具体描述
《日本人气漫画师的新漫画课堂:漫画脚本创作与人物设定的技法》对漫画创作的整个流程进行了详细地介绍。从人物角色的设定,到故事脚本的构思,再到最终漫画的成型,详细解说了漫画创作的各个阶段,手把手地教给您如何从零开始制作完一部完整的漫画。图书最后还提供了一份超短篇漫画的样本,供您参考和学习。图书开篇还收录两位日本当今漫画名家畑健二郎(《旋风管家》)与中山星香(《花冠龙之国》)的专题采访,让您零距离的接触到日本一线漫画家,了解最新的漫画趋势和漫画时尚,激发您的绘画潜力,让您的漫画绘画水品瞬间提升。
作者简介
目录信息
漫画家访谈2?采访中山星香女士 漫画制作全流程 12
专栏 漫画的绘画技巧并没有一定的规则可循 18
学习素描技巧 19
1-1?面部的画法 20
面部的画法·女孩 20
面部的画法·男孩 21
不同角度的面部画法① 22
不同角度的面部画法② 23
利用表情表达感情·喜悦、愤怒 24
利用表情表达感情·悲伤、惊讶 25
1-2?全身的画法 26
全身的画法·女孩 26
全身的画法·男孩 27
各个角度的全身画法·俯视 28
各个角度的全身画法·仰视 29
各种姿势的画法·跑步、坐姿、转身、跳跃 30
各种姿势的画法·弯腰、盘腿、踢腿、转身 31
1-3?角色的画法 32
男主角的画法·学院派 32
女主角的画法·学院派 33
男主角的画法·冒险派 34
女主角的画法·冒险派 35
男主角的画法·奇幻派 36
女主角的画法·奇幻派 37
配角的画法(少女角色、儿童角色、学长角色) 38
配角的画法(机器人、敌人、宠物) 39
1-4?背景与效果线的画法 40
使用透视画法呈现背景的立体感 40
尝试透视画法 41
建筑物的内部和外观·车站 42
建筑物的内部和外观·学校 43
建筑物的内部和外观·房屋与城市 44
自然景色·山与海 45
利用效果线提升紧迫感 46
漫画绘制工具 48
尝试创作漫画① ?故事构思 55
2-1?故事的构成 56
构成模式①?从开场到尾声 56
构成模式②?幕 57
构思故事的方法·演绎法和归纳法 57
2-2?提炼想法 58
从想画的故事开始画起 58
2-3?确定主题 60
给故事一条主线 60
2-4?考虑角色设定 62
何谓有魅力的角色? 62
2-5?编写剧情 64
编创剧情 64
“5W1H”都具备吗? 65
以主人公的视点描写 65
2-6?构思草图的画法 68
构思草图决定作品的完成度 68
分格技巧①决胜的关键在第一个场景 72
分格技巧②利用对开页构成 73
分格技巧③缺乏张弛的分格很难读懂 74
分格技巧④进度把控不好的分格很难读懂 75
…………
…………
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
**这本漫画创作指南的视角简直太棒了,完全抓住了新手的心态!** 我一直对日系漫画那种细腻的情感表达和流畅的叙事方式心生向往,但苦于不知道如何将脑海中的奇思妙想转化为实际的画面和故事。市面上很多教程都过于理论化,动不动就扯什么“三幕剧结构”、“英雄之旅”的宏大叙事,看得人云里雾里。这本书的切入点就非常接地气,它似乎懂得,对于我们这些刚起步的爱好者来说,最难的就是“如何开始”和“如何让角色活起来”。我特别欣赏作者在讲解基础概念时所采用的类比方式,那种感觉就像是身边有一位经验丰富的前辈,耐心地手把手地领着你,而不是居高临下地灌输知识。它没有直接给我一堆需要背诵的公式,而是引导我去观察生活中的人与事,去思考“为什么这个角色会这么做”,而不是仅仅停留在“他应该这么做”的表面。这种由内而外的创作思维训练,比单纯模仿别人的画风要有价值得多。尤其是在处理角色动机的微妙层次感上,书中给出的建议非常实用,它让我开始意识到,一个引人入胜的故事,往往源于角色内心最深处的挣扎与渴望,而不是靠华丽的特效或紧张的打斗场面来堆砌。
**这本书的编排结构非常注重实战演练后的即时反馈和反思。** 它不像传统教材那样,讲解完一个理论点就直接跳到下一个,而是巧妙地穿插了大量“自查清单”和“常见错误诊断”。例如,在讲述如何设计冲突点之后,它会立刻提供一个列表,让你对照检查自己的情节是否无意中制造了“都合主义”的漏洞。这种“边学边查漏补缺”的互动模式,大大提升了学习效率。我发现自己不再是单纯地被动接收信息,而是被迫主动思考:“如果我用作者讲的这个技巧来处理我正在构思的那个情节,结果会怎样?” 这种持续性的内部对话,让知识点真正内化成了自己的技能。此外,书中对不同题材(如奇幻、日常、科幻)在脚本侧重点上的细微差异分析,也让我受益匪浅。它没有试图用一套万能公式去套用所有故事,而是尊重了题材自身的叙事惯性。总而言之,这本书提供的是一种创作哲学,而非死板的步骤指南,它教会我如何独立思考,如何不断打磨自己的创作直觉。
**如果说这是一份关于如何构建视觉叙事的深度解析手册,我绝对会毫不犹豫地推荐给所有对分镜有困惑的朋友。** 很多时候,我们画了很棒的单张插画,但一旦要串联起来讲故事,画面就变得生硬、跳跃,仿佛PPT在播放。这本书在解析如何运用镜头语言和节奏把控方面,展现出了惊人的洞察力。它没有使用晦涩的电影术语,而是直接展示了日漫中那些经典场景是如何通过景别变化、视线引导和时间凝固来实现情绪渲染的。我尤其喜欢其中关于“留白”和“信息密度控制”的讨论,这简直是醍醐灌顶!它教会我,有时候“不画”比“画满”更有力量,如何巧妙地利用画面边缘的空白区域来暗示角色的内心世界,如何通过相邻画格之间的对比来增强戏剧张力。这种对阅读体验的细腻打磨,是很多国内教程中缺失的一环。它不仅仅是教你“怎么画”,更重要的是教你“怎么让读者看懂,并且被你牵着鼻子走”,这才是叙事艺术的精髓所在。读完后,我回头再看自己之前的一些草稿,立刻就能发现之前在节奏处理上存在的重大问题,这感觉太奇妙了。
**我必须承认,我购买这本书的初衷其实是对日漫美学中那种独特的“氛围感”着迷。** 那些阴郁的街道、被光线穿透的窗帘,或是雨夜中霓虹灯的倒影,总能瞬间抓住我的灵魂。我原本以为这本书会着重讲解光影和材质的复杂绘制技巧,但出乎意料的是,它将重点放在了“设定如何影响氛围的建立”。作者似乎在强调,氛围感不是靠后期滤镜堆出来的,而是由故事本身的基础设定所决定的。例如,一个角色所处的地理环境、他的经济状况、甚至他常去的小店的陈设,都必须与他想表达的情绪是统一的、互为印证的。书中通过几个不同风格的漫画案例对比,清晰地展示了如何通过对环境元素的筛选和强调,来烘托出孤独、喧嚣或温馨的主题。这种从宏观世界观到微观道具选择的层层递进的讲解方式,极大地拓宽了我的创作思路。它让我明白,一个好的漫画家,首先必须是一个敏锐的“世界构建师”,而不是仅仅是一个“画匠”。这本书帮我建立起了一个更扎实、更具逻辑性的创作框架。
**对于我们这些常年深陷于“人设僵硬”泥潭的创作者来说,这本书简直就是一剂强心针。** 很多时候,我能设计出漂亮的角色外观,但一旦进入实际情节,他们就自动变成了只会说教或只会抱怨的空壳。这本书中关于人物“缺陷与成长弧线”的探讨,简直是教科书级别的深度。它没有泛泛而谈地说“角色需要有缺点”,而是深入剖析了不同类型的核心恐惧是如何驱动角色的行动,并最终导致他们在故事中做出“非理性但符合其性格逻辑”的选择。我尤其欣赏作者对于“人物的怪癖”是如何体现其内在世界的讲解。那些看似微不足道的小习惯——比如摸鼻子的频率、对特定食物的执着、甚至是走路的姿势——都被提升到了揭示角色深层心理状态的高度。这让我开始重新审视我笔下的每一个配角,不再把他们当做推动主角前进的工具人,而是真正将他们视为拥有独立生命和复杂内心的个体。这种对人性复杂性的尊重和挖掘,是这本书最宝贵的财富。
书中所写的三分之一内容不适用于国内漫画业内环境,三分之二都在讲特别基础的网上随处可见的技法,性价比不高的一本书
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