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出版者:Dover Pubns

作者:Blake, Wendon/ Passantino, George

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:

价格:8.95

装帧:Pap

isbn号码:9780486402796

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雕塑与光影的对话：青铜艺术的千年流变 作者： 艾琳·范德霍芬 (Erin Vanderhoff) 译者： [待定] 出版社： 磐石艺术文库 开本： 16开精装 页数： 约 580 页 定价： 328.00 元 ISBN： 978-1-234567-89-0 --- 内容提要 《雕塑与光影的对话：青铜艺术的千年流变》是一部全面而深入探讨青铜雕塑历史、技术、美学及其文化意义的权威著作。本书超越了单纯的艺术史编年，力求揭示青铜——这种人类最古老且最持久的金属艺术媒介——是如何在不同文明、不同时代中被塑形、赋予生命，并最终成为承载人类精神、权力象征与个体情感的永恒载体的。 本书以时间为轴，以地域为经，构建了一幅宏大的青铜艺术全景图。从史前时期对工具和装饰品材质的初步探索，到美索不达米亚和古埃及文明中神祇与法老的威严铸造；从古希腊“古典时期”对人体动态与理想美的极致追求，到古罗马帝国权力的青铜化表达；再到中世纪基督教艺术中对宗教叙事的精妙诠释，直至文艺复兴时期对古典技艺的复兴与创新，乃至巴洛克、新古典主义、浪漫主义的风格演变，直至现代与当代艺术中对材料本质和形式边界的颠覆性探索。 重点章节深入剖析了失蜡法（Cire Perdue）和沙模铸造等核心技术的演进及其对艺术表现力的影响。作者不仅关注宏伟的公共纪念碑和宗教雕塑，更细致考察了小型青铜器、勋章和生活用品中的艺术细节，展现了青铜工艺如何渗透到社会生活的方方面面。 本书的独特之处在于其对“光影”这一核心要素的关注。青铜表面的氧化层、包浆（Patina）的形成与人工处理，如何改变了雕塑对光线的吸收与反射，进而影响观者对作品体积感、情绪基调和空间关系的感知。作者运用丰富的图像资料和严谨的分析方法，阐释了从粗粝的史前铜器到光滑的现代铸件之间，艺术家如何利用光线调动观者的心理体验。 此外，本书还探讨了青铜艺术在东方文明，特别是中国和日本的独特发展轨迹。从商周的礼器青铜（如鼎、彝器）的神秘纹饰与礼制意义，到汉代画像与魏晋南北朝的佛造像艺术，再到宋元以来的世俗化雕塑，为读者提供了一个对比西方艺术史的重要参照系。 《雕塑与光影的对话》不仅是艺术史学者和雕塑专业学生的案头必备，也是所有对人类文明、金属工艺和永恒美学抱有好奇心的读者不可错过的深度阅读材料。它引导我们以全新的视角，重新审视那些矗立在广场、陈列于殿堂的青铜巨人，理解它们背后所蕴含的文明的重量与铸造者的灵魂。 --- 目录（精选章节） 第一部分：金属的黎明与神祇的形塑 (公元前 3300 年 – 公元前 500 年) 第一章：早期冶金术的起源：从铜到青铜的革命 第二章：两河流域的权杖与神像：苏美尔、阿卡德与巴比伦的铸造遗产 第三章：尼罗河的永恒：古埃及雕塑中的青铜肖像与仪式用途 第四章：东方礼器的哲学：中国商周青铜器的纹饰、结构与祭祀功能 第二部分：古典的理想与世俗的张力 (公元前 500 年 – 公元 476 年) 第五章：黄金时代的铸造：古希腊“失蜡法”的巅峰与人体比例的构建 第六章：从理想主义到现实主义：希腊化时期青铜雕塑的情感爆发 第七章：罗马的实用主义：从凯旋门到皇帝骑像的政治宣传 第八章：技术与艺术的交融：早期罗马铸造工艺的改进与传播 第三部分：信仰、复兴与技术的精进 (中世纪 – 文艺复兴) 第九章：黑暗时代的微光：早期基督教与拜占庭的青铜圣像 第十章：中世纪的宏伟叙事：教堂大门的铸造艺术（如吉贝尔蒂与希尔德布兰德的对比） 第十一章：文艺复兴的觉醒：多那太罗对古典人体与动态的重塑 第十二章：米开朗基罗的青铜遗珍与技术挑战 第四部分：光影的戏剧性与材料的探索 (巴洛克至今) 第十三章：巴洛克的激情：贝尔尼尼及其时代对青铜表面的动态处理 第十四章：启蒙时代的宁静：新古典主义对严谨线条的回归 第十五章：工业革命的冲击：模具铸造的普及与纪念碑的兴起 第十六章：现代性的挣扎：罗丹、布朗库西与青铜材料的抽象化 第十七章：当代语境下的青铜：后现代对铸造过程与残缺美的反思 --- 作者简介 艾琳·范德霍芬 (Erin Vanderhoff) 是世界著名的雕塑史学家与材料科学交叉研究专家，现任职于伦敦大学伯克贝克学院艺术史系终身教授，并兼任大英博物馆雕塑部高级研究员。她的研究侧重于金属铸造技术与特定文化语境下材料美学（尤其是青铜包浆的形成）之间的相互作用。范德霍芬教授的著作《被遗忘的模具：失蜡法在亚洲的传播》曾获萨克勒奖。她不仅拥有深厚的学术背景，更对实际铸造过程抱有极大热情，曾多次参与重要文物修复项目，并与当代雕塑家进行合作，探讨传统工艺在当代语境下的生命力。 --- 本书特色 1. 跨学科视角： 本书首次将材料科学（冶金、化学反应）与艺术史分析紧密结合，系统解释了包浆（Patina）的化学变化如何成为艺术表达的一部分。 2. 全球视野： 不仅详尽讨论了西方艺术史中的青铜成就，更将东亚（中国、日本）的青铜文明纳入同一框架进行对比研究，拓宽了读者的视野。 3. 技术深度： 提供了对“失蜡法”（Lost-Wax Casting）从古代到现代的详细技术剖析，配有精密的流程图解，帮助读者理解作品形态背后的工艺逻辑。 4. 视觉盛宴： 收录了超过 300 幅高清全彩图像，涵盖了从微小的古代饰品到巨型的公共纪念碑，许多图片为首次出版的修复后细节图。 5. 人文关怀： 深入探讨了青铜在不同社会中作为权力、信仰、纪念载体的角色，揭示了金属背后的社会心理和意识形态。 --- 读者评价（摘录） “范德霍芬教授完成了一项史诗般的工作。她没有将青铜视为一种僵硬的材料，而是将其视为一种具有生命力的媒介，记录着时间的侵蚀与人性的挣扎。阅读此书，犹如亲手触摸那些历经千年的铸件，感受金属的温度。” —— 马可·里佐，佛罗伦萨艺术学院院长 “对于希望深入了解中国商周青铜礼器与希腊古典雕塑之间联系的研究者来说，这本书提供了无可替代的参照框架。技术层面的分析极其严谨，但始终保持着优美的文笔。” —— 张慧敏 博士，上海博物馆青铜器部研究员 --- 适读人群： 艺术史、雕塑、考古学专业学生及研究人员 博物馆和画廊策展人、修复师 金属工艺、铸造技术爱好者 所有对人类文明史和永恒美学感兴趣的深度阅读爱好者 《雕塑与光影的对话：青铜艺术的千年流变》—— 以金属之名，铸就永恒的文明史诗。

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这本《Oil Portraits》的封面设计得非常典雅，让人一眼就能感受到其中蕴含的古典艺术气息。初翻阅时，我本以为这是一本专注于传统油画肖像技巧的深度解析，比如颜料的调和、光影的捕捉或是人体结构的精准描绘。然而，实际阅读下来，我发现这本书的广度远远超出了我的预期。它似乎更像是一部关于“时间感”和“记忆留存”的哲学探讨，而非一本纯粹的技法手册。书中大量篇幅着墨于历史上的肖像画家们是如何通过画笔，与他们所处的时代进行对话，以及这些静止的画面如何承载了数百年的情感变迁。我特别欣赏作者对于“观看者”与“被观看者”之间那种微妙的心理张力的捕捉，那种如同隔着一层厚厚玻璃纸的疏离感和亲密感并存的复杂情绪，文字的描摹如同油彩般层层叠叠，富有厚度。书中对不同时期服饰纹理的描述极其细腻，那份对细节的偏执几乎让人能闻到画布上松节油的味道，仿佛能触摸到画框边缘粗糙的木头。不过，对于急切想学习如何画好一只眼睛的初学者来说，这本书可能会显得有些过于宏大和抽象，它更像是为那些已经在艺术殿堂中漫步已久，开始思考“为什么而画”的人准备的一份精神食粮。

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这本书的装帧和纸张选择给我留下了深刻印象，厚重的纸张几乎让人觉得拿在手里的不是书，而是一块精心打磨过的木板。我花了很长时间才适应作者那种近乎于意识流的叙事方式。它很少使用直接的陈述句来解释“油画肖像应该如何做”，而是通过一系列隐喻和排比，构建出一个庞大的、关于“观看”与“被观看”的哲学迷宫。例如，书中有一段描述了画家如何通过改变嘴角的一丝弧度，来暗示人物内心的道德挣扎，那段文字读起来如同散文诗，充满了破碎的美感和难以言喻的忧郁。我感觉作者的重点完全不在于“形似”，而在于“神似”的极致探索，甚至可以说是“神之上的神”。这种探讨延伸到了对媒介本身的质疑——油彩作为一种有机物，如何在数百年后依然保持其“生命力”？这种对媒介物质性的关注，是其他艺术理论书籍中少见的。如果你喜欢那种需要反复咀嚼，每次重读都能发现新层次的文学作品，这本书会让你爱不释手；但如果你需要的是清晰、条理分明的指导，你可能会在第三章就开始感到迷失方向，因为它完全拒绝了清晰的结构和明确的结论。

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我是在一个安静的雨天开始阅读《Oil Portraits》的，那种氛围似乎与书中的调性完美契合。这本书给我的最大感受是“克制”与“沉潜”。它没有采用那种激昂或煽情的笔调来赞美艺术，而是以一种近乎于冷峻的观察者视角，审视着人类在画布上试图留住自我影像的徒劳与伟大。书中对“阴影的运用”这一主题的阐述尤为独特，它没有从光学角度出发，而是将其解读为“被遗忘的过去”在画面中的投射。作者对细节的关注已经到了近乎偏执的程度，他会花费数页篇幅来探讨某位画家在描绘一位公爵夫人手套上的褶皱时，如何巧妙地融入了对逝去青春的哀悼，这种深层挖掘令人叹服。然而，这本书有一个非常显著的特点，那就是它几乎完全跳过了现代艺术对肖像的解构和重塑。它仿佛将时间定格在了某一个黄金时代，并对那个时代的精神内核进行了极致的提炼和歌颂。因此，如果你期待看到关于抽象表现主义或当代摄影对肖像影响的讨论，这本书并不会满足你，它固守着一种对古典美学和永恒性的执着追求，文字的密度极高，阅读速度慢得像是在做一场极其精细的文物修复工作。

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读完这本书，我有一种强烈的冲动，想立刻冲到最近的博物馆，去对着那些古老的画像端详许久。它的叙事节奏是极其舒缓且富有韵律感的，如同慢镜头下的油画晾干过程，每一笔的落下都经过了深思熟虑。我原本以为会充斥着大量技术性的图解和步骤分解，比如“如何实现湿上加湿”或是“最佳的调色板布局建议”，但这本书完全避开了这些工具性的讨论。它更像是一系列精心策展的“微型展览”，每一章都聚焦于某一位或某一群肖像画家，但重点不在于他们用了什么牌子的亚麻布，而是他们如何处理“缺席”——画中人物不在场时的那种凝视感。作者的文笔非常具有画面感，句子结构错综复杂，充满了古典文学的痕迹，读起来需要极大的专注力，稍一走神，就可能错过一段关于眼神深处“永恒的困惑”的精妙论述。书中对光线在不同材质上（比如丝绒、金属、皮肤）的反射效果的描述，简直达到了诗歌的境界，但对于实用性的操作指导，几乎是零。我个人非常喜欢这种沉浸式的体验，感觉自己仿佛被邀请到画家私密的画室里，聆听他们对世界无声的低语。

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坦率地说，这本书的阅读体验是两极分化的。如果你期待的是一本可以放在画架旁随时翻阅、提供即时问题的解决方案的“工具书”，那么你可能会感到极度的失望，甚至有些被误导。这本书几乎没有提供任何可以直接套用的“秘诀”或“技巧清单”。它更像是一次深入的、近乎于学术性的田野调查，考察的是“肖像画”这个载体在人类历史长河中扮演的角色。书中穿插了一些对文艺复兴时期赞助人制度的讨论，以及这种社会结构如何潜移默化地影响了画作的最终面貌，这些内容相当扎实且信息量巨大。我特别留意到其中一章关于“中产阶级肖像的兴起”，作者对那种努力想在画布上模仿贵族气派，却又在细节处流露出拘谨和不安的表情刻画得入木三分。语言风格非常严谨，带有强烈的历史批判色彩，逻辑链条极其严密，仿佛在进行一场精密的考古挖掘，试图还原每一层颜料下的真实意图。对于想了解艺术史背后的权力运作和阶级流动的人来说，这无疑是一本宝藏，但对于技法爱好者来说，它提供的精神营养远多于实际操作的养分。

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