Continuum Encyclopedia Of Popular Music Of The World, Part Two pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Continuum International Publishing Group

作者:Shepherd, John (EDT)/ Laing, Dave (EDT)

出品人:

页数:1504

译者:

出版时间:2005-05-15

价格:USD 1080.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780826474360

丛书系列:

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《世界流行音乐百科全书：第二部分》内容概述 本卷《世界流行音乐百科全书：第二部分》深入探讨了全球流行音乐发展史上承上启下的关键时期与关键流派，尤其侧重于20世纪中叶至21世纪初，音乐产业结构、技术革新与文化融合如何重塑了“流行”的定义。本书旨在提供一份详尽且多维度的参考，梳理了从战后初期到数字时代的音乐脉络。 第一部分：战后重建与摇滚乐的崛起（约1945-1969年） 本部分详尽考察了第二次世界大战结束后，全球社会结构变动如何催生了全新的青年文化与音乐形式。 1. 蓝调与R&B的演进： 深入分析了美国南方蓝调音乐（Delta Blues, Chicago Blues）如何通过电气化和城市迁移，演变为节奏更强劲、更具商业潜力的节奏布鲁斯（R&B）。重点探讨了Muddy Waters, Howlin' Wolf等关键人物对后世摇滚乐结构的影响，以及早期R&B如何开始渗透主流白人听众群体。 2. 摇滚乐的爆炸性诞生： 详细剖析了摇滚乐（Rock and Roll）在1950年代初的起源，聚焦于其根源——乡村音乐、福音音乐、爵士乐和R&B的复杂交汇。本书不满足于表面叙述，而是细致描绘了Sun Records、Chess Records等关键唱片公司在塑造早期摇滚偶像（如Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard）过程中的作用。同时，也探讨了早期摇滚乐在美国社会中引发的道德恐慌与种族议题的交织。 3. 英国入侵与跨大西洋对话： 专门章节论述了1960年代初“英国入侵”（British Invasion）的现象。不仅仅是简单介绍披头士（The Beatles）和滚石乐队（The Rolling Stones），而是考察了英国音乐人如何吸收美国蓝调和R&B的养分，并以一种全新的、更具侵略性的姿态反哺美国市场，从而引发了全球性的音乐革命。这部分内容也细致对比了英国流行音乐（Pop）与硬摇滚（Hard Rock）的早期发展轨迹。 4. 民谣复兴与社会抗议： 探讨了1960年代中期民谣（Folk Music）的复兴浪潮，尤其是在美国，Bob Dylan等词曲作者如何将严肃的社会政治评论融入到流行的音乐结构中，使其成为反战运动和民权运动的“官方”配乐。分析了民谣音乐的“电气化”争议，及其对后世创作歌手模式的影响。 第二部分：实验、分化与重金属的诞生（约1970-1980年代初） 本部分关注音乐风格的极端化、专辑概念的成熟以及唱片工业的繁荣与固化。 1. 前卫摇滚与华丽摇滚： 描述了1970年代初，摇滚乐开始追求艺术性和宏大叙事的趋势。详细分析了前卫摇滚（Progressive Rock）如何借鉴古典音乐和爵士乐的复杂结构，如Pink Floyd, Genesis的专辑叙事技巧。同时，华丽摇滚（Glam Rock）部分着重分析了David Bowie, T. Rex等人如何利用性别模糊的视觉形象，将音乐表演提升到一种舞台艺术的高度。 2. 重金属的工业化： 深入剖析了重型音乐（Heavy Metal）如何从早期布鲁斯摇滚中分离出来，成为一个独立的、技术要求更高的流派。详细考察了Black Sabbath, Led Zeppelin等奠基者如何运用更低的音高、更重的失真和更复杂的即兴演奏，形成了最初的重金属范式。 3. 放克（Funk）与迪斯科（Disco）的兴起： 本章节对比分析了非裔美国音乐在70年代的两个主要分支。放克部分着重于James Brown对节奏的解构和重构，强调“鼓点即旋律”的理念，以及Parliament-Funkadelic对未来电子音乐的间接影响。迪斯科部分则侧重于其作为一种特定俱乐部文化载体的社会功能，分析了其结构（如持续的四四拍）如何为后来的电子舞曲奠定了基础，并探讨了其在商业上的巨大成功与后来的“迪斯科毁灭之夜”事件所反映的文化冲突。 4. 朋克（Punk）的纯粹反叛： 论述了朋克摇滚作为对70年代中后期摇滚乐“臃肿化”的反动。重点分析了纽约（The Ramones）和伦敦（Sex Pistols, The Clash）朋克的差异，前者更侧重于极简主义的音乐结构，后者则更直接地承载了社会经济的愤怒。朋克对DIY（自己动手）美学和独立唱片运作模式的推广，在本卷中占据了重要篇幅。 第三部分：新浪潮、MTV时代与嘻哈的崛起（约1980-1990年代中叶） 本部分集中于音乐制作技术的民主化、视觉媒体对音乐消费的统治性影响，以及嘻哈文化如何从边缘走向全球中心。 1. 新浪潮与合成器的普及： 考察了朋克精神在商业化和技术革新下的演变，即“新浪潮”（New Wave）。分析了合成器（Synthesizers）和鼓机（Drum Machines）如何成为80年代流行音乐的核心元素，并详细介绍了Duran Duran, The Police, Eurythmics等乐队如何将冷峻的电子音色与流行旋律完美结合。 2. MTV革命与音乐录影带： 专门章节聚焦于音乐电视网（MTV）的诞生及其对音乐产业的根本性改变。讨论了音乐录影带如何使视觉形象与音乐本身同等重要，以及Michael Jackson, Madonna等艺术家如何利用这种新媒介，创造出跨越种族和流派的超级巨星。 3. 嘻哈文化的成熟与商业化： 细致描绘了嘻哈音乐（Hip Hop）从纽约布朗克斯区的街头艺术形式，如何演变为全球性的商业力量。本部分对比分析了黄金年代（Golden Age）的复杂性，包括东海岸的叙事技巧（如Public Enemy的政治激进）和西海岸G-Funk的流畅律动（如Dr. Dre）。同时也探讨了采样技术（Sampling）的法律和艺术争议。 4. 另类摇滚（Alternative Rock）的爆发： 深入分析了1990年代初，由西雅图发源的垃圾摇滚（Grunge）如何终结了80年代的浮华。重点关注Nirvana等乐队如何将朋克的原始能量与深沉的焦虑感结合，成功地将“另类”音乐推上了主流舞台，并分析了这一转变对当时摇滚乐生态的清洗效应。 第四部分：全球化、数字革命与流派的模糊化（约1990年代末至今） 本部分关注音乐制作工具的数字化转型，以及不同音乐类型之间界限的日益模糊。 1. 电子舞曲（EDM）的全球扩散： 追溯了浩室（House）和科技舞曲（Techno）在芝加哥和底特律的起源，随后分析了它们如何在欧洲特别是英国（Rave文化）和德国得到异化和专业化发展。探讨了DJ文化如何从幕后技术人员转变为音乐表演的主导力量。 2. 流行音乐的后现代结构： 分析了千禧年之后，流行音乐越来越依赖于复杂的数字音频工作站（DAW）技术进行制作。探讨了布兰妮·斯皮尔斯（Britney Spears）、后街男孩（Backstreet Boys）等“流行偶像”是如何通过高度精细化的制作和市场策略，实现了对全球青少年的统一影响。 3. 独立音乐场景的互联网重塑： 考察了互联网和MP3格式对传统唱片公司的冲击。分析了独立艺术家如何利用在线平台（如Napster, MySpace后期的Bandcamp）绕过传统中间商，直接接触听众，并探讨了这种去中心化对“热门歌曲”定义的影响。 4. 流派融合与跨界合作： 本卷的终结部分总结了当代音乐的显著特征：流派的界限日益模糊。详细描述了当代嘻哈与R&B的持续主导地位，以及电子音乐元素如何渗透到乡村音乐、拉丁音乐（如Reggaeton的全球化）等看似不相关的领域，标志着流行音乐进入了一个高度混杂、即时反馈的时代。 本书通过对技术变迁、文化语境和关键人物的深度剖析，为读者构建了一幅从战后单声道收音机到流媒体算法推荐的全球流行音乐全景图。

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作为一名资深的发烧友，我对这类百科全书往往抱有一种矛盾的心态：既希望它涵盖得越全越好，又担心为了追求广度而牺牲了深度。但这本书在这方面做得相当平衡。它并未将目光局限于欧美主流市场，而是将大量的篇幅分配给了全球范围内的音乐现象。举例来说，书中对八十年代日本 City Pop 现象的论述，其详尽程度甚至超过了我读过的几本专门介绍该流派的书籍。它不仅分析了山下达郎、竹内玛利亚等标志性人物的作品，还探讨了当时日本经济泡沫背景下，这种融合了 AOR、放克和爵士元素的音乐是如何成为一种社会心理投射的载体。这种跨文化的深度挖掘，真正体现了“世界流行音乐”的宏大视野。我发现自己通过这本书，开始重新审视一些过去被我简单归类为“地方特色”的音乐，重新认识到它们在全球流行音乐网络中的连接点和影响力。如果说有什么可以挑剔的，那就是某些新兴的、在近五年内才爆发的数字音乐流派，可能因为出版时间的原因，覆盖得还不够详尽，但这对于一本已经如此全面的历史梳理性著作来说，已属吹毛求疵了。

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这本《世界流行音乐大百科全书》的第二卷，实在是让我这个业余音乐爱好者欣喜若狂。我一直觉得流行音乐的研究和梳理，远比古典音乐要碎片化得多，各种流派、人物、历史事件都散落在无数的小册子、杂志特刊或者网络论坛里，想要建立一个系统的认知框架简直是痴人说梦。然而，这本书就像是为我搭建了一座坚实的桥梁。它的编排逻辑极其清晰，即便是跨越不同年代和地域的音乐风格，也能找到其内在的脉络和相互影响的路径。比如，书中对七十年代英国朋克运动的剖析，不仅仅停留在 Sex Pistols 和 The Clash 的表面现象，更是深入挖掘了当时的社会经济背景，以及这种音乐是如何从地下场景一步步渗透到主流文化，最后又如何催生出后来的新浪潮（New Wave）的。阅读过程中，我常常会停下来，拿出耳机去重温那些被提及的专辑，那种“原来如此”的恍然大悟感，是单纯听歌或看纪录片无法替代的。特别是关于一些地域性极强的流派，比如南美洲的 Cumbia 音乐如何与电子乐进行融合，书中提供了非常详尽的案例和关键人物的访谈摘录，让原本在我认知中模糊不清的音乐概念变得鲜活立体起来。这本书的价值在于它不仅记录了“是什么”，更解释了“为什么会是这样”，对于任何想认真对待流行音乐史的读者来说，都是一本不可多得的工具书和启发之源。

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这本书最让我震撼的，是它对“流行”这个概念的重新定义。在很多人眼中，“流行”似乎带有某种短暂、肤浅的意味，但通过这部百科全书的梳理，你会清晰地看到，那些最终被历史沉淀下来的流行音乐，无一不是在特定的历史语境下，对人类情感和社会思潮做出了深刻而精准的回应。它不仅仅罗列了热门单曲，而是深入探究了这些音乐是如何成为特定一代人集体记忆的载体。我最享受的部分是它对音乐家个人创作哲学和商业考量的辩证分析。例如，书中对一些转型失败的艺人的分析，绝非简单的道德评判，而是从市场接受度、艺术自我坚持与妥协的艰难抉择等多个维度进行了剖析，使得人物形象丰满立体，充满了人性的挣扎。这本书的作者团队显然具备极高的专业素养和人文关怀，他们对待流行音乐的态度，如同对待任何严肃的艺术门类一般尊重和审慎。可以说，阅读完这本书，我对流行音乐的理解层面得到了质的飞跃，它让我看到了隐藏在动感节奏和抓耳旋律之下的，是宏大且复杂的人类文化史的缩影。

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我得说，这本书的排版和装帧质量，完全对得起它厚重的分量和内容深度。拿到手的时候，那种沉甸甸的感觉就预示着这不是一本可以随便翻阅的“速食”读物，它需要你投入时间和专注力去消化。字体选择上，虽然内容信息量巨大，但排版师显然在易读性上下足了功夫，行距和字号都拿捏得恰到好处，即便长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。更让我惊喜的是，它在描述复杂的音乐结构或历史沿革时，经常会穿插一些高质量的黑白照片或者档案资料的扫描件，这些视觉辅助极大地增强了代入感。我尤其欣赏它在处理特定音乐流派的“演变树”时所用的图表设计——那些互相交织、分叉又重新汇合的线条，把原本复杂的时间线梳理得一目了然。我拿它对比了我之前收藏的几本音乐词典，它们大多只做概念解释，而这本书则更像是一部精心绘制的“音乐地图集”。对于那些追求学术严谨性，但又害怕传统教科书过于枯燥的读者来说，这本书无疑找到了一个绝佳的平衡点。我甚至开始期待它的印刷商是否会推出一个带有索引和交叉引用功能的电子版，尽管我更偏爱纸质书带来的翻阅体验，但如此庞大的资料库，数字化无疑会提供更高的检索效率。

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老实讲，这本书的阅读体验是需要“耐力”的。它绝不是那种可以带着咖啡，在沙发上轻松消遣的闲书。它的结构和内容密度，更像是需要你拿着荧光笔，在安静的书房里进行一场学术考察。我特别喜欢它在描述某位音乐人或乐队的风格转变时，所采用的对比分析手法。比如，在讨论电子舞曲（EDM）从九十年代的地下 rave 文化过渡到两千年代大型音乐节主流化的过程中，作者精准地抓住了核心的制作技术变化——比如采样率的提升、合成器音色的迭代——来解释文化接受度的变化。这种将艺术形式与技术发展紧密结合的论述方式，对我这个也略懂一些音乐制作的人来说，提供了极大的智力满足。我甚至将它作为我个人学习音乐史的“参考圣经”，每当我对某个历史时期或流派产生新的疑问时，我都会先翻阅这本书，它总能提供一个扎实、有力的基准点来验证我的理解是否准确。这是一部可以伴随我多年，不断重读和参照的巨著，它的信息价值会随着时间的推移而愈发凸显，而不是随着新专辑的发布而贬值。

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