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出版者:Distributed Art Pub Inc

作者:Bourgeois, Louise/ Gorovoy, Jerry/ Asbaghi, Pandora Tabatabai

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:

价格:425.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9788887029048

丛书系列:

图书标签:

• louise
• cult
• bourgeois
• 雕塑
• 装置艺术
• 女性主义艺术
• 现代艺术
• 当代艺术
• 心理分析
• 自传
• 艺术史
• 女性艺术家
• 抽象艺术

《无形之手：雕塑、记忆与身体的辩证》 在这部关于雕塑的著作中，我们将深入探索艺术家如何以物质为媒介，触碰并重塑我们对现实、记忆以及内在情感的感知。本书并非聚焦于某一位特定艺术家的创作历程，而是将目光投向一种更为广阔的艺术实践，一种通过形态、尺度、材质以及空间关系，来揭示隐藏在日常之下的复杂肌理的艺术。 我们将从雕塑的物质性出发，审视不同的材料——从坚硬的青铜、冰冷的钢铁，到柔软的纺织品、易碎的玻璃——如何承载艺术家的意图，并赋予作品独特的触感与生命力。每一块石头、每一根线条，都可能蕴含着一段被凝固的时间，一次被具象化的思绪。本书将分析艺术家如何巧妙地运用材料的固有属性，来引发观者的共鸣，或是挑战他们既有的认知。例如，那些粗糙的表面如何诉说着岁月的痕迹，而光滑的质感又如何传递出一种疏离感或纯净感。 随后，我们将转向雕塑与记忆之间的微妙联系。艺术品常常成为承载和唤醒集体与个人记忆的容器。本书将探讨雕塑如何通过象征、隐喻或直接的叙事，将逝去的时光、遗忘的事件，或是模糊的童年印记，以一种可视化的方式呈现出来。我们将考察艺术家如何从历史事件、神话传说，甚至是个人的生活经历中汲取灵感，并将这些无形的情感和记忆，通过雕塑的形态转化为可见的存在。这不仅仅是对过去的回溯，更是对当下存在的深刻反思。 身体，作为我们感知世界和表达自我的最直接载体，在雕塑艺术中占据着至关重要的地位。本书将深入研究艺术家如何处理身体的形象，无论是以写实的方式，还是以抽象的变形，亦或是肢解的碎片。我们将探讨雕塑如何触及身体的脆弱性、力量感、欲望以及存在的限制。从描绘人体比例的经典之作，到挑战传统身体观念的现代探索，雕塑为我们提供了一个审视自身肉体存在、社会身份以及性别角色的独特视角。本书将分析作品如何通过对身体的描摹，来引发我们对自身存在状态的思考，以及对社会文化中关于身体的规范和期待的质疑。 “辩证”一词贯穿全书，强调了雕塑创作并非单一的线性过程，而是一种多重张力下的动态平衡。艺术家在材料与观念、现实与想象、内在与外在之间游走，不断地权衡、选择与转化。本书将揭示这种辩证的过程，分析艺术家如何通过对立元素的并置，例如轻与重、静与动、完整与破碎，来创造出具有复杂层次和丰富解读空间的艺术品。这种辩证性也体现在雕塑与观众的关系上。一件雕塑并非仅仅是艺术家完成的静态物件，它在与观者的互动中获得了生命，在不同的观看视角和个人经验中被赋予新的意义。 本书将审视不同时期、不同文化背景下的雕塑作品，但始终保持一种跨越性的视角，关注那些普遍性的艺术探索。我们不会被束缚于特定的艺术史叙事，而是致力于提炼出雕塑艺术中那些能够穿透时空、引发当下共鸣的共性主题。从古老的祭祀雕塑到当代的装置艺术，都将作为我们探讨的例证，以期展现雕塑艺术的丰富性、演进性和持久的生命力。 阅读本书，你将不仅仅是欣赏一件件精美的雕塑，更是走进一个由物质、记忆与身体交织而成的思想空间。你将学会如何解读雕塑的语言，如何理解艺术家在创作中所付出的心力与智慧，以及最重要的，如何通过这些被凝固的形态，重新审视我们自身，以及我们所处的世界。这本书旨在激发你的好奇心，鼓励你以更敏锐的眼光去发现身边那些被忽略的艺术瞬间，并在日常生活中，感受雕塑所蕴含的深刻力量。

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坦白说，这本书的深度远远超出了我原本的预期。我原本以为这会是一本偏向传记性质的解读，但它呈现的是一种近乎学术性的、却又异常个人化的文本与图像的交织。作者的文字功底极其扎实，他们没有用那些晦涩难懂的艺术术语去堆砌篇幅，而是用一种非常克制且精准的语言，去剖析作品背后的哲学思辨和心理动力学。例如，对于那些标志性的“细胞”结构和“织物”母题的分析，简直是层层递进，让我彻底理解了这些看似简单重复的符号是如何承载了艺术家对母性、创伤与重建的复杂情感。更让我欣赏的是，书中收录了大量鲜为人知的文献资料和访谈片段，这些“幕后”的碎片信息，极大地丰富了我对艺术家创作脉络的认知。它不是在讲述一个完美无缺的艺术神话，而是在展现一个充满挣扎、不断自我解构与重塑的创造过程。读完之后，我感觉自己对当代雕塑和装置艺术的理解被提升到了一个新的维度，它迫使你直面那些隐藏在日常表象下的不安和渴望。

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对于一个非专业人士来说，这本书的友好度令人惊喜。虽然内容涉及复杂的艺术史背景和深奥的理论探讨，但编辑似乎非常注意到了普通读者的接受程度。图像和文字的配合达到了极高的平衡，很多时候，一张极具冲击力的照片本身就已经胜过千言万语的解释。书中穿插的一些艺术家的亲笔手稿和笔记，那些潦草的字迹和突发的灵感涂鸦，瞬间拉近了读者与这位巨匠的距离，让人感觉她不再是一个遥不可及的偶像，而是一个鲜活的、与我们一样在探索世界本质的人。最值得称赞的是，这本书对于作品的展陈历史和关键展览的记录非常详尽，这对于希望进一步查找原作信息或参观相关展览的读者来说，提供了绝佳的参考路径。总而言之，它成功地架起了一座桥梁，让复杂的当代艺术变得可以亲近，但又不失其应有的深度和严肃性，是一次非常成功的知识普及与艺术熏陶。

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我很少看到一本书能够如此彻底地捕捉到一种“物质精神性”——这是我对这本书最直观的感受。它探讨的不是单纯的造型美学，而是物质本身如何被赋予、携带并最终释放出人类情感和历史重量。书中的摄影作品，尤其是在工作室环境中拍摄的那些大型装置和未完成的作品，那种光影的运用简直是教科书级别的，它们没有追求画面的“干净”，反而保留了创作现场的灰尘、光斑和未被处理的痕迹，这本身就是对艺术生产过程的尊重。阅读过程中，我的感官被不断地调动起来，仿佛能闻到金属的锈味、感受到石膏的冰冷，甚至能“听见”那些悬挂结构发出的细微张力声。这种高度的感官代入感，很大程度上归功于其精良的编辑工作——对细节的执着和对艺术原貌的忠诚。这本书不仅仅是关于一位艺术家的，它更像是一部关于“创作的本质”的哲学论著，通过她的作品，我们得以窥见人类面对存在困境时，如何运用双手和头脑进行最深刻的抵抗和表达。

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天呐，我刚刚读完这本关于当代艺术大师的画册，简直被震撼到了。这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，厚重的纸张，细腻的印刷，每一个细节都透着对作品的敬意。虽然我此前对这位艺术家的了解仅限于一些零星的报道和博物馆的片段展示，但这本书仿佛为我打开了一扇通往她内心世界的密室。它不仅仅是作品的简单罗列，更像是一场精心编排的视觉叙事。那些雕塑的质感、装置的氛围，通过高清的图片被完美地捕捉了下来，即便是隔着屏幕或纸张，你也能感受到材料本身带来的那种粗粝感或光滑感。尤其是一些早期草图的呈现，线条的力度和瞬间的情感流露，让人不禁思考艺术创作的最初冲动是如何被捕捉和固化的。这本书的排版非常大胆，经常用大面积的留白来突出某件作品的孤立性和力量感，这种处理方式极大地增强了观者的沉浸体验，让我的思绪得以在那些错综复杂、充满象征意义的形态之间自由穿梭，思考着艺术与身体、记忆、以及潜意识之间的永恒对话。这是一本值得反复翻阅、细细品味的视觉档案。

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我必须承认，这本书的阅读体验是有些“沉重”的，但这种沉重感恰恰是它力量的来源。它不提供轻松愉快的审美享受，而是要求读者投入精力去“感受”作品，去“抵抗”作品所散发出的那种原始的、近乎不安的情绪张力。书中的图像选择非常犀利，它们没有美化那些具有争议性的作品，反而以一种近乎残酷的直白，将作品的内在矛盾性暴露无遗。我特别留意了其中关于艺术家晚期作品的章节，那里展现了她如何将对“家”的依恋与对“死亡”的思考融为一体，那种对生命终极命题的直视，让我感到既敬畏又心痛。这本书的结构安排非常巧妙，它不像时间线那样刻板，而是更侧重于主题的挖掘，比如对“空间与身体的隔阂”、“物质的转化与记忆的附着”等主题进行交叉对比分析，这种非线性的梳理方式，反而更贴合艺术本身那种跳跃和联想的特性。这绝对是一本能引发深度思考的艺术书籍，需要放慢脚步，逐页咀嚼。

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