具体描述
Challenging prevailing theories regarding the birth of the subject, Catherine M. Soussloff argues that the modern subject did not emerge from psychoanalysis or existential philosophy. Rather it was first visualized in the theory and practice of portraiture in early-twentieth-century Vienna. Soussloff traces the development in Vienna of an ethics of representation that emphasized subjects as socially and historically constructed selves who could only be understood - and understand themselves - in relation to others, including the portrait painters and the viewers. In this beautifully illustrated book, she demonstrates both how portrait painters began to focus on the interior lives of their subjects, and how the discipline of art history developed around the genre of portraiture. Soussloff combines a historically grounded examination of art and art historical thinking in Vienna with subsequent theories of portraiture and a careful historiography of the philosophical and psychoanalytic approaches to human consciousness from Hegel to Sartre and from Freud to Lacan. She chronicles the emergence of a social theory of art among the art historians of the Vienna School; demonstrates how the Expressionist painter, Oskar Kokoschka depicted the Jewish subject; and explores the development of pictorialist photography. Soussloff concludes by reflecting on the implications of the visualized, modern subject for textual and linguistic analyses of subjectivity: among these, that the Viennese art historians, photographers, and painters will henceforth have to be reckoned with as precursors to such better-known theorists of the subject as Jean-Paul Sartre, Michel Foucault, and Jacques Lacan.
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用户评价
从排版和索引的细致程度上看，这本书无疑倾注了作者大量的心血。纸张的质感非常棒，翻页时有一种沙沙作响的愉悦感，而且配图的清晰度也达到了专业水准，色彩还原度极高，这对于视觉艺术的讨论至关重要。但是，这种对“外壳”的极致追求，似乎掩盖了其核心论点的薄弱。阅读这本书时，我不断地在寻找一个明确的论点，一个贯穿始终的“钩子”，来牵引我深入理解艺术如何构建或解构主体。遗憾的是，这本书更像是一本由大量互不关联的优秀小段落拼凑而成的剪贴簿。每个章节的过渡都显得有些生硬，仿佛作者在完成任务清单时，依次勾选了“讨论身份”、“探讨凝视”、“提及身体性”等关键词，然后用一些平铺直叙的句子将它们串联起来。我甚至怀疑，作者是否真正回答了书名所提出的问题。如果将这本书的标题换成《艺术中常见元素的图解指南》，或许会更加贴切。它提供了大量的“是什么”，却极少触及“为什么”和“如何成为”，这对于一本严肃的艺术理论读物来说，是致命的缺失。
评分我购买这本书的初衷，是希望它能提供一个新鲜的视角，去审视当代艺术实践中“主体缺席”或“主体异化”的现象，尤其是在数字媒介日益主导我们感官经验的今天。我期待能看到对虚拟身份、算法控制下的人类体验如何被艺术捕捉和反思的深入分析。然而，这本书的案例和讨论似乎完全停滞在了上个世纪八十年代末期。它热衷于分析那些早已被讨论殆尽的议题，例如福柯的权力/知识模型在早期摄影中的应用，以及拉康的镜像阶段在立体主义中的体现。这些内容在任何一本标准的艺术史入门教材中都能找到，且论述更为精炼。书中对数字时代、社交媒体对“自我”观念的侵蚀，或是对人工智能参与创作后“作者”身份的消解等议题，几乎只字未提，或者只是作为一两个脚注匆匆带过，完全没有进行实质性的探讨。这使得这本书在面对当下的艺术生态时，显得异常苍白和滞后。它就像一本为上个世纪末的艺术学院学生编写的教材，对于今天我们所处的这个爆炸性变化的文化环境，它提供的洞见几乎为零，无法与我当下的阅读需求产生任何共鸣。
评分我本以为这是一本能挑战我既有观点的重量级著作，毕竟“主体性”在后现代语境下一直是如此引人入胜的战场。然而，阅读过程的体验更像是一次被温柔牵引的散步，而非一场智力上的酣畅淋漓的辩论。作者的语气异常温和，甚至可以说有些讨好读者，对任何可能引发争议的艺术思潮都采取了“和稀泥”式的处理。例如，在谈到德里达对再现的批判时，我期待看到的是一场关于在场与缺席的交锋，但书中只是轻描淡写地带过，仿佛这只是学术界的一个小小的注脚。更让我感到困惑的是，书中引用的案例常常是那些学院派中最为安全、最少争议的作品，缺乏那种能让人拍案叫绝的、边缘化的或具有颠覆性的文本。这使得全书的论述建立在一个过于稳固、缺乏张力的基础之上。它像一个修建得极好的花园，每一株植物都被修剪得一丝不苟，但少了那种野蛮生长的生命力。阅读完毕，我没有感到任何认知上的震动或思想上的拓展，反而有一种被“保护”起来的感觉，仿佛作者刻意避开了所有可能刺伤读者的尖锐观点。对于寻求思想激荡的读者来说，这本书的“温顺”可能恰恰是它最大的缺陷。
评分这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那种低饱和度的墨绿色封面，配上烫金的字体，散发着一种低调的古典美。初次翻阅时，我原本期待能像品尝一杯醇厚的红酒那样，慢慢领略艺术史中那些宏大的叙事和鲜为人知的小故事。然而，这本书的行文节奏却像是行走在一条过于平坦的柏油马路上，缺乏意想不到的转角和陡峭的山坡。作者似乎过于沉迷于对媒介本身——比如画布的纹理、颜料的化学构成——的详尽描述，以至于真正触及“主体”这个概念时，笔触显得有些犹豫和模糊。比如，在讨论文艺复兴时期的人像画时，我期待能深入挖掘身份认同、社会阶层与肖像权力的复杂交织，书中却只是泛泛而谈了光影的运用，仿佛所有艺术作品都只是视觉技巧的完美堆砌。这种对技术层面过度的强调，使得作品背后的哲学张力和社会批判性被稀释了。读完后，我合上书本，脑海中浮现的画面不是那些震撼人心的艺术杰作，而是一张张精确测量的图纸，这让我感到有些意兴阑珊。它更像是一本艺术技法手册的引言部分，而非对艺术中“主体”这一核心命题进行深刻探讨的论著。整体而言，它在形式上无可挑剔，但在内容的深度挖掘上，却留下了太多的空白，让人空有回味之感，却无深思之果。
评分这本书的语言风格，怎么说呢，有一种浓厚的、甚至可以说是过时的学术腔调。句子结构冗长复杂，充满了大量的被动语态和晦涩的专业术语，但奇怪的是，这些术语的引用往往是机械的、缺乏上下文的支撑。我不得不频繁地停下来查阅注释，而这些注释本身也只是对术语的简单复述，未能起到进一步阐释的作用。这种阅读体验极大地消耗了我的耐心。我原本期待的是一种现代的、流畅的学术表达，能够将复杂的概念清晰地传递出来，正如某些伟大的哲学家能够用精准的语言描绘出思维的迷宫。然而，这本书给我的感觉是，作者似乎故意将简单的概念复杂化，仿佛不通过这种繁复的语言结构，就无法证明其学术的严谨性。结果就是，许多本来可以一语道破的天机，被包裹在层层叠叠的辞藻之下，变得模糊不清。读完一个章节，我常常需要花时间反刍，试图剥离掉语言的浮华，去捕捉那个可能微不足道的原始思想火花。这种努力与收获不成正比的阅读过程，让人感到疲惫，而非启发。
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