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☆☆☆☆☆

出版者:Cherry Lane Music

作者:Phillips, Mark

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2002-3-1

价格:USD 9.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781575605159

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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好的，这是一本名为《掌握即兴演奏：从乐理到实践的无缝衔接》的图书简介。 《掌握即兴演奏：从乐理到实践的无缝衔接》 拥抱音乐的即时创造力 你是否曾被那些能瞬间将内心旋律转化为指尖音符的音乐家所折服？是否渴望在没有乐谱的情况下，自信地投入到任何音乐情境中，无论是爵士蓝调的即兴独奏，还是古典乐的变奏创作？《掌握即兴演奏：从乐理到实践的无缝衔接》正是为你量身打造的指南，它将带你穿越音乐理论的迷宫，直抵即兴创作的自由之境。 本书并非枯燥的理论堆砌，而是一套系统、实用的训练手册，旨在消除理论与实践之间的鸿沟。我们深信，即兴演奏并非少数天才的特权，而是可以通过科学训练和持续实践获得的技能。我们的目标是让你在任何音乐情境下，都能清晰地“听见”你的想法，并迅速将其“解码”为演奏。 第一部分：构建即兴的坚实基石（The Foundational Blueprint） 在真正开始“自由发挥”之前，我们需要一个坚不可摧的框架。本部分将深入剖析构成即兴演奏的底层逻辑，确保你理解音符背后的“为什么”。 第一章：超越音阶的音高感知 我们不会仅仅停留在“这是C大调音阶”的层面。本章将引导你培养对音级功能的直觉。我们将探讨： 调式思维与色彩： 如何在同一个调性内，通过切换不同的调式（如多里安、弗里吉安、利迪亚）瞬间改变音乐的情绪色彩，以及如何在快速变化的和声背景下，快速定位并利用这些调式。 音程与功能： 每一个音符在特定和弦中的“角色”是什么？根音的稳定感、三音的情感导向、五音的支撑力，以及七音所带来的张力。我们将通过听觉训练，让你在听到和弦时，脑中自动浮现出和弦结构图。 半音化与导向音： 如何巧妙地运用经过音和邻音，在不破坏既有调性的前提下，增加旋律的流动性和爵士乐色彩。 第二章：和声的结构化解析与重塑 即兴的核心在于对和声的预判和反应。本章将彻底解构和弦进行，使其不再是抽象的符号。 功能和声的听辨： 如何快速识别T（主和弦）、SD（下属和弦）和D（属和弦）之间的功能关系，这是即兴对话的语法。 二级属和弦（ii-V-I）的深层应用： 这一进行是爵士乐的生命线。我们将探讨如何填充其内部，包括使用替代和弦（如减七和弦、增三和弦）以及如何进行“和弦内音”的旋律构建。 和弦延伸与色彩化： 掌握9th、11th、13th音的引入时机，学习如何通过添加这些延伸音来创造出精致、现代的和声听感，并避免听起来过于“拥挤”或不协调。 第二部分：从理论到指尖的转换（Bridging Theory and Performance） 拥有知识只是第一步，真正的挑战是将这些知识转化为流动的音乐语言。本部分专注于实践工具和思维模式的建立。 第三章：节奏语法的构建与运用 许多学习者在掌握了正确的音高后，却在节奏上受困。本章将把节奏视为一种独立的、同样重要的语言元素。 小节线的“解放”： 学习如何打破严格的四四拍限制，运用切分音、复节奏（Polyrhythms）和不对称的节奏型来增加旋律的趣味性。 动机发展（Motivic Development）： 即兴不是一连串随机音符的堆砌，而是围绕核心“音乐想法”的展开。本章教授如何从一个简单的两到三个音符的动机出发，通过节奏变形、音高变化、移位等技巧，将其发展成长段落。 与伴奏的对话： 学习如何“倾听”鼓手的节奏模式和贝斯的和声走向，并以呼应、对立或补充的方式来设计自己的节奏线条，实现真正的音乐对话。 第四章：模式化训练的艺术——告别死记硬背 我们反对机械地背诵音阶指型。本章提供的是一套动态的、基于情境的训练体系。 “玩转”指板/键盘的思维导图： 不再将指板视为一个平面，而是理解为相互连接的区块。学习如何将一个音型快速地从一个把位平移到另一个把位，同时保持其音乐逻辑。 线条流畅性（Lick Construction）： 收集和解构大师的经典片段（Licks），但目的不是模仿，而是理解其背后的结构原理。如何将一个听起来很棒的Lick，快速地进行调性、节奏和音程上的调整，使其成为你自己的“词汇”。 琶音与和弦分解的即时转换： 训练你能够在听见和弦的同时，立刻在指尖上清晰、平稳地演奏出该和弦的各种分解模式，这是构建清晰旋律线的关键。 第三部分：情境化实践与风格融合（Contextual Mastery） 真正的即兴高手能够适应任何音乐环境。本部分将带领你深入特定音乐风格的“内核”。 第五章：爵士语汇的精雕细琢 爵士乐是即兴的最高殿堂。本章侧重于现代爵士乐对和声的扩展和节奏的复杂化。 和声替代（Substitution）的高级应用： 掌握三全音替代（Tritone Substitution）在属和弦中的魔力，以及如何使用降五音（b5）的音型来制造张力。 节奏的“Swing”与“Groove”： 不仅仅是节奏型，更是对时间感（Time Feel）的把握。通过大量的听觉模仿和慢速练习，内化不同时代爵士乐（从摇摆乐到后波普）特有的律动感。 旋律构建的层次感： 学习如何分配你的即兴段落，包括引子（Opening Statement）、发展（Development/Climax）和收尾（Resolution），确保你的独奏具有清晰的叙事结构。 第六章：跨风格的融合与创新 即兴的未来在于融合。掌握了基本功后，如何将这些工具应用于更广阔的音乐领域？ 布鲁斯语法的根基： 布鲁斯音阶不仅是摇滚乐的起点，也是所有现代即兴的基础。深入理解布鲁斯音阶的每一个音符在功能上的“张力点”和“释放点”。 融合流行乐与R&B的色彩： 如何在相对简单的和声进行中，通过更精细的节奏处理、更灵动的和弦外音和更具歌唱性的旋律线，来提升音乐的感染力。 即兴作曲的思维转换： 将即兴视为一种“现场创作”。学习如何在独奏的同时，像作曲家一样思考和声的走向，并为下一位独奏者铺设好舞台。 结语：持续进化的即兴者 《掌握即兴演奏》为你提供的不是终点，而是一张详尽的地图和一套可靠的导航工具。即兴是一生的旅程，它要求我们保持好奇心、持续聆听，并勇敢地犯错。本书的最终目标，是让你在音乐面前感到自由和自信，让你的乐器成为你内心声音最直接、最真实的表达媒介。 拿起你的乐器，现在就开始你的即兴对话吧！

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我是一个古典音乐背景出身的乐手，过去对爵士乐和拉丁音乐中的复杂节奏总感到束手无策，觉得那些即兴的切分和重音变化像是天书。这本书以一种极其包容和开放的态度，将不同风格的节奏元素融合在一起进行讲解。它并没有强迫你只用某一种思维模式去理解，而是展示了每一种节奏型背后的数学逻辑和听觉感受。比如，它用非常清晰的图表对比了波萨诺瓦（Bossa Nova）和古巴颂歌（Son Clave）的核心律动，并解释了它们在不同乐器组中如何相互作用。这种跨文化的节奏解析让我受益匪浅。我最欣赏的是作者没有将节奏视为孤立的元素，而是将其置于整体音乐结构中进行分析。它会让你思考，为什么在这个特定的乐句中，作曲家选择了一个反常的重音，以及这个重音对情绪表达起到了什么作用。这本书的理论性是扎实的，但它的应用性更是无与伦比。我开始尝试将这些解析方法应用到巴赫的赋格中，竟意外地发现了新的清晰度和层次感。这绝不是一本只针对某种特定乐器的书，它是所有音乐人的“节奏圣经”。

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购买这本书之前，我最大的困扰是，我能“看懂”节奏，但我无法“感觉”到节奏。我的演奏总是机械而僵硬，缺乏生命力，就像一个只会读字母表的机器。这本书的章节布局非常巧妙，它似乎是故意将最直观的“听觉感受”和最抽象的“阅读技巧”穿插在一起。我尤其喜欢那些关于“脉冲感”的讨论。作者详细区分了“表面拍子”（Surface Beat）和“深层律动”（Underlying Pulse），这一点对我来说是一个巨大的启发。我意识到我以前只是在追逐表面的音符，而忽略了音乐深处那个稳定、有弹性的核心。书中提供了一系列“身体参与练习”，比如特定的拍手和脚步动作，这些动作与乐谱上的节奏型完美对应，强迫你用身体去记忆和感受节奏，而不是仅仅依靠眼睛和大脑。这种多感官的训练方法极其有效，仅仅几周的练习，我在和乐队演奏时，那种“跟着跑”的感觉消失了，取而代之的是一种“引领”的感觉。这本书的目标不是让你读谱快，而是让你在演奏时能够自信地“掌控”时间。

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坦率地说，市面上关于节奏的书籍，很多都像是对现有知识的重新包装，读起来枯燥乏味，很快就束之高阁了。然而，这本书的叙事方式非常引人入胜，它把自己定位成一个向导，而不是一个高高在上的老师。作者似乎完全理解学习者在面对复杂节奏时的挫败感，因此他设计的每一个练习和每一个概念都有明确的“为什么”和“怎么办”。我特别喜欢它引入的“节奏模块化”思想，即将复杂的节奏分解成几个可以互换的小单元，就像乐高积木一样。一旦你掌握了这些基本单元的组合规则，任何看似全新的复杂节奏都能被迅速拆解和掌握。这种方法极大地减轻了我的学习压力，让我从“必须记住”的负担感中解脱出来，转变为“可以创造”的兴奋感。书中的案例非常多样化，从简单的流行乐循环到复杂的当代古典作品片段都有涉及，确保了所学知识的普适性。读完这本书，我感觉自己不再是那个被节奏牵着走的演奏者，而是能主动与节奏对话、甚至重塑节奏的人。它为我打开了一扇通往真正自由演奏的大门。

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这本乐理书简直是我的救星，我一直对节奏这个东西感到非常头疼，尤其是在现场演出或者和别人合奏的时候，看到谱子上那些密密麻麻的音符和休止符，我的脑子就一片空白。我试过很多方法，什么节拍器练习、听音辨音，但总感觉像是隔着一层纱，抓不住重点。这本书的开篇介绍就让我眼前一亮，它没有一开始就抛出复杂的理论公式，而是用非常形象的比喻和生动的案例来解释节奏的构成。我记得有一章讲到如何“可视化”节奏，作者提出了一种将拍子想象成一个空间框架的方法，瞬间打通了我对拍号和复杂切分音的理解。以前我觉得十六分音符和三连音是两个完全不同的世界，读完这一章，我明白了它们之间的内在联系，就像是看懂了乐谱背后的“骨架”。而且，这本书的排版和插图设计也非常人性化，不是那种冷冰冰的教科书样式，更像是一本可以随时翻阅的“武功秘籍”。我特别喜欢它提供的那些“快速反应练习”，不是那种枯燥的重复，而是设计成有趣的挑战，让你在不知不觉中提高了反应速度。这本书真正做到了“化繁为简”，让我从一个“节奏恐惧症患者”变成了一个敢于在任何场合即兴演奏的乐手。

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说实话，我对很多号称能“让你瞬间掌握”某项技能的书都抱持着怀疑态度，毕竟音乐的学习需要时间和积累。但这本关于节奏的书，确实在很大程度上颠覆了我的看法。它最绝妙的地方在于它对“预判”和“肌肉记忆”的深入探讨。作者不是简单地告诉你“要数拍子”，而是教你如何在大脑中提前构建出未来几个小节的节奏型，从而实现几乎不需要思考的流畅演奏。我记得其中一个练习是关于如何处理不规则休止符后突然出现的重音，这本书给出的方法是先将休止符视为一个“负值音符”，计算出它结束的位置，而不是被动地等待下一个音符的出现。这个思维方式的转变对我太重要了。在此之前，我总是因为休止符的长度不确定而导致跟不上节拍；现在，我能自信地填补那些空白。这本书的深度远超一般入门读物，它触及到了专业演奏者都需要反复打磨的核心技巧。它不是教你如何认识节奏符号，而是教你如何“成为”节奏本身。我敢说，任何一个在速度和准确性上遇到瓶颈的乐手，都能从这本书里找到突破口。

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