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出版者:Elsevier Science Ltd

作者:Subotnick, Steven

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2003-1

价格:$ 56.44

装帧:Pap

isbn号码:9780240804743

丛书系列:

图书标签:

• 动画
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探索数字艺术的无限可能：《像素的交响：现代数字艺术创作与策展实录》 （A Symphony of Pixels: Chronicles of Modern Digital Art Creation and Curation） 内容提要： 本书深入剖析了当代数字艺术的创作生态、技术演进及其在当代文化语境中的核心地位。我们不再仅仅关注屏幕上的动态影像，而是将目光投向支撑这一切的底层逻辑、新兴的媒介形态以及艺术家如何利用代码、算法和交互设计来重塑观众体验。从早期光栅图形的先驱实验，到如今基于生成对抗网络（GANs）和区块链技术的颠覆性实践，本书提供了一个全面且深入的视角，探讨数字艺术如何从边缘走向主流，成为理解后数字时代视觉文化不可或缺的一部分。 第一部分：代码与画布的交融——数字艺术创作的技术基石 第一章：媒介的演变：从向量到体素的视觉革命 本章追溯了计算机图形学从二维向量绘图到复杂三维体素渲染的发展历程。详细考察了早期计算机辅助设计（CAD）工具如何启发了早期的动态图形先锋。重点讨论了渲染方程、光线追踪技术的发展，以及这些基础数学模型如何成为数字艺术家手中强大的叙事工具。我们分析了不同分辨率、色彩深度和压缩标准对最终视觉呈现的影响，以及艺术家如何有意识地利用这些技术限制或优势来构建特定的美学效果。 第二章：算法的诗学：生成艺术与数据的驱动 本书认为，算法是当代数字艺术的核心“画笔”。本章深入探讨了“生成艺术”（Generative Art）的哲学基础与实践方法。我们详细解析了Perlin噪声、分形几何（如Mandelbrot集合的视觉应用）在有机形态构建中的作用。更进一步，本章着重介绍了参数化设计在当代雕塑、装置和虚拟环境构建中的应用，展示了艺术家如何通过编写明确的规则集来引导不可预测的、复杂的视觉输出。特别地，我们将分析“演化艺术”中，艺术家如何设计“适应度函数”来指导图像或形式的迭代过程。 第三章：交互的张力：实时性与用户在场感的构建 数字艺术的独特魅力在于其与观众之间不断变化的动态关系。本章聚焦于实时渲染、物理模拟和传感器技术的融合。我们探讨了Unity和Unreal Engine等游戏引擎如何被艺术家用作非线性的叙事平台。详细分析了运动捕捉、脑机接口（BCI）输入和环境传感器数据如何被转化为视觉或听觉输出，创造出对观众行为做出即时反应的沉浸式体验。本章强调了“延迟”（Latency）和“响应时间”在构建心理沉浸感中的关键作用。 第二部分：新兴范式与文化冲击——数字艺术的当代前沿 第四章：虚拟的场域：沉浸式空间与元宇宙的原型 本章超越了对“虚拟现实”（VR）硬件的简单介绍，转而关注虚拟空间作为艺术媒介本身的潜力。我们分析了早期MUDs和多用户虚拟环境（MUVES）如何为当代元宇宙艺术奠定基础。重点讨论了空间音频设计、环境叙事（Environmental Storytelling）在构建可信虚拟世界中的策略，以及艺术家如何利用体感交互来挑战观众对“身体在场”的传统认知。我们探讨了虚拟世界中“非人类代理”（Non-human Agents）作为表演者或叙事者的可能性。 第五章：区块链与数字物权：NFTs的艺术经济学 本书对非同质化代币（NFTs）的探讨，聚焦于其对艺术品稀缺性、所有权和流通模式的结构性重塑。我们不涉及投机市场，而是侧重于智能合约作为一种“活的艺术品契约”的潜力。分析了“Token Gated”内容如何改变社群参与模式，以及艺术家如何通过元数据嵌入（Metadata Embedding）来为作品添加不可篡改的背景信息或功能性代码。本章旨在理解区块链技术如何从根本上改变数字作品的“物质性”。 第六章：AI的协同创作：生成对抗网络（GANs）的审美转向 深度学习在艺术领域的应用是当前热点，本章旨在剖析GANs（如StyleGAN, BigGAN）作为“共同创作者”的角色。我们探讨了艺术家如何精心设计训练数据集（Dataset Curation）来引导AI生成特定的美学倾向或文化评论。重点分析了“潜空间”（Latent Space）的可视化和导航，艺术家如何“行走”于AI所定义的风格空间中，以发现意料之外的视觉组合。本章审视了原创性、模仿与风格盗用的伦理边界。 第三部分：语境与未来——数字艺术的策展与批评实践 第七章：屏幕之外的在场：数字装置与物理边界的消解 数字艺术的展示面临独特的挑战。本章详细研究了如何将屏幕媒介转化为具有物理尺度的艺术体验。探讨了大型投影映射（Projection Mapping）如何重新定义建筑表面，以及使用定制硬件、机器人技术和传感器阵列的互动装置如何将代码逻辑转化为可感知的物理事件。我们分析了“环境适应性”（Context-Awareness）在当代装置艺术中的重要性，即作品如何响应其物理环境的变化。 第八章：策展的新路径：数字策展与档案的持久性 数字艺术品，尤其那些依赖特定软件或硬件才能运行的“动态作品”，其长期保存和展示是策展界面临的巨大难题。本章讨论了“模拟与仿真”（Emulation and Simulation）在艺术品保存中的应用，以及“活的档案”（Living Archives）的概念，即策展实践本身需要持续的维护和代码更新。我们分析了数字艺术的“语境漂移”问题，以及如何通过策展文本来稳定作品的初始意图。 第九章：批评的挑战：可读性、短暂性与后媒介理论 数字艺术的批评需要新的理论工具。本章旨在建立一套适用于分析动态、互动和算法生成作品的批评框架。探讨了“信息过载”下观众的注意力经济，以及如何评价一件作品的“有效性”——是基于其代码的优雅性、交互的深度，还是其最终的视觉输出？我们考察了数字作品的“短暂性”（Ephemerality）作为一种美学特征，以及它如何挑战传统艺术史对“永恒性”的追求。 结语：重塑感知：数字媒介的未来图景 本书最终将数字艺术置于更广阔的文化背景中，探讨其如何不仅反映了技术进步，更在主动塑造我们体验现实、感知时间与构建身份的方式。它是一份对技术驱动下视觉文化深层结构的研究报告，旨在激发创作者、策展人及普通观众对数字媒介潜力的更深刻理解。

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《Animation in the Home Digital Studio》这本书，简直就是一本“量身定做的数字动画宝典”。我一直以来都对动画制作充满向往，但总是在技术和资源的面前望而却步。这本书的出现，就像一位睿智的导师，为我指明了方向，并提供了完整的学习路径。 我特别欣赏书中关于“运动捕捉”的讲解。作者用非常形象的比喻，将复杂的动作捕捉技术描绘得清晰易懂。他介绍了不同类型的动作捕捉设备，以及如何在家庭工作室中进行简单的动作捕捉。这让我看到了将现实世界的动作，转化为数字动画的可能，也让我对动画的真实感有了更深的理解。 让我惊喜的是，这本书还涉及了“游戏动画”和“交互式动画”的制作。作者简要介绍了游戏动画的基本原理，以及如何制作更具互动性的动画内容。这大大拓宽了我的创作思路，让我看到了动画不仅仅是线性的叙事，还可以是更具参与感的体验。 而且，作者在书中分享的许多“成本控制”和“资源利用”的建议，都非常有价值。他鼓励我们利用免费和开源的软件，寻找性价比高的硬件设备，并分享了许多免费的素材资源。这对于我们这些预算有限的家庭创作者来说，简直是无价的财富。 我现在已经能够运用书中介绍的知识，来尝试制作一些简单的交互式动画，并为我的作品添加一些游戏化的元素。每一次的成功，都让我感到无比的兴奋和满足。这本书不仅仅是传授技术，更是一种创作的赋能，它让我看到了数字动画艺术的无限魅力，也让我更加期待我的下一个动画作品。

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这本书简直让我大开眼界！我一直对数字艺术和动画充满兴趣，但总觉得门槛很高，不知道从何下手。直到我翻开了《Animation in the Home Digital Studio》，一切都变得清晰明了。作者用一种非常接地气的方式，将复杂的概念拆解成一个个易于理解的步骤，让我感觉仿佛有一位经验丰富的导师在我身边悉心指导。 从最基础的软件介绍，到各种工具的运用，再到角色设计、场景构建、动作捕捉、甚至是后期剪辑和声音合成，书中几乎涵盖了家庭数字工作室中进行动画制作的每一个环节。最让我惊喜的是，作者并没有一味地罗列技术术语，而是通过大量的实例和图示，生动地展示了各种技巧的应用。我特别喜欢其中关于“表情捕捉”的那一部分，原来那些活灵活现的动画角色，背后有如此精妙的捕捉和渲染技术！ 而且，这本书不仅仅是技术手册，更像是一本创作灵感的宝库。作者分享了许多自己的创作心得和业界案例，让我看到了动画艺术的无限可能。我以前总觉得制作动画需要昂贵的设备和专业的团队，但这本书让我意识到，只要有创意、有热情，再加上这本书提供的知识和指导，即使是个人，也能在家中打造出属于自己的数字动画工作室。 我迫不及待地想尝试书中所讲的3D建模和绑定技术，相信很快就能创造出属于自己的动画角色，并赋予它们生命。这本书的编排也非常人性化，每一章都设置了练习题和项目挑战，这极大地激发了我的学习动力。我已经在我的电脑上安装了作者推荐的几款软件，正准备按照书中的步骤，一步一步地构建我的第一个动画短片。 我强烈推荐这本书给所有对动画制作感兴趣的朋友，无论你是初学者还是有一定基础的爱好者，都能从中受益匪浅。它不仅能教会你技术，更能点燃你的创作激情，让你在数字动画的世界里自由翱翔。这本书的价值远远超过了它的价格，绝对是我近年来阅读过的最有价值的技术类书籍之一。

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我必须说，《Animation in the Home Digital Studio》这本书，简直就是一本“数字动画制作百科全书”，但它却一点也不枯燥乏味，反而充满着趣味性和启发性。作者的写作风格非常幽默风趣，让我每一次阅读都感到轻松愉快，仿佛在和一位经验丰富的老友聊天。 书中关于“角色设计”的深入探讨，让我受益匪浅。我之前总觉得我的角色设计缺乏个性和吸引力，但作者通过详细的讲解，教会了我如何从骨骼结构、面部特征、服装搭配等方面入手，来塑造一个有血有肉、令人难忘的角色。他强调了“故事性”在角色设计中的重要性，即每一个细节都应该服务于角色的背景和性格。 让我惊喜的是，这本书还涉及了“AR（增强现实）”和“VR（虚拟现实）”在动画中的应用。作者展望了未来的发展趋势，并介绍了如何利用现有的技术，探索这些新兴领域。虽然我目前还没有条件进行AR/VR动画的制作，但这本书让我对未来的动画发展有了更广阔的视野。 而且，作者在书中分享的许多“创作心得”和“行业洞察”，都非常有价值。他并没有避讳创作过程中的困难和挑战，而是鼓励我们积极面对，并分享了许多实用的解决方法。例如，关于如何克服“创意枯竭”，如何从生活中汲取灵感，这些都让我感到非常受用。 我现在已经能够运用书中介绍的知识，来设计出更具个性的角色，并尝试着为它们赋予更丰富的表情和动作。每一次的创作，都让我感到无比的兴奋和满足。这本书不仅仅是传授技术，更是一种创作的启迪，它让我看到了数字动画艺术的无限魅力，也让我更加期待我的下一个动画作品。

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《Animation in the Home Digital Studio》这本书，简直就是为我这个“想做又不知如何做”的数字动画爱好者量身打造的。作者的讲解风格非常独特，他没有使用枯燥乏繁的技术术语，而是用一种非常生动有趣的方式，将复杂的概念娓娓道来，让我读起来津津有味，丝毫感觉不到疲惫。 书中对于“材质和纹理”的讲解，是我之前一直困扰的难题。我总是觉得我制作的模型看起来“假假的”，没有生命力。这本书详细地介绍了各种纹理贴图的类型，以及如何利用它们来为模型增加细节和真实感。我尤其喜欢关于“PBR材质”的那一部分，它让我理解了如何模拟真实世界的光照和材质属性，从而让我的作品更具视觉冲击力。 而且，作者在书中分享的许多“创作流程”和“工作方法”，都非常有启发性。他鼓励我们从小处着手，先完成一个简单的练习，再逐步挑战更复杂的项目。这种循序渐进的学习方式，让我感到非常踏实，也极大地增强了我的自信心。我之前总想着一步到位，结果总是因为难度太大而放弃。 让我感到惊喜的是，书中还涉及了一些关于“声音设计”和“配乐”的内容。我一直以为动画制作只需要关注画面，但作者强调了声音在烘托气氛、塑造角色方面的重要性。他推荐了一些免费的音效库和音乐资源，并指导我们如何将它们融入到动画中，这让我对动画的整体表现有了全新的认识。 我现在已经开始尝试为我的第一个小动画项目添加音效，并尝试着进行简单的剪辑。每一次的尝试，都让我觉得自己的作品离“成品”又近了一步。这本书不仅仅是传授知识，更是一种创作的引导，它让我看到了无限的可能，也让我更加期待我的下一个动画作品。

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当我拿到《Animation in the Home Digital Studio》这本书时，我并没有抱太高的期望。市面上关于数字动画的书籍琳琅满目，但很多要么过于专业晦涩，要么过于浅显，很难真正解决实际问题。然而，这本书出乎意料地给了我一个巨大的惊喜。作者在深入浅出的讲解中，巧妙地融合了技术性与艺术性，让我看到了在家中实现动画梦想的可能性。 书中的内容组织非常有条理，从基础的软件选择和界面熟悉，到进阶的建模、纹理、灯光、渲染，再到最后的动画原理和后期合成，每一步都讲解得非常细致。我尤其欣赏作者对“运动规律”的阐述，这对于制作出自然流畅的动画至关重要。书中大量的插图和流程图，将抽象的概念具象化，让我能够轻松理解并模仿。 而且，这本书并没有仅仅停留在理论层面，而是提供了大量实用的技巧和工作流程。例如，关于如何优化模型以提高渲染效率，如何利用摄像机角度增强故事的叙事感，甚至是关于如何为角色赋予情感的细节处理，都让我受益匪浅。我印象深刻的是关于“时间轴”的讲解，原来控制动画的节奏和流畅度，关键就在于对时间轴的精准把握。 作者在书中分享的许多“行业秘密”和“创作诀窍”，更是让我觉得物超所值。他没有藏私，而是将一些在专业领域才能接触到的知识，用通俗易懂的方式呈现出来。这对于我们这些在家中摸索的爱好者来说，简直是无价的财富。这本书让我觉得自己不再是一个孤立的学习者，而是能够连接到更广阔的动画创作生态中。 我现在已经开始尝试书中的一些小练习，比如制作一个简单的跳跃动画，或者为一个静止的模型添加呼吸的动作。每一次的尝试，都让我对动画制作有了更深刻的理解，也让我对自己的创作能力有了更大的信心。这本书不仅仅是知识的传递，更是一种启发的源泉，它让我相信，只要肯努力，我的动画梦想一定能够实现。

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《Animation in the Home Digital Studio》这本书，绝对是我近几年来阅读过的最棒的技术类书籍之一。我一直对数字艺术和动画制作充满热情，但总是受限于技术和资源的不足，无法真正实现我的创作想法。这本书，就像一把钥匙，为我打开了通往数字动画世界的大门。 作者在讲解“色彩理论”的那一章，给我留下了深刻的印象。他不仅仅是简单地介绍了色彩搭配的原则，还深入地探讨了色彩在动画中如何影响观众的情绪和故事的氛围。他举了许多电影和游戏中的例子，让我深刻理解了“情绪的色彩”和“故事的色彩”是如何被巧妙运用的。 让我惊喜的是，这本书还包含了关于“动态图形”和“视觉特效”的介绍。我之前一直以为这些是专业领域才能触及的，但作者用非常易于理解的方式，向我们展示了如何在家庭数字工作室中实现一些基础的动态图形和视觉效果。例如，如何为文字添加动画，如何制作简单的粒子效果，这大大拓宽了我的创作思路。 而且，作者在书中分享的许多“效率技巧”和“工作流程优化”方法，都非常有价值。他并没有教我们最复杂的方法，而是教会我们如何用最简单、最高效的方式达到最好的效果。例如，关于如何组织项目文件，如何使用快捷键来提高操作速度，这些看似微不足道的细节，却能极大地提升我们的制作效率。 我现在已经能够熟练地运用书中介绍的一些技巧，来为我的动画作品添加一些动态图形元素，并尝试制作一些简单的视觉特效。每一次的进步，都让我对自己的创作能力有了更强的信心。这本书不仅仅是知识的传授，更是一种创作的赋能，它让我看到了无限的可能，也让我更加期待我的下一个动画作品。

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如果说之前我只是对动画制作“有点想法”，那么读完《Animation in the Home Digital Studio》之后，我简直是“燃起了熊熊烈火”！这本书以一种非常系统且深入的方式，为我揭示了数字动画制作的完整图景，让我从一个迷茫的门外汉，变成了一个充满信心的实践者。 作者在讲解3D建模的那几章，简直是我的“救世主”。我之前尝试过一些3D建模软件，但总是被那些复杂的参数和工具弄得晕头转向。这本书通过大量的图解和分步教程，将“从零开始”建模的过程描绘得清晰无比。我尤其欣赏作者对于“布线”的强调，原来一个良好的模型结构，对后续的动画制作有着如此重要的影响。 更让我印象深刻的是，书中对于“动画原理”的阐述。作者没有简单地罗列“十二法则”，而是通过生动的案例，演示了如何在实践中运用这些法则，让动画看起来更加生动、有活力。我过去总觉得动画人物的动作僵硬，现在我明白了，那是因为缺乏对物理规律和角色情感的理解。 这本书的实用性体现在各个方面。从角色 rigging 的技巧，到如何设置逼真的灯光和材质，再到如何进行有效的渲染和后期合成，作者都给予了非常详尽的指导。我之前一直以为渲染是件非常耗时且费力的事情，但通过书中介绍的优化技巧，我发现原来也可以在家庭电脑上高效完成。 我已经在我的电脑上安装了作者推荐的一些插件，并尝试着制作一个简单的角色行走循环。每一次的调整和优化，都让我对动画的细节处理有了更深的体会。这本书不仅仅是一本技术指南，更是一次心灵的启迪，它让我看到了在数字时代，创意和技术结合所能产生的无限能量。我相信，这本书将伴随我走上更远的动画创作之路。

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《Animation in the Home Digital Studio》这本书，简直就是为我量身定做的！我一直以来都梦想着能在家中制作自己的动画短片，但总是被各种复杂的技术和高昂的设备成本吓退。这本书的出现，彻底改变了我的看法。作者以一种非常平易近人的方式，将一个看似遥不可及的梦想，变成了触手可及的现实。 书中的内容覆盖面非常广，从最基础的二维动画到三维动画的制作流程，都进行了详细的介绍。我特别喜欢关于“故事板”绘制的那一部分，它强调了在开始制作之前，清晰的视觉规划是多么重要。作者还分享了许多关于角色设计的原则，如何让角色更具吸引力和辨识度，这些细节都让我受益匪浅。 让我惊喜的是，这本书不仅仅局限于软件操作，更深入地探讨了动画创作的核心理念。例如，关于“时间和空间”在动画中的运用，如何通过镜头语言来传达情绪，以及如何通过音效来增强动画的表现力，这些都让我对动画艺术有了更深的理解。我一直以为动画只是画面的堆叠，但这本书让我明白，它是一门融合了视觉、叙事、表演和技术的多媒体艺术。 作者在书中推荐的软件和硬件，也都是非常适合家庭用户的选择，价格合理且功能强大。他并没有一味地推崇最昂贵的设备，而是教会我们如何利用现有资源，最大化地发挥创作潜力。我之前一直纠结于选择哪款建模软件，这本书的详细对比和推荐，让我茅塞顿开。 现在，我已经迫不及待地想要开始我的第一个动画项目了。我打算先从一个简单的短故事开始，然后一步一步地运用书中所学到的知识，将我的想法变成现实。这本书的价值，不仅在于它教授的技术，更在于它激发了我无限的创作热情和自信心。我非常感激作者能将如此宝贵的知识分享给我们。

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《Animation in the Home Digital Studio》这本书，简直就是数字动画领域的“全能选手”。我一直对动画制作充满好奇，但总是被各种复杂的技术和晦涩的术语所困扰。这本书以一种非常清晰、系统的方式，为我揭示了数字动画制作的完整图景。 作者在讲解“场景构建”的那一章，给我留下了深刻的印象。他不仅仅是介绍了如何使用3D软件来创建场景，更深入地探讨了如何通过场景设计来烘托气氛、推动故事发展。他举了许多电影和游戏中的例子，让我深刻理解了“环境叙事”的力量，以及如何通过场景的细节来传达角色的情感和故事的背景。 让我惊喜的是，这本书还涉及了“360度全景动画”和“延时摄影动画”的制作。作者简要介绍了这些新兴的动画形式，以及如何利用现有的技术和设备来实现。这大大拓宽了我的创作视野，让我看到了动画不仅仅是传统的二维或三维形式，还可以是更具沉浸感的体验。 而且，作者在书中分享的许多“项目管理”和“团队协作”的建议，都非常有价值。他鼓励我们即使是个人创作，也要有良好的项目规划和时间管理意识，并分享了许多有效的协作工具和方法。这对于我们这些在家中独立创作的爱好者来说，能够极大地提高我们的效率和质量。 我现在已经能够运用书中介绍的知识，来构建更具氛围感的场景，并尝试制作一些360度全景动画。每一次的创作，都让我感到无比的兴奋和满足。这本书不仅仅是传授技术，更是一种创作的启迪，它让我看到了数字动画艺术的无限魅力，也让我更加期待我的下一个动画作品。

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我真的必须夸赞一下《Animation in the Home Digital Studio》这本书。在我刚接触数字动画的时候，市面上充斥着各种各样零散的教程和信息，让我感到无从下手。而这本书，就像一盏明灯，为我指明了方向，并提供了一个清晰、完整的学习路径。 作者在介绍“灯光”这一部分的时候，简直是我的“启蒙老师”。我之前一直以为灯光只是简单地打亮场景，但这本书让我明白，灯光是塑造氛围、引导观众视线、烘托情绪的关键。他详细介绍了不同类型的灯光，以及它们在动画制作中的运用，例如如何使用三点布光来突出角色，如何利用全局光照来营造真实感。 我最喜欢的是书中关于“镜头语言”的讲解。作者通过大量的实例，展示了不同的镜头角度和运动方式如何影响观众的情感体验。他解释了为什么特写镜头能增加亲密感，为什么广角镜头能展现宏大场景，以及为什么推拉镜头能制造紧张感。这些知识对于提升动画的叙事能力至关重要。 而且，这本书非常注重实践。几乎每一章都会有一些小练习或项目，让我们能够立刻将学到的知识应用到实践中。我尤其喜欢关于“角色动画”的练习，它让我尝试着去理解角色的骨骼结构，并赋予它们自然的运动。我过去觉得制作出流畅的角色动画非常困难，但这本书的指导让我看到了突破。 我现在已经能够自信地为我的角色添加一些基础的动作，比如行走、跑步、跳跃。每一次的成功，都让我感到无比的成就感。这本书不仅教会了我技术，更重要的是，它让我相信，只要有足够的耐心和练习，任何人都能在家中制作出令人惊叹的动画作品。

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