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出版者:Transition Vendor

作者:Bogdanov, Vladimir (EDT)/ Woodstra, Chris (EDT)/ Erlewine, Stephen Thomas (EDT)

出品人:

页数:800

译者:

出版时间:2003-4

价格:$ 28.19

装帧:Pap

isbn号码:9780879307363

丛书系列:

图书标签:

• Blues
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蓝调的殿堂：跨越世纪的灵魂回响 一部深度剖析黑人音乐核心精神的宏大叙事 本书简介 《蓝调的殿堂：跨越世纪的灵魂回响》并非仅仅是一部音乐史的编年体，它是一部深入挖掘美国黑人精神脉络、探寻蓝调（Blues）这一独特艺术形式诞生、演变及其对全球音乐文化产生深远影响的、近乎田野调查式的研究巨著。本书旨在超越对著名乐手名字的简单罗列，而是力求揭示蓝调音乐在特定历史、社会和地理环境下，是如何从密西西比三角洲的田间地头、监狱的镣铐声中，一步步蜕变为一种国际性的文化语言。 本书的叙事结构分为四个主要部分，如同蓝调音乐的四个基本乐章，层层递进，深入核心。 --- 第一部分：根源的泥土——蓝调的诞生与早期形态（1860s - 1920s） 本部分聚焦于蓝调的“前世”——那些尚未被明确标记为“蓝调”但已孕育其灵魂的音乐形式。我们追溯其源头，细致考察了西非音乐传统、奴隶劳动歌曲（Field Hollers）、宗教赞美诗（Spirituals）以及纪实性的“工作歌”（Work Songs）之间的复杂交织。 深入分析： 地理的烙印： 详细描绘了密西西比三角洲的湿热气候、种植园经济结构以及种族隔离制度，如何塑造了蓝调的忧郁基调和叙事主题。 音乐的骨架： 对早期的“AAB”歌词结构、十二小节蓝调的基础和声进行严谨的音乐学分析，并探讨了非裔美国人如何利用五声音阶和转调技巧，创造出西方音乐体系中罕见的“蓝调音符”（Blue Notes）。 流动的传播： 记录了早期的口头传播方式，包括“游吟乐手”（Songsters）在南方各州间的流动，以及他们如何将个人的苦难转化为普适的艺术表达。本章特别关注了被历史边缘化的女性早期表演者，如弗兰基·詹宁斯（Frankie Jennings）和早期的“乡村蓝调”歌手，他们的演唱往往比后来的商业录音更具原始的力量。 --- 第二部分：商业化的觉醒与“经典蓝调”的兴起（1920s - 1930s） 随着留声机技术的普及和“种族唱片”（Race Records）市场的开启，蓝调第一次被大规模地记录和消费。本部分将重点分析蓝调如何从乡村走向城市，并与新的商业需求和城市生活方式相结合。 核心探讨： “马米”的时代： 深度剖析了“经典蓝调”（Classic Blues）或称“城市蓝调”的爆发。我们不仅仅关注贝西·史密斯（Bessie Smith）的非凡嗓音，更着重于分析她的歌词如何挑战了当时的社会规范，展现了黑人女性在经济独立和情感自主方面的初步诉求。 录音棚的魔力与局限： 探讨了早期录音技术对蓝调音乐风格的影响。录音环境的限制如何促使歌手与伴奏乐队（通常是爵士乐手）发展出一种更精致、更舞台化的表演方式。 风格的分化： 对比了南方乡村蓝调（如查理·帕顿的原始指弹）与北方城市蓝调在主题、乐器配置和情感表达上的差异，预示着未来风格的多元化。 --- 第三部分：电气化的洪流与都市的喧嚣（1940s - 1960s） 二战后的社会迁徙将数百万南方人带到了芝加哥、底特律和圣路易斯等工业中心。蓝调被迫适应充满噪音的城市酒吧环境，由此产生了对音量和力量的渴求，催生了“电声蓝调”（Electric Blues）。 关键转型： 芝加哥的熔炉： 本章将芝加哥视为电声蓝调的绝对中心。我们细致分析了穆迪·沃特斯（Muddy Waters）如何将原声吉他接入放大器，通过失真和强烈的节奏来穿透喧嚣的人群。本书详细绘制了胡姆布林·哈伯德（Howlin' Wolf）那充满野性和原始张力的演唱风格，并将其与小沃尔特·斯塔布尔菲尔德（Little Walter Jacobs）对口琴的革命性使用联系起来。 节奏与布鲁斯（R&B）的诞生： 探讨了电声蓝调如何与快节奏的摇摆乐（Swing）元素融合，加速并简化结构，最终衍生出节奏与布鲁斯（R&B），成为摇滚乐的直接先驱。 “德尔塔回声”： 考察了在电力革命中仍坚持原声演奏的流派，如罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）的传奇在此时被重新发掘和神化，他的黑暗、宿命论主题如何影响了后来的“城市民谣复兴”。 --- 第四部分：跨越鸿沟——蓝调的复兴、融合与永恒（1960s 至今） 进入六十年代，蓝调面临着被新兴的摇滚乐取代的危机。然而，正是西方听众的重新发现，促成了蓝调音乐最具有历史意义的“西进运动”。 遗产与创新： 英国入侵的催化剂： 详尽分析了以埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）和滚石乐队（The Rolling Stones）为代表的英国音乐家如何痴迷于那些被遗忘的芝加哥大师，并将这些音乐“进口”回美国主流视野。本书深入研究了这些白人乐手在学习和演绎蓝调时的“致敬”与“挪用”之间的复杂张力。 蓝调的学术化与规范化： 讨论了当蓝调被纳入大学音乐课程和正式音乐史叙事后，其“边缘性”和“反叛性”是否受到了稀释。 当代蓝调的形态： 关注当代如加里·克拉克（Gary Clark Jr.）等音乐家，如何在保持蓝调核心情感的同时，融入嘻哈、放克甚至电子乐的元素，证明了蓝调作为一种情绪表达方式，拥有无限的适应性和生命力。 结语： 《蓝调的殿堂》最终结论：蓝调从未“死亡”，它只是蜕变。它不是一种固定的音乐风格，而是一种看待世界的视角——是对苦难的承认，是对生存的庆祝，以及对人类共通情感的毫不掩饰的倾诉。本书是一份对这种持久的、不朽的音乐灵魂的致敬。 --- 本书特色： 附录： 包含一份详尽的“非主流”蓝调乐手目录，弥补了主流唱片公司历史记录的空白。 访谈摘录： 穿插了对数十位仍在世的老派音乐家及其后继者的口述历史片段，以保证文本的鲜活性与真实性。 音乐图解： 大量使用乐谱简化图和结构图表，帮助非专业读者理解蓝调音乐的精妙结构。

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我发现这本书最令人称道的一点，在于它对不同流派之间“血缘关系”的梳理。蓝调的谱系太复杂了，从早期流浪歌手的Acoustic到后来的Jump Blues，再到融入了摇滚元素的Electric Blues，很容易让人迷失方向。但作者在这里构建了一个清晰的、可追溯的脉络图。他们不会武断地下结论，而是通过对几个关键转折点的详细对比分析，展示了音乐是如何在地域、技术和听众需求之间进行微妙的拉扯和融合的。比如，他们对Delta蓝调如何潜移默化地影响了后来的英国入侵乐队的分析，简直是教科书级别的案例呈现。这种交叉引用的方式，让原本孤立的音乐家们，在书中重新联系了起来，形成了一个有机的整体。对于那些试图了解“为什么”某些音阶或和弦进行会产生特定情感冲击的音乐人来说，这本书提供了远超一般音乐史书籍的洞察力，它教会你如何去“听懂”蓝调的潜台词。

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这部作品的深度与广度，简直让人目不暇接。我原以为这只是一本简单的乐理指南，但翻开后才发现，它更像是一部浓缩的蓝调史诗。作者显然投入了难以想象的心血去梳理了从密西西比三角洲的泥泞小路上走出的第一批布鲁斯乐手，直至战后芝加哥电声蓝调的辉煌岁月。书中对早期留声机录音的细致分析，那种对音色和演奏技巧的描述，仿佛能让你听见黑胶唱片上噼啪作响的杂音，感受到那种原始的、未经打磨的力量。特别是他们对“感觉”（feel）的捕捉，不是简单地罗列音符，而是试图解析那种深植于文化和个人苦难中的旋律情感。我特别欣赏作者如何将音乐的演变与社会背景紧密结合，例如，大迁徙如何改变了蓝调的载体和表达方式，这使得阅读过程不再是枯燥的学术探讨，而是一场身临其境的文化溯源之旅。这本书的参考文献部分也做得极为扎实，为任何想深入研究特定时期或特定乐手的人，提供了绝佳的起点。它不仅仅是一本工具书，更像是一份对美国底层人民集体心声的庄严记录。

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坦白讲，我对音乐史的涉猎大多停留在比较近现代的部分，对于“根源”部分的了解相对薄弱。因此，这本书在开篇部分对早期民间音乐和宗教音乐对蓝调的渗透的探讨，对我来说具有极大的启发性。作者没有回避那个时代录音技术的不完善带来的信息缺失，反而将这种缺失本身视为历史的一部分，并用严谨的考证方式去拼凑那些模糊的片段。这种对“不可知”的坦诚态度，反而增强了这本书的可信度。我尤其喜欢其中关于早期艺人匿名性或使用化名的讨论，揭示了在那个社会环境下，音乐家保护自己身份的无奈与智慧。这种对文化边缘人物的关注，使得这本书的视角非常独特且富有同情心，它不仅仅是记录了音乐的诞生，更是记录了一群人在困境中寻找自我表达出口的艰难历程。它不仅仅是关于音乐的，更是关于生存的哲学。

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这本书的阅读体验，更像是在一位博学的老乐迷的家中，他热情洋溢地为你讲解他收藏多年的稀有唱片。它的语气里没有那种高高在上的学院派气息，而是充满了对音乐最纯粹的热爱和一种近乎虔诚的敬畏。尤其是在讨论那些已经消失的、仅留下几首录音的“一闪而过”的巨星时，作者的笔触显得尤为动情，充满了对逝去黄金时代的缅怀。这种情感的代入感非常强烈，让你感觉你不是在阅读一本工具书，而是在参与一场对失落的音乐记忆的集体追忆。此外，书中对“即兴”在蓝调中的核心地位的强调，也极大地改变了我对传统音乐结构的理解。它让我明白，在蓝调的世界里，每一次现场的演奏都是独一无二的创作，这种不可复制性才是其魅力所在。这本书成功地将冰冷的历史数据，转化为了有温度、有呼吸感的艺术遗产。

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这本书的排版和设计风格，用现在的话来说，简直是复古到极致的“酷”。它的那种厚重感和纸张的质感，让我忍不住想戴上手套来翻阅，生怕指纹会玷污了里面的珍贵内容。我尤其喜欢它穿插的那些老照片，那些黑白影像中的乐手，眼神里充满了故事，每一个皱纹、每一件乐器都诉说着一段不为人知的辛酸或辉煌。更妙的是，它在介绍关键专辑时，不仅仅是列出曲目，而是会用一种近乎散文诗的笔调去描绘专辑的“氛围”。比如描述某位大师的某张专辑时，用的词汇极其丰富，像是“烟雾缭绕的酒吧角落”、“午夜时分被汗水浸透的琴弦”等等，极大地激发了读者的想象力。虽然内容涉及大量技术性名词，但作者总能用一种非常口语化、充满热情的语气来解释，让你即使是初学者也能快速领会其中精髓。读罢，我立刻去重听了几张老唱片，那种久违的共鸣感又回来了，仿佛这位作者就是我的私人导游，带领我重新发现了这些音乐宝藏的真正价值所在。

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