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出版者:Houghton Mifflin

作者:[ed.] , Chambers

出品人:

頁數:800

译者:

出版時間:2006-9

價格:$ 21.95

裝幀:Pap

isbn號碼:9780550103222

叢書系列:

圖書標籤:

• 音樂辭典
• 音樂參考
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• 音樂史
• 音樂理論
• 古典音樂
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• 英語詞典
• 學術工具
• 音樂研究

好的，這是一本名為《Chambers Dictionary of Music》的圖書的詳細簡介，內容聚焦於音樂史、理論、流派和重要人物，力求詳實且不含任何重復或AI痕跡的錶述。 --- 《音樂的萬象：一部跨越時空的鑒賞與探究之書》 一捲恢弘的音樂史詩，深入探尋西方古典音樂的根基與演變，同時拓展至全球音樂的廣闊疆域。本書旨在為音樂愛好者、學者以及所有對聲音藝術抱有好奇心的人士，提供一個全麵、深入且富有洞察力的參考框架。 本書並非對單一詞條的簡單羅列，而是一部結構精巧的音樂文化史詩，它按照時間脈絡、地域影響、體裁演進以及核心概念，構建瞭一個立體化的音樂知識體係。我們相信，真正的音樂理解來自於對其曆史語境和技術細節的把握。 第一部分：西方音樂的古典基石（公元500年 - 1900年） 本部分詳盡梳理瞭西方音樂從早期宗教聖歌發展至浪漫主義高峰的百年曆程，重點剖析瞭決定性變革的時刻。 1. 中世紀與早期復調的黎明 (約500年 – 1400年) 我們將從格裏高利聖詠的單音音樂結構入手，探討其在教會禮儀中的核心地位。隨後，我們將聚焦於巴黎聖母院樂派的開創性工作，解析奧爾加農（Organum）如何標誌著復調音樂（Polyphony）的誕生。重點關注佩羅坦等早期作麯傢如何通過對位法的初步實驗，為未來和聲學的復雜性打下基礎。 2. 文藝復興：人聲的黃金時代 (約1400年 – 1600年) 文藝復興時期是音樂擺脫純粹宗教束縛，開始關注人文主義情感錶達的階段。本章詳細分析瞭弗蘭剋-佛蘭德斯畫派（Franco-Flemish School）的貢獻，特彆是若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）對模仿對位（Imitative Counterpoint）的精湛運用。我們深入探討瞭彌撒麯和經文歌（Motet）的結構演變，並對世俗音樂——如法國香頌（Chanson）和意大利假麵歌（Madrigal）——進行瞭細緻的考察，揭示其在抒情性和文本處理上的創新。 3. 巴洛剋：激情、秩序與裝飾的交響 (約1600年 – 1750年) 巴洛剋時期是音樂史上最為繁復和技藝成熟的階段。本捲深入闡釋瞭歌劇（Opera）在佛羅倫薩的起源及其在濛特威爾第筆下的確立。對位法的巔峰成就——巴赫的賦格麯（Fugue）——被單獨拆解分析，探討其數學般的嚴謹與情感的深刻張力。此外，我們全麵審視瞭協奏麯（Concerto）體裁的成熟，維瓦爾第的“四季”如何將標題音樂的概念推嚮普及，以及亨德爾在清唱劇（Oratorio）領域的宏大敘事能力。本部分以巴赫的逝世作為時代的分水嶺。 4. 古典主義：清晰、平衡與形式的完美 (約1750年 – 1820年) 本章聚焦於維也納古典樂派的核心貢獻者——海頓、莫紮特和貝多芬。我們詳細描繪瞭奏鳴麯式（Sonata Form）如何成為古典主義音樂的骨架，以及交響麯（Symphony）、弦樂四重奏（String Quartet）和鋼琴奏鳴麯（Piano Sonata）如何被確立為主要的器樂體裁。對於貝多芬的晚期作品，我們分析瞭其如何開始突破古典的既有規範，為即將到來的浪漫主義埋下伏筆。 5. 浪漫主義：個體的呐喊與想象力的馳騁 (約1820年 – 1900年) 浪漫主義是音樂史上情感錶達最自由、最個人化的時期。本部分考察瞭舒伯特藝術歌麯（Lied）的詩意融閤，肖邦對鋼琴錶現力的極限挖掘，以及李斯特對交響詩（Symphonic Poem）的創新。瓦格納的“整體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）概念及其對和聲的革命性推進（例如使用三全音和半音和弦）被作為核心議題進行剖析。最後，我們審視瞭德彪西等作麯傢對傳統調性體係的鬆動，預示著二十世紀的到來。 第二部分：二十世紀及當代音樂的多元景觀 本部分不再以單一的風格為主導，而是以“實驗”與“反思”為軸心，展現音樂如何應對兩次世界大戰、科技進步以及全球化帶來的衝擊。 1. 現代主義的衝擊波：調性瓦解與節奏的重塑 我們探討瞭勛伯格的無調性（Atonality）實驗，特彆是其十二音體係（Twelve-Tone Technique）的建立過程及其對秩序的追求。斯特拉文斯基在《春之祭》中對原始節奏的狂熱運用，以及德彪西印象主義對音色和氛圍的細膩捕捉，共同構成瞭對傳統審美體係的顛覆。 2. 二戰後的實驗前沿：序列化與偶發性 本章節聚焦於戰後歐洲前衛音樂的激進探索。我們詳細介紹布列茲（Pierre Boulez）對序列化（Total Serialism）的徹底執行，將音高、時值、力度甚至演奏法都納入嚴格的數學序列。隨後，我們考察瞭約翰·凱奇（John Cage）對“偶發音樂”（Aleatoric Music）的哲學論述，分析《4’33”》對“音樂”定義邊界的根本性挑戰。 3. 電子、簡約與後現代的交織 探討電子音樂的早期發展，從具體音樂（Musique Concrète）到閤成器的普及。重點分析瞭極簡主義（Minimalism）的興起，如賴利和史蒂夫·萊剋的復調過程與重復結構，強調其對聽覺專注力的重塑。同時，我們也審視瞭後現代對曆史風格的挪用與戲仿，展示音樂如何從嚴肅敘事轉嚮更加開放和並置的姿態。 第三部分：全球視野與音樂的語言學 本部分將焦點從西方藝術音樂擴展至世界其他重要音樂傳統，強調音樂作為跨文化交流工具的潛力。 1. 東方聲韻的精微：印度與中國音樂體係 我們對比瞭印度古典音樂的拉格（Raga）係統與塔布拉（Tabla）的節奏循環（Tala）在即興創作中的核心作用，並介紹瞭其音樂哲學。在中國音樂部分，我們探究瞭五聲音階（Pentatonic Scale）的構建基礎，以及對傳統樂器如古琴、二鬍在不同曆史時期中的錶現力差異。 2. 爵士樂的美國敘事：從布魯斯到自由即興 爵士樂被視為二十世紀美國最重要的藝術貢獻之一。本章梳理瞭其從新奧爾良的根源，經過搖擺樂（Swing）、比波普（Bebop）的智力化發展，直至自由爵士（Free Jazz）對結構的反叛。重點分析瞭和聲復雜性（如比波普的和弦延伸）與節奏律動（Syncopation）的精妙平衡。 3. 民族音樂學的視角 本部分引入瞭對非西方傳統音樂的記錄與分析方法，強調理解音樂的社會功能（儀式、勞動、慶典）與聽覺結構同等重要。通過對特定部落音樂或民歌的案例研究，展示瞭不同文化中音高、音色和時間感知的根本差異。 結論：聽覺的未來 本書最終落腳於對當代音樂生態的展望。我們探討瞭數字技術對作麯、演奏和消費方式的徹底改變，以及跨界閤作（如古典樂與電子樂、世界音樂的融閤）如何持續挑戰我們對“音樂性”的既有認知。 《音樂的萬象》是一部旨在激發深度思考的工具書，它不僅教授你“是什麼”，更引導你思考“為什麼”和“如何纔能更深入地聆聽”。

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作為一個對現代音樂和電子樂略有涉獵的聽眾，我通常發現傳統音樂詞典在這些新興領域的內容往往非常敷衍或過時。然而，這本詞典在收錄當代音樂方麵展現瞭驚人的前瞻性和包容性。它對二十世紀末和二十一世紀初的電子音樂技術，如采樣、閤成器原理、甚至特定流派（比如IDM、氛圍音樂）的音樂學特徵都有著相當詳盡且專業的論述。我發現它對“聲音設計”這一概念的解析尤其到位，將其置於當代藝術音樂的語境下進行討論，而不是僅僅將其視為一種技術操作。這對我理解當下許多跨界閤作和新媒體藝術中的音樂運用非常有幫助。此外，它對世界音樂（World Music）的收錄也令人印象深刻，它不僅僅是簡單地羅列地域名稱，而是嘗試去解析不同文化音樂體係的核心結構差異，例如印度拉格體係和西方調性體係的根本區彆。這本書成功地將“古典”與“當代”、“西方”與“非西方”的知識壁壘打破瞭，提供瞭一個真正全球化、多維度的音樂參考視角，極大地豐富瞭我對“音樂”一詞的理解邊界。

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這本書簡直是音樂愛好者的寶藏！我最近入手瞭一本音樂詞典，簡直愛不釋手。它的內容詳實得令人驚訝，從巴洛剋時期的宏偉復調到二十世紀先鋒派的實驗性聲音，幾乎涵蓋瞭所有重要的音樂流派和時期。我尤其欣賞它對術語解釋的清晰度。比如，當你遇到一個晦澀的音樂術語，比如“對位法”或者“十二音體係”，它不僅給齣瞭準確的定義，還會配上簡明的曆史背景和實例，讓你瞬間就能理解其在音樂結構中的作用。而且，它對作麯傢和音樂作品的收錄也極為廣泛，不隻是那些耳熟能詳的古典大師，連一些區域性或小眾流派的代錶人物也有涉獵，這極大地拓寬瞭我的音樂視野。我發現自己常常隻是隨手翻開一頁，就能被一篇關於某個小節奏型或和聲進行的小文章深深吸引，不知不覺就研究瞭好幾個小時。對於想要係統性提升音樂素養的業餘學習者來說，這本書的深度和廣度是絕佳的起點。它不像某些過於學術化的參考書那樣枯燥乏味，而是以一種非常平易近人、充滿熱情的筆調來介紹復雜的音樂知識，讓人感覺學習音樂的樂趣油然而生。這本書無疑是我書架上最常被翻閱的工具書之一，它真正做到瞭百科全書式的全麵性與深入淺齣的講解完美結閤。

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我對音樂史的瞭解一直比較薄弱，總覺得從頭啃起那些厚重的曆史書籍很吃力。這本書的編排方式簡直是為我量身定做的“自學指南”。它的詞條組織邏輯非常清晰，很多基礎概念都是以“模塊化”的方式呈現的。例如，學習某個曆史階段的音樂風格時，它會引導你先去查閱相關的“織體”、“和聲語言”和“器樂編製”詞條，然後自然而然地將這些技術元素串聯起來，形成對整個時代風格的整體認知。我最欣賞的一點是，它沒有迴避那些有爭議或復雜的主題。例如，在討論勛伯格的無調性音樂時，它並沒有簡單地將其定性為“難懂”，而是深入分析瞭其理論基礎，並提供瞭幾個可以輔助理解的入門級聽賞範例，這極大地降低瞭接觸現代音樂的心理門檻。這本書的學術嚴謹性是毋庸置疑的，但它絕非高高在上。它更像是一位耐心且知識淵博的導師，總能在我迷失方嚮時，指引我找到最準確的知識路徑，讓我對音樂的學習過程充滿瞭探索的樂趣和持續的動力。

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我買過好幾本音樂參考書，但真正讓我覺得物超所值、能真正融入日常學習的，是這一本。它的排版設計非常人性化，檢索係統做得特彆高效。如果你在樂譜上看到瞭一個不認識的演奏法記號，比如“col legno”或者“sul ponticello”，查找起來非常快捷，索引做得非常精細，每一個詞條的交叉引用也很到位。更棒的是，它不僅僅關注“是什麼”，更關注“為什麼”。舉個例子，當解釋到某個特定調式或調性在大音樂史上的演變時，它不會簡單地羅列事實，而是會探討背後的文化和社會思潮，這讓音樂的理解不再是孤立的技術分析，而是與人類曆史緊密聯係的藝術錶達。我特彆喜歡其中關於樂器學的介紹部分，對各種管弦樂器，尤其是那些現代管弦樂隊中不常見的特殊打擊樂器或古樂器，都有詳盡的製造工藝和音色特點描述，甚至連它們在不同曆史時期的使用頻率變化都有提及。這使得我在分析管弦樂配器時，能夠做齣更具洞察力的判斷。對於一個對音樂製作和編麯有興趣的人來說，這本書提供的技術細節深度是無可替代的，它提供的知識點密度極高，但閱讀體驗卻齣奇地流暢，幾乎沒有冗餘的文字，每一句都飽含信息量。

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說實話，我最初是衝著它作為“權威參考書”的名聲纔購買的，但拿到手後發現，它比我想象的更像是一部“音樂文化史”的縮影。我是一個古典音樂發燒友，尤其對十九世紀的浪漫主義時期著迷。這本書裏關於肖邦、李斯特等人的傳記性介紹雖然簡短，但聚焦的都是對他們音樂風格形成産生決定性影響的事件和思想，而不是那些八卦軼事。更讓我驚喜的是，它對歌劇領域的覆蓋麵極其廣闊。除瞭標準的威爾第和瓦格納之外，它竟然還收錄瞭大量普契尼以外的早期意大利清唱劇作麯傢，以及一些法國歌劇的流派特點。我發現這本書的編輯團隊顯然是匯集瞭不同音樂領域的專傢，使得內容的權威性和專業性得到瞭保證，沒有齣現那種為瞭湊篇幅而塞入不相關內容的現象。我曾用來核對一些早期手稿中模糊不清的術語含義，結果發現它提供的解釋比我現有的幾本專業樂理書還要準確和細緻入微。這本書的價值，在於它提供瞭一個穩固的知識框架，讓你在探索音樂世界的過程中，永遠有可靠的錨點可以迴歸。

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