这是故意的反叛，还是纯粹的编辑疏忽，但注释的密度几乎达到了文字本身的水平，而且它们在内容上似乎也采取了一种“平行叙事”的策略，很多时候，脚注中的内容比正文更加富有争议性和启发性，却又被放置在页面的最底层，仿佛是只有真正潜入深海的潜水员才能发现的宝藏。我花了大量时间试图梳理出正文与脚注之间的确切引用关系，但很多时候，脚注似乎更像是一种作者的内心独白或者针对特定读者的“内部笑话”。这种结构上的分裂，无疑是对传统学术规范的一种颠覆，它挑战了阅读的线性权威，要求读者采用一种网状的、非线性的阅读方式。虽然这无疑增添了一种探索的乐趣，就像在阅读一份被层层加密的密文，但对于需要快速定位和核对信息的读者来说，这无疑是效率的巨大杀手。总而言之，这本书用其晦涩的结构和挑战性的形式，成功地建立起了一道技术性的门槛，将那些不够投入的读者拒之门外。
评分这本书的叙事节奏异常缓慢，像是老式胶片放映机在极度拉伸时间，每一个段落都充满了冗长而繁复的引证，仿佛作者是在进行一场无休止的学术拉锯战，试图用百科全书式的广度来包裹其核心论点。我发现自己需要反复回溯前文才能跟上他那复杂而多层的逻辑链条，特别是涉及到对特定历史人物思想谱系的追溯时，那种绵密到令人窒息的细节堆砌，让人几乎找不到喘息的空间。这绝不是一本可以轻松放在床头阅读的消遣读物；它更像是一部需要配备放大镜和时间表才能攻克的堡垒。我曾寄希望于找到一些更具个人色彩的、关于艺术创作主体如何在其时代洪流中挣扎或同流合污的叙事片段，但迄今为止，我接触到的更多是冰冷的文献考据和宏大的结构分析。它更侧重于描绘一种“系统”的运作机制，而非某个具体“人”的内在体验，这使得阅读过程充满了智力上的挑战，但同时也带来了一种疏离感，仿佛隔着厚厚的玻璃在观察历史的切片。
评分这本书的封面设计极具视觉冲击力，那种冷峻的、几何化的构图，仿佛直接将人拉入一个充满秩序与压抑感的迷宫。拿到书的瞬间，我就被它散发出的那种沉甸甸的质感所吸引，纸张的触感粗粝而有力，仿佛在暗示着内容本身的重量。我最初的期待是能读到一些关于早期现代艺术运动中那些激进思潮的深度剖析，特别是那些挑战传统美学界限，试图将艺术与政治权力结构深度融合的尝试。我尤其关注那些被主流艺术史常常忽略的、位于美学前沿与社会边缘地带的实验性作品和理论文本。这本书的排版也很有意思，它采用了大量的留白和非常规的字体选择，这种布局本身就在模仿一种“反主流”的姿态。虽然我还没有深入阅读文本，但仅从这些视觉元素来看，作者显然是在用一种强烈的、几乎是挑衅性的方式来构建阅读体验，让人在翻开扉页之前就已经感受到一种强烈的时代焦虑和对既有范式的颠覆欲望。这种精心构建的“物质性”似乎在强调，我们讨论的主题不是可以轻易消化的学院理论，而是需要身体力行去体会的、具有物理压迫感的历史现象。
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