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出版者:Dover Pubns

作者:Lippard, Lucy 编

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2007-2

价格:$ 10.11

装帧:Pap

isbn号码:9780486456997

丛书系列:

图书标签:

• 达达主义
• 艺术史
• 现代艺术
• 艺术理论
• 文化评论
• 先锋派艺术
• 20世纪艺术
• 艺术哲学
• 艺术运动
• 杜尚

《时间的涟漪：现代艺术中的日常与永恒》 图书简介 《时间的涟漪：现代艺术中的日常与永恒》是一部深入剖析二十世纪以来西方艺术思潮变迁的重量级学术著作。本书超越了传统艺术史的叙事框架，不再仅仅关注艺术流派的更迭或大师的生平，而是将目光聚焦于一个核心议题：现代艺术如何处理和重构“时间”与“日常”的关系，并试图在瞬息万变的现代性中捕捉到某种超越性的“永恒”。 本书的结构设计精巧，分为五个递进的部分，如同涟漪般由中心向外扩散，层层深入地揭示了现代艺术复杂而迷人的肌理。 第一部分：失序的钟摆——现代性的开端与对线性的反叛 本章探讨了从印象派晚期到立体主义兴起这一关键转型期。作者首先考察了十九世纪末期，随着工业化和科学发展，传统上被视为稳定、线性的时间观念是如何被动摇的。柏格森的“绵延”（Durée）哲学，作为当时知识界思潮的基石，如何渗透并影响了早期现代艺术家的创作。 重点分析了塞尚对空间和视角的解构如何预示了时间在画布上的多重叠加。立体主义的出现被视为对传统西方单点透视法——这一基于恒定时间框架的视觉语言——的彻底颠覆。书页详细对比了布拉克和毕加索早期作品中物体被分解和重组的过程，指出这种“同时性”（Simultaneity）的视觉呈现，实际上是对“当下”这一短暂时刻的无限拉伸和复杂化。这一部分强调，早期现代主义者并非要消除时间，而是要在二维平面上实现时间的压缩与共存。 第二部分：日常的仪式化——杜尚、达达与时间的停滞 本部分是全书的核心论据之一，专门探讨了达达主义和尤其是马塞尔·杜尚对“意义时间”的挑战。作者认为，达达运动的非理性与“现成品”（Readymade）的引入，是对启蒙理性所构建的“进步时间”的绝望反击。 《时间的涟漪》细致考察了杜尚的《下楼梯的裸女二号》与他后期的“延迟行动”之间的内在联系。现成品，如《泉》，其艺术价值的获得并非基于制作时间或技巧，而是基于观念被放置于艺术语境中的那一刻的“选择时间”。这一“选择的瞬间”成为了一种新的、具有颠覆性的“永恒”。通过对杜尚文本的深入解读，本书揭示了日常物品如何被剥离其功能时间，从而获得一种悖论性的、永恒的在场感。这一过程，是艺术从“看”到“想”的关键转向。 第三部分：流动的风景——超现实主义与梦境的非线性时空 聚焦于超现实主义，本章深入分析了弗洛伊德的精神分析理论如何为艺术家们提供了逃离规范时间的路径。超现实主义者并非简单地描绘梦境，而是试图在清醒与梦境的边界地带，构建一种“超时间”（Surreal Time）。 本书详细比较了达利对钟表“软化”的处理与马格里特对日常物体标签的错置。达利的钟表不是对物理时间的否定，而是对“心理时间”的具象化表现——记忆、焦虑和欲望如何使时间变慢或扭曲。马格里特的作品则探讨了符号与其所指之间的断裂，暗示了语言和视觉约定俗成的“时间顺序”的脆弱性。作者认为，超现实主义试图通过对潜意识的“挖掘”，来接触到一种未被现代社会线性结构污染的、更原始的“永恒瞬间”。 第四部分：速度的崇拜与遗忘——未来主义与抽象表现主义对能量的捕捉 本部分将焦点转向了对“动能”的迷恋，并分析了这种迷恋在不同流派中的表现差异。意大利未来主义者对工业化速度的颂扬，被视为对时间“加速”的积极拥抱。书中对比了博乔尼对运动轨迹的描绘，这是一种试图将“经历时间”固化在画布上的尝试，本质上仍是对瞬间能量的记录。 然而，随着二战的爆发，这种对速度的乐观态度迅速消退。抽象表现主义，特别是波洛克的行动绘画，被解读为对未来主义的修正与内化。波洛克的滴画不再是描绘外部世界的速度，而是记录了艺术家身体与材料相互作用的物理时间——即创作过程本身成为艺术品的核心时间维度。本书强调，抽象表现主义通过铺展的、无边界的画面，试图在创作的“此刻”达到一种精神性的、超越性的“永恒在场”。 第五部分：碎片化的现实——后现代语境下的时间循环与参照 在本书的最后一部分，作者将视野拓展到波普艺术、极简主义以及观念艺术。后现代主义对“原创性”和“宏大叙事”的质疑，直接导致了对“时间进步观”的彻底抛弃。 波普艺术对流行文化的挪用与重复（如安迪·沃霍尔的丝网印刷系列），被视为对时间单向流动的戏仿，它创造了一种永恒的“再现时间”，即图像可以被无限复制，时间性被扁平化。极简主义则回归到对材料和空间的纯粹关注，作品的“永恒性”体现在其对环境的持续、不受时间侵蚀的在场感。 最终，本书总结道，现代艺术史并非一条直线，而是一系列对“时间”概念进行重构的尝试。从立体主义对时空压缩的探索，到杜尚对意义瞬间的锁定，再到后现代对时间循环的利用，现代艺术不断在“日常的即逝性”与“艺术的永恒追求”之间寻找张力，最终揭示出时间本身是人类心智建构的最强大的艺术材料之一。 本书文笔严谨而富有洞察力，结合了艺术史、哲学和文化研究的交叉视角，为读者提供了一个理解二十世纪艺术复杂性的全新参照系。它不仅是对艺术史的梳理，更是对我们如何感知和构建自身时间体验的深刻反思。

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读完这本书，我感受到的不是知识的增加，而是一种世界观的重塑，尤其是在对待“什么是美”这个问题上。作者似乎对传统的美学范式持有一种审慎的、甚至是批判性的态度，他更关注艺术如何介入权力结构、如何挑战既有的社会认知。书中对于一些长期被视为“边缘”或“不入流”的创作形式的重新评估，让我对艺术的边界有了更开阔的想象。我仿佛站在一个巨大的时间轴前，看到艺术是如何从早期的仪式性需求，一步步演化为现代的个人宣言和观念战场。这种宏大的叙事框架，穿插着对具体作品的微观分析，使得全书既有骨架，又有血肉。我甚至开始重新审视我个人收藏的几件艺术品，试图去发掘它们被忽略的、更深层次的社会意义。

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这本书的语言风格非常独特，它有一种古典的韵律感，但用词却异常现代和精准，形成了一种奇妙的张力。作者似乎非常擅长运用比喻和类比，将抽象的哲学概念转化为读者可以清晰感知的画面。例如，他对“观看距离”的描述，简直是教科书级别的精彩，寥寥数语便道出了观察者与被观察物之间永恒的悖论。我特别赞赏作者在处理争议性艺术作品时所展现出的克制与公正，他没有急于下定论，而是细致地呈现了各方观点，让读者自己去权衡和感受作品带来的冲击力。这本书更像是一次精心策划的导览，带领读者穿越艺术的迷宫，不是为了找到一个最终的出口，而是为了更好地享受迷宫本身带来的挑战和惊喜。它让我对当代艺术的“晦涩”少了一份不耐烦，多了一份好奇心。

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这本书给我的整体印象是极具思辨性和挑战性的，它强迫读者走出舒适区，去面对那些令人不安的、反直觉的艺术表达。作者的论证逻辑像精密的机械结构，层层递进，每一步都建立在前一步坚实的基础上，但最终得出的结论往往出人意料。特别是关于“审美疲劳”和“持续创新”之间关系的那一章节，看得我冷汗直流，它毫不留情地揭示了艺术史螺旋上升的残酷性——不断地推翻既有的标准，才能为新的可能腾出空间。这种对艺术史动态过程的把握，非常深刻。虽然有些段落需要反复阅读才能完全消化其中的复杂概念，但这种“费力”的过程本身就是一种智力上的愉悦。它不是快餐式的阅读体验，而是一顿需要细嚼慢咽的盛宴，每一次咀嚼都能品出新的滋味。

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我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论著作，毕竟书名听起来就带着某种挑战性，但事实是，它比我想象的要平易近人得多，甚至带有一种近乎于“八卦”的吸引力。作者似乎很擅长挖掘那些隐藏在华丽创作背后的真实人性——那些艺术家的焦虑、嫉妒、短暂的狂喜以及持续不断的自我怀疑。这种对艺术家“不完美”侧面的描绘，使得冰冷的艺术品突然有了血肉和呼吸。我特别喜欢其中关于材料与媒介之间张力的讨论，他没有停留在材料的物理属性上，而是深入挖掘了特定材料如何在文化和社会语境中承载了特定的情感重量。举个例子，他分析某种特定时期使用的颜料，如何不仅仅是化学配方，更是一种时代精神的载体，这种洞察力极其敏锐。这本书读起来就像是和一位博学多识但又极其健谈的朋友在咖啡馆里探讨艺术，轻松自然，却又信息量爆炸。

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这本书简直是艺术史领域的一股清流，它没有采用那种高高在上、故作玄虚的学院派腔调，而是用一种近乎于散文诗般的笔触，带领我们重新审视那些我们自以为已经完全理解的艺术现象。作者的叙事功力令人叹服，他巧妙地将宏大的历史脉络与那些被主流叙事遗漏的、充满生命力的个体故事编织在一起。我尤其欣赏他对“偶然性”在艺术创作中作用的探讨，那种对灵光乍现瞬间的捕捉和细致入微的剖析，让我对许多经典作品有了全新的感悟。它不是一本告诉你“应该怎么看”的书，而是一本激发你“如何去看”的书。读完之后，我感觉自己对光影、色彩和形式的敏感度都提高了不止一个层次，仿佛我的视觉皮层被重新校准了一般。书中引用的那些鲜为人知的艺术家的案例，更是为整个论述增添了厚度和趣味性，让我忍不住要去翻阅更多相关的资料。这本书的排版和装帧也十分考究，拿在手里本身就是一种享受，那种对细节的执着，恰恰呼应了书中对艺术本质的探求。

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