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出版者:人民邮电出版社

作者:王子江

出品人:

页数:151

译者:寒武纪

出版时间:2014-2

价格:49.80

装帧:平装

isbn号码:9787115326263

丛书系列:

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瀚海拾贝：中国传统艺术的广阔天地 本书并非探究笔墨精微、勾勒皴擦之道的技法指南，而是旨在为读者构建一个宏大而详实的中国传统艺术图景。它如同一次精神的远足，带领读者跨越水墨的特定范畴，深入考察这一艺术形态赖以生存和发展的文化土壤、历史脉络及其与其他艺术门类的复杂互动关系。 本书的结构围绕“脉络、载体、精神与演变”四大核心板块展开，力求展现中国艺术之博大精深。 --- 第一部分：历史的洪流——中国艺术的千年溯源 本部分摒弃专注于某一画科的细节论述，转而考察中国艺术自史前至近代的整体发展轨迹。我们关注的是时代精神如何塑造艺术面貌，而非具体某位画家的笔墨转换。 一、史前遗存与青铜的礼乐精神： 开篇追溯至陶器上的几何纹饰和殷商周鼎彝上的饕餮与云雷纹。此处探讨的重点并非如何描摹这些纹饰，而是这些图案所承载的原始信仰、社会等级秩序和早期国家权力的象征意义。我们深入分析了青铜器铸造工艺背后的“失蜡法”等技术原理，以及礼器制度如何成为早期艺术的最高准则。 二、秦汉的雄浑与魏晋的蜕变： 本章聚焦于艺术如何从服务于政治和宗教的工具，逐步走向对个体精神的初步表达。秦代的画像砖和汉代的画像石是关键载体。我们详细描绘了汉代铺陈叙事的画面结构、对“气势”的追求，以及壁画中展现的历史故事的结构化叙事方式。随后的魏晋风度，则被置于玄学思潮下考察。探讨石窟造像（如云冈、龙门）中犍陀罗风格与本土审美的融合，以及“顾恺之的传神论”如何超越形似，指向对主体精神的捕捉。 三、唐宋：盛世气象与文人精神的崛起： 唐代是多元艺术交融的巅峰。本章重点分析了长安城的城市规划（城市几何布局与功能划分），以及佛教艺术（如敦煌莫高窟的壁画）在不同时期（如初唐的丰满、盛唐的博大、晚唐的清瘦）所体现的时代审美变迁。 宋代，艺术史观发生重要转折。我们详细阐述了宋代美学如何与理学思潮相伴而生。重点研究了宋代瓷器（汝、官、哥、定、钧）的釉色成就，分析其“天人合一”的哲学意蕴如何体现在对材质与温度的极致控制上。同时，对于“院体画”的写实精神和“文人画”的兴起，我们将其视为精英阶层对社会规范的反思与个体抒发的两种路径。 四、元明清：技法与文脉的再确认： 元代，文人艺术彻底确立，不再需要依附于宫廷或庙堂。本章侧重于考察“四王”的师承关系，探讨“笔墨当随时代”的论断在特定历史阶段如何被“复古”思潮所挑战和重新诠释。明清的程式化，则通过对版画、戏曲服饰和家具工艺的考察来体现——这些工艺美术如何将文人化的审美趣味普及化，渗透到日常生活结构之中。 --- 第二部分：跨界的对话——其他艺术门类的支撑视角 传统水墨的完成，离不开支撑其发展的其他艺术实践。本部分将视角从画面转移到“器物”与“空间”。 一、陶瓷的造型语言与釉彩哲学： 陶瓷艺术被视为中国造型艺术的集大成者。本章详细梳理了从几何形到具象化的演变，重点剖析了青花、粉彩、珐琅彩的色彩构成原理及其在不同历史阶段的流行动机。我们探讨了对“完美曲线”的追求，这种追求与绘画中对“笔势”的推崇，在本质上是相通的。 二、园林的空间叙事与哲学渗透： 中国古典园林（特别是苏州园林）是三维的、流动的艺术作品。本书不再讨论如何叠石理水，而是聚焦于“借景”、“对景”的视觉手法在空间布局中的应用。分析了曲径通幽、移步换景的体验，是如何模拟了文人阅读山水画时的“游目骋怀”的心灵过程。园林的建筑结构、楹联匾额的文学性，共同构成了对传统士大夫生活哲学的立体诠释。 三、书法：线条的本质与结构的力量： 书法被视为中国艺术的“第一艺术”。本章深入探讨了篆、隶、楷、行、草的结构美学。我们分析了笔画的提按顿挫如何转化为对“力度”和“节奏”的控制，这种对线条纯粹性的极致探索，为水墨的皴法和用笔提供了最直接的语言基础。重点讨论了“意临”和“心摹”在书法和绘画中的共通性。 四、戏曲与音乐：时间艺术中的意境营造： 戏曲（如昆曲）和古琴音乐，是时间维度上的艺术。本章考察了它们如何通过虚拟的程式化动作（水袖、亮相）和特定的旋律结构（宫调、板式），来营造抽象的情感氛围和叙事意境。这种对“虚实相生”和“留白”的运用，与绘画中的留白手法在艺术思维上是同构的。 --- 第三部分：士人精神与审美范式 本部分是全书的理论核心，旨在揭示中国艺术之所以区别于其他画种的深层文化基因。 一、儒释道的熔炉： 考察了中国传统艺术思想如何受到“三教”的深刻影响。儒家对“中和”与“秩序”的强调，塑造了艺术对“法度”的尊重；道家对“自然无为”的推崇，促成了对“气韵生动”的追求，以及对山川草木的拟人化表现；佛家的“空”与“因果”，则深刻影响了静物描绘和禅宗山水的意境构建。 二、从“形似”到“神似”的认知革命： 详述了中国艺术批评体系的形成过程，特别是对“六法”的解读。重点分析“气韵生动”如何从一个模糊的赞美词，逐渐演变为一个评价艺术家生命状态和学识修养的标尺。这种对“内涵”高于“表象”的价值判断，是理解中国艺术的关键。 三、文人的日常生活与艺术的生成： 探讨了“四艺”（琴棋书画）对士大夫阶层的塑造作用。书房的陈设、文玩的收藏（如印章、扇面、册页），以及对高雅饮茶、插花的推崇，共同构建了一个将艺术融入生活、以艺术实践来修身养性的生活方式。艺术不再是单纯的“创作”，而是“生活状态的审美凝练”。 --- 第四部分：近代转型的阵痛与未来视野 最后，本书将目光投向近现代，审视传统艺术如何应对西方艺术的冲击，并探讨其当代价值。 一、西风东渐的冲击与应对： 分析了自晚清以来，中国艺术界面临的挑战：焦点透视法、明暗关系、油画媒介的引入。考察了林风眠、徐悲鸿等人“中西融合”的探索路径，及其对传统笔墨语言的革新意图。探讨了“学院派”教育模式对传统师徒制教学体系的颠覆与影响。 二、传统艺术的“再发现”与当代语境： 关注当代艺术家如何从传统艺术中汲取营养，但不再拘泥于传统的题材和形式。分析了抽象表现主义、极简主义等西方思潮与中国传统哲学意象（如黑白、虚实）的不期而遇。 三、艺术遗产的保护与数字化： 探讨了文物保护技术（如壁画修复、古籍装帧维护）如何确保传统艺术的物质载体得以延续，以及当代技术如何帮助我们以更精确、更直观的方式研究和传播这些复杂的艺术遗产。 结语： 全书在结尾处总结，中国传统艺术是一个由哲学、历史、生活方式和物质技术共同编织的巨大网络。水墨画是其中一根强劲的经线，但要真正理解其价值，必须将它置于整个艺术星空之下，方能领略其全貌的璀璨与深远。

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这本书让我最大的收获在于它对“意境”的解读。传统的水墨画，不仅仅是技法的展现，更重要的是通过笔墨的挥洒来表达作者的情感和对自然的感悟。这本书并没有回避这个看似虚无缥缈的概念，而是通过分析大量的经典作品，比如山水画中的留白如何营造空灵之感，花鸟画中的寥寥数笔如何传达生机勃勃，来帮助读者理解“意境”的形成。我尝试着模仿画中的某些构图和用墨方式，虽然技术上还有很大差距，但隐约能感受到那种“韵味”了。

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我特别喜欢这本书的排版方式，它将基础的笔触练习、墨色的运用、构图的原理等内容，用非常清晰的图示和简洁的文字进行讲解。不像我之前看过的某些教程，上来就抛出一堆理论，让人望而却步。这本书就像一个循循善诱的老师，先是告诉你如何握笔，然后一步一步教你画出最简单的线条，再到墨点的变化，最后是如何将这些元素组合成一幅完整的画面。每一个步骤都拆解得非常细致，即使是零基础的人也能看得懂，并且能够立刻尝试。

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作为一个对色彩非常敏感的人，我本来以为水墨画会让我觉得单调，但这本书彻底改变了我的看法。作者深入浅出地讲解了墨的“五彩”，也就是焦、浓、重、淡、清这几种墨色的变化，以及如何在同一张纸上巧妙地运用它们来达到丰富的色彩效果。我特别喜欢书中关于“积墨”和“破墨”的讲解，这些技巧能够让画面产生独特的层次感和肌理感，非常生动。我跟着书上的示范，尝试用不同的水分和墨量来画同一片叶子，观察它们呈现出来的不同质感，感觉非常奇妙。

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书中关于“留白”的讲解，给我留下了非常深刻的印象。一直以来，我都觉得留白是水墨画的精髓，但却不知道如何运用。这本书通过大量的实例，展示了留白在画面中所起到的重要作用，比如营造空间感、突出主体、引导视线，甚至表达情感。我尝试着在画山水时，故意留出大片的空白，用来表现云雾缭绕或水面的浩渺，感觉画面瞬间就有了呼吸感。

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我原本以为这本书会充斥着大量的“大师范例”，而缺乏适合初学者的指导。然而，事实恰恰相反。这本书非常务实，它提供的范例和讲解，都是从最基础的元素出发，比如如何画一根竹叶，如何画一滴水。作者并没有一开始就要求我们画出惊世骇俗的作品，而是鼓励我们从模仿和练习开始，打下坚实的基础。这种“脚踏实地”的教学方式，让我感到非常安心和有信心。

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这本书的讲解逻辑性非常强，循序渐进，让人完全不会有学习上的压力。它首先从最基础的笔墨练习开始，比如如何画出枯笔、湿笔、侧锋等，这些都是水墨画的“基本功”。我发现，即使是看似简单的线条，在书里也有非常详细的讲解，包括运笔的速度、力量的轻重、角度的变化等等。当我真正按照书中的指导去练习时，才发现这些看似微小的细节，对于最终画面效果的影响是巨大的。

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我真心觉得这本书对于想学习水墨画的人来说，是一份非常宝贵的财富。它不仅仅是一本技术指南，更是一扇通往中国传统艺术殿堂的窗口。我把它当作我学习水墨画的“启蒙导师”，书中传达的不仅仅是绘画技巧，更是一种对美的追求，一种对生活的热爱。我将会继续反复研读这本书，并且勤加练习，希望有一天也能用自己的笔，画出属于自己的那份水墨意境。

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这本书最大的特色之一在于它对中国传统文化背景的融入。作者在讲解绘画技巧的同时，还会穿插一些关于诗词、哲学、书法等方面的知识，帮助读者理解水墨画的深层含义。例如，在讲到山水画时，会引用一些古代诗人的词句来描述山水的壮丽或静谧，这使得学习过程更加有趣和有文化底蕴。我感觉这不仅仅是在学习绘画，更是在体验一种东方美学的生活方式。

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我非常赞赏这本书在理论与实践相结合方面所做的努力。它不仅提供了详实的理论知识，更重要的是，提供了大量的范例和练习。书中的范例作品，从简单的花鸟虫鱼到复杂的山水景致，都经过精心挑选，并且配有详细的作画步骤图。我喜欢在练习前先仔细研究范例，然后对照着书中的步骤，一步步模仿。即使是初学者，通过这样的练习，也能逐渐掌握水墨画的基本笔法和构图方式。

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这本书的封面设计就深深吸引了我，那种淡淡的水墨晕染，仿佛能闻到纸张的墨香，瞬间勾起了我对中国传统艺术的向往。我一直以来都对水墨画抱有浓厚的好奇心，但又觉得它深奥难懂，不知从何下手。当我拿到这本书时，第一感觉是它非常有分量，不仅仅是页数多，更是内容上的充实感。翻开扉页，扑面而来的就是作者的序言，字里行间流露出对水墨画的热爱以及希望将这份美好传承下去的愿望，这让我倍感亲切。

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