The Music of Alban Berg (Composers of the Twentieth Century Serie)

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出版者:Yale University Press
作者:Dave Headlam
出品人:
页数:470
译者:
出版时间:1996-09-25
价格:USD 65.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780300064001
丛书系列:
图书标签:
  • Alban Berg
  • Music
  • 20th Century Music
  • Music History
  • Composition
  • Opera
  • Serialism
  • Atonality
  • Schoenberg
  • Modernism
  • Musical Analysis
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具体描述

In this sophisticated analysis of the music of Austrian composer Alban Berg, Dave Headlam charts Berg`s development from late-romantic tonality to atonality and finally to his own distinctive dodecaphonic language. In so doing, Headlam defines Berg`s musical language and brings to light the compositional continuity that underlies all of his works.

音乐的边界与现代性的回响:二十世纪作曲家系列丛书 本卷丛书深入探索了二十世纪音乐波澜壮阔的图景,聚焦于那些以独特的声音语言和深刻的哲学思辨,重新定义了音乐结构与听觉体验的作曲家群体。它并非对单一作曲家的传记式描绘,而是对一个充满张力与革新的时代进行系统性的梳理与剖析。 第一部分:现代主义的黎明与古典传统的瓦解 本部分着重探讨了在两次世界大战的阴影下,欧洲音乐文化经历的剧烈转型。我们首先考察了德彪西和拉威尔等印象派大师如何通过对音色、和声与节奏的革新,为后来的激进实验铺平了道路。他们的作品如同一道亮丽的过渡之光,既保有浪漫主义的余韵,又指向了全新的可能性。 随后,焦点转向了维也纳学派的早期探索,特别是勋伯格从晚期浪漫主义向无调性音乐的决定性跨越。本部分详细分析了《期望》和《月迷的皮埃罗》等里程碑式作品中,传统调性框架如何被系统性地剥离。我们深入探讨了“自由无调性”阶段的心理张力与表现主义美学之间的内在联系。这种对情感极端化的追求,要求听众和演奏家共同面对音乐表达的全新范式。 斯特拉文斯基在这一时期的角色至关重要。通过对《春之祭》首演引发的巨大争议的再现,我们分析了“原始主义”如何成为打破既有规范的有力武器。其对节奏的暴力性重构、对古老仪式的现代性阐释,不仅震撼了巴黎的音乐界,更在世界范围内开启了对音乐时间观念的深刻反思。本部分探讨了这些早期现代主义者如何以不同的路径,共同完成了对瓦格纳式宏大叙事的解构。 第二部分:序列主义的理性建构与音色的解放 随着二十世纪中叶的到来,音乐探索的理性化倾向日益显著。本部分将重点放在了二战后兴起的序列主义浪潮及其复杂的技术体系。 我们详细介绍了勋伯格的十二音体系如何被其学生——尤其是魏本和伯格——继承并发展。重点分析了魏本如何将音高、时值、力度和音色等所有音乐元素都纳入序列控制的尝试,从而追求一种高度精炼、几乎是微观的音乐结构。这种对“序列的纯粹性”的追求,体现了一种对混乱时代的秩序渴望。 紧接着,我们探讨了“总体序列主义”(Total Serialism)的兴起,尤其是梅西安和布列兹在达姆施塔特夏季课程中所扮演的关键角色。梅西安对“节奏模式”和“异域音阶”的开创性运用,为音乐带来了新的维度。而布列兹则继承并激化了序列控制的理念,试图将音乐的每一个细节都纳入精确的数学计算之中。本部分对这些作品进行了细致的乐谱分析,揭示了其内在的逻辑严密性,以及听觉上对听众带来的挑战性体验。 此外,电子音乐的兴起构成了另一个重要的技术革新支点。科隆的电子音乐工作室以及法国具体音乐的先驱们,如何利用磁带和发生器,彻底解放了声音本身,使其不再依附于传统乐器的物理限制。我们探讨了“白噪音”和“合成音波”如何被吸纳进严肃音乐的语汇之中,从而拓宽了“可听性”的边界。 第三部分:非线性叙事与空间化声音 本部分转向对音乐“结构”与“空间”的重新定义。我们考察了约翰·凯奇对偶然性(Chance Operations)的激进采纳。凯奇的作品,如他著名的无声乐章,并非是对“无聊”的宣告,而是对音乐“何为”这一核心问题的哲学性追问。通过随机性,凯奇将音乐的控制权部分让渡给环境和听众自身的感知,挑战了作曲家作为绝对权威的传统地位。 在空间音乐方面,本卷探讨了斯托科夫斯基、塞里安和施托克豪森等人在多声道、多扬声器布局上的开创性工作。音乐不再仅仅是时间线性流动的艺术,而开始占据三维空间。作品如《群》(Gruppen)展示了如何通过声源在不同声部间的穿梭,创造出动态的听觉景观,迫使听众在物理空间中重新定位自己的聆听姿态。 同时,我们对极简主义音乐(Minimalism)的崛起进行了深入分析。受拉蒙特·扬和特里·赖利等早期探索者的影响,菲利普·格拉斯和史蒂夫·赖奇等作曲家转向了过程导向的音乐。本部分阐述了他们如何通过极少的材料、重复的片段以及缓慢的相位差(Phasing),在听觉上产生复杂的、催眠般的增殖效果。这种回归感官体验、拒绝复杂智力建构的倾向,是对前一个时代技术过度复杂的有力回应。 结语:多重路径与二十世纪的回响 本丛书的收尾部分总结了二十世纪音乐的多元化特征。这一时期的作曲家们,面对着技术爆炸、社会剧变和传统崩溃的多重压力,没有选择单一的解决方案,而是开启了无数条并行的探索之路:从极度精确的理性控制,到完全开放的随机性;从对传统乐器的精细雕琢,到对电子噪音的狂热拥抱。 这些作曲家的遗产,在于他们不仅留下了数量庞大的、极具挑战性的作品,更在于他们彻底改变了我们对音乐的期望和理解方式。他们拓展了音乐的“可能界限”,其影响至今仍在当代作曲领域中不断回响、交织和演变。本卷旨在为读者提供一把理解这些复杂遗产的钥匙,领略二十世纪音乐如何以其复杂、矛盾而辉煌的方式,构筑了现代听觉经验的基石。

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读后感

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这部关于二十世纪作曲家阿本·贝格音乐的著作,着实让人领略到一位大师如何在其作品中构建起一个既充满内在逻辑又极富情感张力的音乐世界。阅读过程中,我深刻感受到作者对贝格创作脉络的细致梳理,尤其是在探讨其早期作品如何逐步走向十二音体系的过渡阶段,那种音乐语言的嬗变过程被描绘得淋漓尽致。书中对位法的运用分析,并非仅仅停留在技术层面的解构,而是深入到如何利用这些复杂的结构来服务于戏剧性的表达。例如,在分析歌剧片段时,作者旁征博引,将乐谱上的符号与剧本的情感张力精准地对应起来,使得即便是对现代音乐理论不太熟悉的读者,也能体会到其中蕴含的巨大能量。这种将严谨的音乐学分析与富有感染力的叙事完美结合的写作手法,极大地提升了阅读的愉悦感和理解深度。它不仅仅是一本学术专著,更像是一次精心策划的音乐之旅,引领我们穿越迷雾,直抵贝格内心深处那片既理性又充满激情的创作领地。

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这本书的排版和图表设计也值得称赞,它极大地缓解了研究复杂音乐理论可能带来的枯燥感。我特别欣赏作者在展示和弦结构或动机发展时所使用的图示,它们清晰、直观,而且具有极强的指向性,避免了纯文字描述的晦涩难懂。很多时候,一张精心制作的图表胜过千言万语的理论阐述,尤其是在处理十二音体系中那些变体和转位的复杂关系时,这种视觉辅助工具简直是救星。此外,书中引用了大量的原始文献和早期评论,这些历史性的声音使得我们仿佛能听到那个时代对贝格音乐的最初的震动和争议,增加了历史的厚重感。阅读体验上,它鼓励读者频繁地在书本和乐谱之间切换,这是一种非常积极的、鼓励主动学习的方式,让读者从被动接受信息转变为主动参与到音乐的解析过程中去。

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对于热衷于探究作曲家个人生活与艺术创作之间复杂关联的读者来说,这本书提供了一个极为丰满的视角。作者没有将贝格视为一个脱离时代背景的纯粹的“声音魔术师”,而是将他置于一战前后中欧文化剧变的宏大背景下进行审视。书中详尽描述了贝格在维也纳音乐圈中的人际网络,特别是他与勋伯格、魏本伯格之间亦师亦友的关系,以及这种关系如何影响了他对新音乐原则的接受与发展。更令人印象深刻的是,作者在讨论《沃采克》或《露露》等歌剧时,毫不避讳地探讨了作品中涉及的社会议题和弗洛伊德式的心理描绘。这种跨学科的洞察力,使得音乐分析不再是孤立的技术练习,而是成为理解二十世纪精神焦虑和人类困境的一把钥匙。读完这些章节,我感觉自己不仅听懂了贝格的音符,更理解了他“为什么”要这样写音符,这才是真正有价值的解读。

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如果让我用一个词来形容阅读此书的感受,那可能是“重构”。它不仅仅是告诉我们贝格写了什么,更重要的是,它帮助我们重构起理解二十世纪音乐的全新框架。书中对不同版本乐谱之间细微差异的考证,以及对贝格在创作不同阶段的技法调整的对比分析,显示了作者扎实的研究功底和对文本的极度尊重。这种对细节的执着,使得这本书超越了一般的传记或作品综述,更像是一部权威的“音乐文献学”指南。它教导我们如何以一种更具批判性和探究性的眼光去对待那些被奉为经典的现代主义作品,认识到每一部作品的诞生都充满了挣扎、选择和妥协。这本书无疑是所有严肃研究二十世纪音乐的学者和深爱阿尔班·贝格的乐迷案头必备的工具书,它带来的知识积累是持久且富有启发性的。

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我必须承认,这本书的学术深度是毋庸置疑的,但它的魅力恰恰在于,它成功地平衡了“深度”与“可及性”。它对于贝格晚期作品,比如他的小提琴协奏曲的分析,达到了令人叹为观止的精妙程度,将这首作品中对逝去友人的悼念之情,如何被编码进了那些看似冰冷的序列之中,进行了诗意的还原。作者论证了内在的抒情性如何超越了十二音体系的形式约束,这对于那些常常误解“序列音乐”是扼杀情感的教条的听众来说,无疑是一剂强心针。这种对“理性中的感性”的挖掘,是本书最核心的贡献之一。它没有采用那种居高临下的学院派口吻,反而带着一种对艺术的敬畏和探索的兴奋感,让人迫不及待地想要去重听那些被仔细剖析过的乐章,寻找那些潜藏的秘密线索。

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