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出版者:W W Norton & Co Inc (Np)

作者:Joseph Machlis

出品人:

页数:515

译者:

出版时间:2003-02

价格:USD 106.50

装帧:Paperback

isbn号码:9780393943320

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《交响乐的奥秘：从巴赫到斯特拉文斯基的音乐之旅》 作者： 艾莉森·霍华德 出版社： 蓝鲸出版 出版日期： 2024年秋 页数： 约 550 页（精装版） --- 内容简介 《交响乐的奥秘：从巴赫到斯特拉文斯基的音乐之旅》并非一本关于音乐欣赏的入门指南，而是一部深入剖析西方古典音乐体系演变历程的权威著作。本书旨在引导读者超越对旋律和和声的感性认知，进入音乐结构、历史语境及其社会意义的复杂迷宫。作者艾莉森·霍华德，一位深耕欧洲音乐史学界三十余年的著名学者，以其严谨的学术态度和富有洞察力的叙事风格，为我们描绘了一幅跨越四个世纪的宏大音乐画卷。 本书的核心论点在于：西方音乐的“经典性”并非一成不变的美学标准，而是特定历史阶段权力结构、技术革新与艺术哲学相互作用的产物。 全书分为六个主要部分，结构清晰，层层递进： --- 第一部分：巴洛克的回声与赋格的逻辑 (1600-1750) 本部分聚焦于宏大、装饰性与对位法（Counterpoint）主导的巴洛克时期。霍华德教授没有仅仅罗列巴赫、亨德尔和维瓦尔第的作品清单，而是将重点放在了“结构工程”上。 重点探讨： 功能和声的建立： 追溯从调式到大调/小调体系的过渡，分析如何通过固定化的和声语言，为后世的音乐发展奠定了“语法基础”。 赋格曲的理性结构： 深入解析巴赫的《平均律键盘曲集》与《音乐的奉献》，揭示这些作品如何体现文艺复兴后期的哲学思辨，即将宇宙秩序通过数学逻辑（对位法）在声音中重现的尝试。 歌剧的诞生与规范： 研究早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）如何融合戏剧、诗歌与音乐，探讨“宣叙调”和“咏叹调”的张力如何塑造了戏剧张力。 霍华德强调，巴洛克音乐的“享受”在于理解其复杂织体下的严密秩序，而非仅仅沉浸于其华丽的装饰。 --- 第二部分：古典主义的清晰与普世价值 (1750-1820) 古典主义时期是音乐史上对“平衡”、“清晰”和“比例”追求的顶峰。本部分侧重于维也纳古典乐派三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬——如何将前一时代的复杂结构“提纯”为更易于被启蒙时代理性所接受的形式。 重点探讨： 奏鸣曲式（Sonata Form）的“建筑学”： 细致解构呈示部、发展部和再现部的心理学与结构学意义。作者认为，奏鸣曲式是启蒙运动个体自由与社会秩序辩证关系的完美声学体现。 交响曲作为公共对话： 探讨交响曲如何从宫廷娱乐转变为市民阶层表达社会理想的公共论坛，特别是海顿在“伦敦交响曲”中如何迎合更广泛听众的审美需求。 贝多芬的“英雄”叙事： 分析贝多芬的作品，特别是“中期三部曲”，如何打破古典的宁静，引入个人意志的冲突与挣扎，预示着浪漫主义的来临。作者认为，贝多芬并非抛弃了结构，而是将情感的火焰注入了既有的结构框架之内。 --- 第三部分：浪漫主义的激情与个人主义的扩张 (1820-1900) 本部分是全书篇幅最厚重的部分之一，探讨了音乐如何从服务于外部（教会、宫廷）转向表达内在的、不可言喻的个人情感与民族精神。 重点探讨： 李斯特与“交响诗”的革命： 研究标题音乐（Program Music）的兴起，以及李斯特如何通过“主导动机”（Leading Motive）系统地统一乐曲的叙事线索，挑战了纯音乐的传统地位。 德彪西的“印象”与“音色”的解放： 考察十九世纪末的转向，德彪西如何运用非传统和弦、全音阶和五声音阶，模糊了和声的终点和起点，使得音乐更接近于“氛围的捕捉”而非“逻辑的推演”。 民族主义的兴起： 分析俄国五人组、德沃夏克和格里格等作曲家如何从民间音乐中汲取灵感，将地方色彩和历史叙事融入大型管弦乐作品中，音乐与国家身份认同的紧密联系。 瓦格纳的“总体艺术作品”： 深入剖析其对“乐剧”（Musikdrama）的构想，以及他如何通过对和声的极度延伸（如《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”）来探讨无限与欲望的主题，并将管弦乐队提升到前所未有的叙事地位。 --- 第四部分：二十世纪的断裂与重构 (1900-1945) 面对工业革命的冲击、两次世界大战的阴影以及科学哲学对绝对真理的质疑，音乐的表达方式发生了剧烈的、近乎暴力的转变。 重点探讨： 印象主义到表现主义： 分析德彪西如何为新的音色世界打开大门，以及荀伯格在《月迷的皮埃罗》中如何运用“音色自由”（Free Atonality）表达精神的焦虑与病态。 十二音体系的“新理性”： 霍华德对第二维也纳乐派的讨论极为精妙，她将十二音体系视为对浪漫主义过度情感泛滥的一种理性“消毒”行为，一种试图在无调性世界中重建秩序的努力。 新古典主义的回归与反讽： 探讨拉威尔和斯特拉文斯基（尤其在《普尔钦奈拉》之后）如何对古典主义形式进行引用、解构和重组，以此作为对过度主观化的浪漫主义的一种批判性回应。 原始主义与节拍的暴力： 详细分析了《春之祭》首演引发的骚乱，将其置于更广泛的现代主义运动中，探讨原始节奏和不协和音如何成为对既有文明秩序的反抗象征。 --- 第五部分：战后实验与电子媒介的介入 (1945-1970) 这一部分考察了战后作曲家们对传统音高、节奏和乐器使用的彻底颠覆，标志着音乐语言的彻底“碎片化”。 重点探讨： 序列音乐的全面化： 聚焦于布列塞（Boulez）如何将十二音的原理扩展到音高、时值、力度和音色的每一个层面，追求一种完全控制的“不可知”音乐。 机遇音乐（Aleatoric Music）： 深入分析约翰·凯奇的作品，特别是《4’33”》。作者将此视为对“音乐”定义本身的哲学诘问，探讨了环境噪音与作曲家意图之间的边界模糊。 电子音乐的早期探索： 探讨斯德哥尔摩和科隆的电子音乐工作室，分析具体音乐（Musique Concrète）如何将录制的声音作为“原材料”，以及合成器如何开始成为作曲工具。 --- 第六部分：语境的回归与多元声音的并置 (1970至今) 本书的收官部分讨论了现代主义的激进实验之后，音乐如何转向对历史的重新对话和对听觉愉悦的重新接纳。 重点探讨： 极简主义的震撼： 分析赖希和菲利普·格拉斯如何通过极简的材料、重复的模式和缓慢的相位移动（Phasing），创造出一种沉浸式的、近乎冥想的听觉体验，是对序列音乐复杂性的直接反动。 后现代的并置与拼贴： 研究作曲家如何自由地在作品中混合高雅与低俗的元素，运用戏仿（Pastiche）和引用，打破了“进步性”的线性历史观。 技术对作曲的持续影响： 总结了数字技术对声音处理和音乐传播的最终解放作用。 --- 总结与作者视角 《交响乐的奥秘》超越了简单的“曲目导览”，它是一部关于音乐结构如何映照人类思想史和社会结构的深度研究。艾莉森·霍华德通过严谨的分析和对历史背景的精准把握，引导读者认识到，每一部伟大的交响乐或奏鸣曲，都是其时代在声音领域最精密的“宣言”。本书适合有一定音乐基础、渴望理解西方音乐史深层逻辑的严肃爱好者、音乐专业学生及学者阅读。它要求读者带着探索的热情，去解码那些被时间雕琢出的声学迷宫。

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这本书的装帧设计简直是艺术品。硬壳封面采用了某种带着纹理的深蓝色材质，触摸起来有一种沉稳而高级的质感，让人一拿到手就舍不得放下。书脊上的烫金字体虽然低调，但在不同的光线下会折射出微妙的光泽，显示出印刷工艺的精湛。我尤其欣赏它内页的排版，字体选择非常经典且易读，留白处理得恰到好处，使得即使是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。图片和插图的印刷质量也是顶级的，那些古典乐谱的扫描件清晰锐利，连最细微的墨迹都能辨认出来，而大师肖像照的色彩还原度极高，仿佛能感受到人物的历史厚重感。装订方面，它采用了线装工艺，翻页时非常顺滑，完全不用担心书页会松脱，这对于一本我打算珍藏的音乐类书籍来说至关重要。它不仅仅是一本书，更像是一件可以陈列在书架上的工艺品，每次看到它，都能感受到出版方在细节上倾注的心血，这无疑极大地提升了阅读的仪式感和愉悦感。

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我通常是一个非常挑剔的读者，尤其对那些用词过于学术化或故作高深的著作感到厌烦。这本书最让我称赞的一点，是它成功地平衡了专业性和可读性。作者似乎深谙如何与一个心怀好奇的普通读者对话。他不会使用一长串拗口的德语或意大利语术语而不加解释，即便是涉及到复杂的和声进行或对位法原理，他也会巧妙地用日常生活的类比来辅助说明，比如将复杂的乐曲结构比喻成建筑的承重墙或精密机械的齿轮组。这种平易近人的写作风格，让那些原本可能让人望而却步的理论知识变得触手可及。我发现自己不再是机械地背诵知识点，而是真正开始“听”音乐了——当我再次播放那些被深入解析的乐章时，我能清晰地分辨出之前忽略的那些层次感和对话关系，这是一种非常美妙的认知升级体验。

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老实说，我曾尝试过几本同类的音乐入门书，它们大多不是内容过于简化导致索然无味，就是专业术语堆砌让人望而却步，很难找到一个完美的平衡点。这本书的伟大之处，也许就在于它成功地构建了一种沉浸式的学习体验。它不仅仅是告诉你“什么”音乐是好的，更重要的是让你理解“为什么”它们经久不衰。它引导读者去感受音乐背后的时代精神、哲学思辨乃至作曲家的个人挣扎。读完后，我的音乐欣赏能力没有被“训练”成僵硬的学院派，反而变得更加开放和富有同情心。我开始愿意去探索那些我过去可能会略过的、听起来“晦涩”的音乐作品，因为我知道，在那些看似不和谐的音符背后，很可能隐藏着作者所描述的那种深刻的人类情感表达。这是一本真正能改变你聆听世界方式的书籍。

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坦白说，我最初购买这本书是冲着它那略显夸张的书名去的，心想能带来多少“享受”？然而，它的内容深度彻底颠覆了我的预期。这不是那种浮于表面的音乐科普读物，它像一把精密的瑞士军刀，深入浅出地剖析了西方音乐史的脉络。作者的叙述视角非常独特，他似乎总能找到一个新奇的角度去切入那些耳熟能详的曲目或作曲家，比如他分析巴赫赋格时，那种结构主义的解构方式，让我这个非专业人士也豁然开朗，明白了“形式即内容”的真正含义。更难得的是，书中对于不同时期风格的过渡论述极为细腻，从巴洛克的严谨到浪漫主义的奔放，那种历史的张力被描绘得淋漓尽致。读起来，我感觉自己不是在被动地接收知识，而是在参与一场由作者引导的、跨越数百年的音乐“考古”之旅，每次翻过一章，都会有一种“原来如此”的顿悟感。

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这本书的价值远超其定价，尤其是考虑到其中包含的丰富参考资料和拓展建议。在每一章的末尾，作者都会提供一份精心挑选的“延伸聆听清单”，这些清单不仅仅是列出曲目名称，还非常人性化地标注了建议的特定版本录音，这对于刚接触某个作曲家的读者来说简直是救命稻草，避免了在海量录音中迷失方向。此外，书中对乐器学的介绍也极其详尽，对于管弦乐配器的描写，甚至让我能“想象”出不同乐器在合奏时那种物理性的空间布局。我不得不佩服作者的广博学识，他似乎对音乐史上的每一个角落都有所涉猎，从早期复调到二十世纪的序列主义，信息密度高得惊人，但又组织得井井有条，像一本高效运转的百科全书，随时准备为求知欲爆棚的读者提供弹药。

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