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出版者:Independent Pub Group

作者:Kiryanova, Elena/ Kiryanov, Dmitry

出品人:

页数:454

译者:

出版时间:

价格:39.95

装帧:Pap

isbn号码:9781931769624

丛书系列:

图书标签:

• Adobe Premiere Pro
• Adobe After Effects
• 视频编辑
• 视频制作
• 数字电影
• 电影制作
• 后期制作
• 视频特效
• Adobe
• 影视制作

电影制作的无限可能：从概念到屏幕的完整指南 想象一下，那些在屏幕上闪耀的精彩故事，它们是如何从一个模糊的念头，一步步蜕变成触动人心的影像的？本书将带您深入电影制作的每一个关键环节，揭示从创意萌芽到最终成片的全过程。无论您是怀揣电影梦想的初学者，还是希望提升技艺的业余爱好者，这里都将是您开启影像创作之旅的最佳起点。 第一部分：孕育灵感，构建世界 故事为王：创意从何而来？ 构思与概念提炼： 探索不同寻常的故事灵感来源，学习如何将零散的想法转化为引人入胜的故事线。我们将讨论如何挖掘生活中的细节，观察社会现象，或从经典文学、神话传说中汲取养分，为您的电影打下坚实的情感和叙事基础。 角色塑造与深度挖掘： 一个鲜活的角色是故事的灵魂。您将学习如何构建具有复杂情感、清晰动机和独特个性的角色，让他们在银幕上栩栩如生，与观众产生共鸣。我们将探讨人物弧光的设计，以及如何通过对话、行动和内心独白来展现角色的成长与转变。 世界观设定与场景设计： 无论您创作的是现实题材还是奇幻史诗，一个可信的世界观都至关重要。本书将指导您如何构建一个逻辑自洽、细节丰富的虚构世界，包括其历史、文化、地理环境和社会结构。同时，我们将关注如何通过场景的设计来烘托氛围，暗示剧情，并为角色提供一个行动的舞台。 剧本创作：将故事搬上纸面 剧本结构与编排： 了解经典的电影剧本结构，如三幕式结构，并学习如何运用情节转折、冲突设置和节奏控制来保持观众的兴趣。我们将探讨如何巧妙地铺陈线索，设置悬念，并在关键时刻给予观众惊喜。 场景描写与对话艺术： 如何用简洁而富有画面感的语言描绘场景？如何写出自然、生动且富有深意的对话？本书将提供实用的技巧，帮助您将视觉元素和人物情感有效地融入到文字中，使剧本具有强大的可读性和影像化潜力。 不同类型剧本的特点： 探讨喜剧、剧情、惊悚、科幻等不同电影类型的剧本写作要点，帮助您根据自己的故事类型选择最合适的表达方式。 第二部分：视觉呈现，构建影像 拍摄前的准备：让计划落地 分镜头脚本（Storyboard）绘制： 将剧本中的文字转化为可视化的画面。学习如何绘制简单却有效的分镜头脚本，以规划镜头语言、构图、景别和运动，从而在拍摄现场高效沟通，避免返工。 拍摄计划制定： 详细的拍摄计划是确保项目顺利进行的关键。您将学习如何制定日拍摄表，分配资源，规划转场，并预估可能遇到的问题，做好风险规避。 场景勘查与美术设计： 如何选择合适的拍摄地点？如何通过布景、道具和服装来构建电影的视觉风格？我们将探讨美术设计在传达信息、塑造氛围和深化主题方面的作用。 镜头语言的艺术：捕捉画面之美 构图原则与景别运用： 学习黄金分割、三分法等构图技巧，以及全景、中景、特写等不同景别如何影响观众的视觉感受和信息传递。 镜头运动的叙事功能： 推、拉、摇、移、跟、升降等镜头运动并非随机，它们可以引导观众视线，营造节奏，突出重点，甚至表达人物情绪。我们将深入解析各种镜头运动的叙事含义。 光影的魔法： 光影是电影的灵魂。本书将引导您理解自然光和人工光的运用，学习如何通过打光来塑造人物立体感，营造场景氛围，突出戏剧张力，甚至直接传达情感。 第三部分：后期制作，赋予生命 剪辑的魔法：重塑时间和空间 剪辑基础理论： 了解不同剪辑技巧（如跳切、交叉剪辑、蒙太奇）的意义和作用，学习如何通过剪辑的节奏和流畅度来掌控电影的叙事步调和情感张力。 时间线的运用与故事线梳理： 如何在非线性编辑软件中高效组织素材，将零散的镜头片段组合成连贯的故事？我们将教授如何通过精密的剪辑来构建时间感，塑造人物关系，并最终呈现出符合导演意图的影像。 声音设计的魅力： 声音是电影不可分割的一部分。本书将涵盖对白剪辑、音效设计、背景音乐（BGM）选择与配乐的原理，以及如何通过声音的运用增强画面的感染力，填补视觉的空白，并引导观众的情感体验。 调色与视效：锦上添花 色彩的语言： 学习如何通过色彩校正和风格化调色来统一影片的视觉风格，营造特定的情绪氛围，甚至暗示人物的内心状态。 基础视效的运用： 了解如何为您的影片添加必要的视觉效果，如绿幕抠像、简单的CG元素合成等，以增强画面的表现力，实现创意构想。 第四部分：完善与分享，走向观众 音频后期处理：让声音更完美 混音的艺术： 学习如何平衡对白、音效和音乐的比例，确保声音清晰、饱满且富有层次感。 噪音处理与声音修复： 如何消除拍摄过程中产生的杂音，修复有损的声音，让观众能够沉浸在纯净的听觉体验中。 输出与发布：让作品被看见 不同格式的导出： 了解不同平台和播放设备对视频格式的要求，学习如何选择合适的编码参数进行导出。 传播与推广： 探讨如何将您的作品呈现在线上平台、电影节，甚至与观众进行互动，让您的电影创作获得应有的关注。 本书旨在为您提供一套系统而全面的电影制作知识体系，引导您在实践中不断学习和成长。从最初的创意火花，到最终在屏幕上闪耀的成品，我们相信，您也能创造出属于自己的精彩故事。

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阅读这本书的过程，体验就像是坐在一个装修豪华但食物味道平平的餐厅里。装帧精美，插图清晰，每一页的排版都赏心悦目，这确实提升了阅读的舒适度。然而，一旦深入文本内容，那种“高阶技巧缺失”的失落感便愈发强烈。我本以为它会深入探讨如何利用代理文件（Proxy Workflow）来优化处理高码率的4K或8K素材，尤其是在低配置机器上的性能优化，这在当前的环境下是至关重要的生存技能。结果，它只是建议“如果你电脑慢，就降低播放分辨率”，这种建议对于任何一个使用过视频编辑软件的人来说，无异于常识。我渴望看到的是关于渲染优化、GPU加速的深度解析，或者至少是对不同渲染引擎（如CUDA vs. OpenCL）性能差异的客观对比分析。这本书在技术深度上的追求明显不足，更侧重于普及层面的介绍，对于想要精进技艺的同行来说，这本“工具书”更像是一份“功能目录”。它没有提供任何可以让我技术栈提升的“秘密武器”。

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我对本书在处理“新兴技术整合”上的保守态度感到非常失望。在数字媒体飞速迭代的今天，任何一本专业的指南都应该与时俱进，讨论如何将最新的技术融入工作流程。这本书似乎对AR/VR视频、360度全景内容的后期处理，以及AI辅助剪辑工具的发展趋势持有一种回避的态度。例如，关于LUT（查找表）的应用，它仅停留在如何应用预设的.cube文件，却没有探讨如何使用色彩科学的原理，根据原始素材的特性，定制独一无二的、具有品牌风格的色彩系统。这种滞后性让这本书的参考价值大打折扣，因为它无法帮助读者为未来的工作做好准备。读完它，我感觉自己像是掌握了一套昨天才过时的技能包，而不是一套能够应对明天挑战的强大工具。真正有价值的书籍，应该能够预见行业的发展方向，并提前为读者铺设好通往前沿的道路，而这本书显然未能做到这一点，其内容更新的步伐明显落后于行业的主流发展速度。

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这本书在“创意指导”方面的探讨，也显得力不从心。视频制作的魅力，除了技术，更多在于如何讲一个引人入胜的故事，如何通过镜头语言来引导观众的情绪。这本书在这方面投入的篇幅少得可怜，几乎可以忽略不计。它假设读者已经拥有了扎实的故事构思能力，而我们的任务仅仅是把“片段”缝合在一起。比如，关于如何运用景深（Depth of Field）来突出主体，书中仅仅提到了“调整光圈大小”，却从未深入讨论如何结合焦距选择和相机运动来创造出特定的情绪氛围，例如，用浅景深来营造私密感，或者用深景深来展现宏大的空间感。此外，对于声音设计中“非真实感音效”的创造性运用，书中也避而不谈。一个真正好的视频制作指南，理应是技术与艺术的完美融合，而这本书更偏向于一个纯粹的“软件操作手册”，缺少了那种能激发创作者灵感的火花，让人在合上书本后，感觉只是学会了一些操作，却并未真正提升自己的“视觉说话能力”。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种深邃的蓝色调配上充满科技感的字体，让人一眼就能感受到它蕴含的数字媒体制作的能量。然而，当我翻开内页，试图寻找那些关于现代视频制作流程的深度解析时，却发现内容似乎停留在了一个相对基础的层面上。它花了大量篇幅去介绍一些非常基础的软件操作，比如如何导入素材、进行简单的剪辑标记，这对于我这种已经有些年头的视频爱好者来说，显得有些冗余和拖沓。我期待的是能深入探讨色彩分级的高级技巧，或是关于H.265编码效率的最新优化策略，但这些干货几乎没有触及。更让我感到遗憾的是，书中对当前流行的动态图形模板（Motion Graphics Templates）的应用和定制化讲解非常肤浅，仅仅停留在“如何拖拽”的层面，缺乏那种能让人举一反三、创造出专业级别视觉效果的思维导图。总的来说，这本书更像是一本面向完全零基础新手的“入门向导”，而非一本能指导进阶创作者突破瓶颈的“技术手册”。如果你已经熟练掌握了基础剪辑软件的界面和基本功能，那么这本书里能给你带来的“Aha! Moment”恐怕会非常稀少。我希望看到更多关于叙事节奏的构建，而不是仅仅停留在技术功能的罗列上。

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这本书的结构安排，坦白说，让我感到有些混乱和跳跃。它似乎想面面俱到地涵盖所有视频制作的环节，从前期策划到后期混音，但每块内容的深度都明显不足，像是在一张巨大的画布上点缀了无数个小小的色点，却始终没有形成一幅完整的油画。例如，在讨论音频处理的部分，它提到了降噪和均衡器（EQ）的使用，但对于如何根据不同场景（如户外采访与室内对白）调整混响参数，以及如何利用侧链压缩（Sidechain Compression）来提升音乐和人声的清晰度，却一带而过，完全没有提供实用的案例对比。我真正想知道的是，在复杂的项目里，专业人士是如何平衡视觉冲击力和听觉体验的，这本书里更多的是对软件按钮的指引，而不是对创作哲学的探讨。当我翻到关于项目管理的部分时，它建议使用简单的文件夹命名规则，这在项目规模扩大后几乎是不可行的。我需要的是跨平台协作的最佳实践，云端存储的同步策略，以及如何有效地进行版本控制，这些在书里完全缺失，这使得这本书的实用价值大打折扣，显得有些脱离了现代高效的影视制作环境。

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