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出版者:Ashgate Pub Co

作者:Simon Emmerson

出品人:

页数:214

译者:

出版时间:2007-06-28

价格:USD 34.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780754655480

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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《电子音乐的生存法则》 导语：在声音的迷宫中，我们寻找脉搏 音乐，从来不只是旋律与节奏的堆砌，它更是一种生存的姿态，一种与时代共振的语言。而电子音乐，作为二十世纪末至今最富生命力的音乐形式之一，它的诞生与演进，本身就书写了一部关于创造力、科技、文化碰撞与个体挣扎的史诗。《电子音乐的生存法则》并非一本冰冷的音乐技术手册，也不是一套晦涩的理论阐述。它是一次深入的探索，试图揭示在瞬息万变的电子音乐浪潮中，那些不被大众所知的挑战、机遇，以及孕育出伟大作品的内在逻辑。本书将引导读者走进电子音乐的幕后，触碰那些塑造了我们听觉体验的灵魂，理解其得以蓬勃发展的“生存法则”。 第一章：信号的起源：从实验室到舞池的漫长旅程 电子音乐的基因，深植于人类对声音的无限好奇与对科技的孜孜以求。本章将追溯电子音乐的萌芽，从早期声音合成器的发明，如Theremin、Ondes Martenot，它们开启了声音操控的新纪元；到Musique concrète（具体音乐）的实验，将现实世界的声响碎片化、重组，挑战着音乐的定义；再到早期电子音乐工作室（如德国的WDR电子音乐工作室）的先行者们，他们如炼金术士般，在磁带机和早期合成器中挖掘声音的潜能。我们会探讨这些技术革新如何打破了传统乐器的束缚，为音乐家提供了前所未有的创作工具，并为日后电子音乐的百花齐放奠定了基石。我们将不仅仅关注技术本身，更会深入理解那个时代艺术家们的视野与勇气，他们是如何在陌生的音响世界里，找到自己的声音坐标。 第二章：风格的基因图谱：多元宇宙的形成 电子音乐并非一个单一的实体，它更像是一个不断扩张的宇宙，孕育出无数奇形怪状的星系。本章将系统地梳理电子音乐的主要风格分支，从Techno的工业脉动，House的灵魂律动，Trance的梦幻漂浮，到Ambient的静谧冥想，Drum & Bass的急速冲击，Dubstep的低频轰鸣，再到各类实验电子音乐的边界拓展。我们将深入分析每种风格的形成背景、核心美学、代表人物及其音乐的结构特点，解析它们如何在特定的文化语境和社会需求下诞生，又如何在彼此的影响与融合中不断演化。这不是简单的风格罗列，而是对电子音乐DNA的解构，理解不同风格之间的联系与区别，以及它们如何共同构建起电子音乐丰富多元的图景。 第三章：创作者的肖像：科技与艺术家的对话 电子音乐的生命力，最终体现在那些充满激情的创作者身上。本章将聚焦于电子音乐领域的关键人物，他们不仅仅是音乐家，更是革新者、探险家和声音的诗人。我们会讲述Kraftwerk如何以其机器人式的精准和对科技的先知洞察，奠定了电子流行乐的基础；Juan Atkins、Derrick May、Kevin Saunderson（ Belleville Three）如何将底特律的工业灵魂注入Techno的骨血；Frankie Knuckles如何用House音乐点燃芝加哥的夜晚；Aphex Twin如何用他难以捉摸的实验精神挑战听众的认知极限。我们将通过他们的创作故事、技术实践和艺术理念，展现他们在创作过程中所面临的技术挑战、市场压力以及如何坚持个人风格的独立思考。理解这些创作者，就是理解电子音乐的灵魂所在。 第四章：声音的炼金术：创作工具与技术的演进 音乐的生产过程，是技术与创造力交织的艺术。本章将深入探讨电子音乐创作中至关重要的技术层面。我们将回顾早期模拟合成器的特性与局限，以及它们如何塑造了音乐的音色；深入了解采样技术如何颠覆了音乐创作的流程，使得历史的回声与当下创造力得以结合；探讨数字音频工作站（DAW）的兴起，如何让音乐创作变得更加便捷高效，也带来了新的创作困境。我们将讨论MIDI协议的重要性，以及它如何连接了不同的电子乐器和软件。此外，我们还会触及混音、母带处理等后期制作的关键环节，解析它们如何影响最终的听觉体验。本书将以一种通俗易懂的方式，解开电子音乐制作的神秘面纱，让读者了解每一个动听的音符背后，都凝聚着怎样的技术智慧。 第五章：市场的漩涡：独立、商业与地下脉搏 任何艺术形式的生存，都离不开其生存的环境。电子音乐，尤其是在早期，很大程度上是与主流商业市场并行发展，甚至形成对立的。本章将剖析电子音乐在商业市场中的生存策略。我们将探讨地下俱乐部和独立音乐厂牌（如Warp Records, R&S Records）在电子音乐发展中的关键作用，它们如何为艺术家提供了表达的空间和支持，并在商业浪潮中保持艺术的纯粹性。同时，我们也会审视电子音乐如何逐渐被主流市场接纳，以及这种接纳带来的机遇与挑战。从DJ文化的发迹，到大型音乐节的兴盛，再到电子音乐元素被融入流行音乐，我们将分析这些商业化的进程如何影响电子音乐的创作方向、传播方式以及其社会影响力。理解电子音乐的市场运作，是理解其“生存法则”不可或缺的一部分。 第六章：文化的交响：电子音乐的社会身份与意义 电子音乐从来都不是真空中的产物，它深深根植于社会文化之中，并反过来塑造着文化。本章将探讨电子音乐的社会意义和文化身份。我们将分析电子音乐如何与特定亚文化（如朋克、嘻哈、迪斯科）产生联系，又如何发展出自己独特的社群。我们将审视电子音乐在特定历史时期所承载的政治、社会信息，以及它如何成为反叛、解放和身份认同的载体。从柏林墙倒塌后的Techno文化，到 Rave 运动的兴起，再到当下电子音乐在全球范围内的普及，我们将分析电子音乐如何在不同的社会语境中扮演独特的角色。此外，我们还将探讨电子音乐的听众群体，他们如何通过音乐建立联系，分享经验，形成一种特殊的社群文化。 第七章：未来的回响：技术、艺术与无限可能 电子音乐的旅程仍在继续，技术日新月异，艺术家的想象力永无止境。本章将展望电子音乐的未来发展趋势。我们将关注人工智能在音乐创作中的应用，以及它将如何改变我们的创作方式；探讨沉浸式音频技术（如3D音频、VR音乐）将如何为听觉体验带来革命性的变化；分析新兴的电子音乐风格和跨界合作将如何继续拓展音乐的边界。我们还将思考在日益碎片化的信息时代，电子音乐如何继续保持其连接人心的力量，以及未来的电子音乐创作者将面临怎样的挑战与机遇。本章将以一种开放的姿态，鼓励读者去想象和参与电子音乐的未来，因为它的“生存法则”，永远是关于向前探索的勇气和对声音的不懈追求。 结语：声音的生生不息 《电子音乐的生存法则》并非为某个特定群体设计的指南，它希望成为所有对声音、对创新、对文化充满好奇心的人们的引路人。电子音乐的生存，是科技与艺术的共舞，是理想与现实的博弈，是孤独探索与社群联结的融合。它教会我们，在不断变化的世界里，保持敏感，拥抱未知，用声音去表达，用创造去回应。它让我们明白，真正伟大的音乐，其生命力不在于其是否迎合潮流，而在于它能否触及人内心深处最真挚的情感，并引发持久的回响。希望本书能带您领略电子音乐波澜壮阔的图景，并在您自己的创作或聆听旅途中，找到属于您的那份“生存法则”。

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这本关于电子音乐的书籍，最让我惊喜的是它对“噪音”和“非音乐性声音”在当代艺术中的合法性探讨。作者并没有将电子音乐的审美标准局限于传统的“悦耳”范畴，而是勇敢地拥抱了那些挑战听觉习惯的元素。关于合成器反馈、随机性算法以及系统故障美学的分析，为理解后现代音乐思潮提供了绝佳的切入点。它引导读者去思考，在数字时代，我们如何重新定义“和谐”与“结构”。书中引用的那些晦涩难懂的实验音乐家的宣言，虽然初看可能令人费解，但经过作者的导读，竟能让人感受到一种破茧而出的解放感。它鼓励听众放开预设的耳朵，用更开放、更具批判性的态度去接纳声音的全部光谱，从最纯净的正弦波到最粗粝的数字失真，无所不包。

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这部作品简直是一场声音的探险，将电子音乐的脉络梳理得如此清晰而又充满灵性。我尤其欣赏作者对早期合成器技术的深入剖析，那种对手工调制和模拟电路的敬畏之情溢于言表。它不仅仅是罗列技术名词，更像是在讲述一段段关于电波、振荡器和滤波器诞生的史诗。书中对Musique Concrète的先驱们如何打破传统音乐的藩篱，用日常声音进行艺术重构的描述，让我对声音的边界有了全新的认识。阅读过程中，我仿佛能闻到那些老旧电子管散发出的微弱热量，感受到磁带编辑时指尖的细微颤动。作者的笔触细腻，将复杂的声学原理转化为可以触摸的感官体验，即便是对技术不太熟悉的读者，也能从中领略到早期电子音乐制作人的那份纯粹的、近乎炼金术般的痴迷。它构建了一个坚实的技术和历史基石，让人明白每一段电子音符背后，都蕴含着多少次实验与失败的迭代。

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坦白说，初捧此书时，我略有疑虑，担心它会沦为一本枯燥的教科书，充斥着大量的乐理分析或晦涩难懂的符号系统。然而，作者以其高超的叙事技巧，成功地将看似冰冷的电子音乐创作流程，转化为一场充满戏剧性的艺术创作之旅。书中那些关于作曲家如何在有限的硬件条件下，逼迫机器发出前所未闻之声的轶事，简直引人入胜。它没有过度渲染“天才”的光环，而是着重描绘了创作过程中的“工匠精神”——那些夜以继日的调试、对特定失真效果的执着追求，以及如何通过微小的参数调整来撬动整个声音景观的哲学思考。这种对创作过程细节的尊重和再现，极大地提升了本书的阅读价值，让读者感觉自己不是在看历史回顾，而是亲身参与了一场场声音的“革命”。

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这本书在探讨当代电子音乐流派的演变时，展现了一种近乎人类学的洞察力。它没有止步于简单的风格分类，而是深入挖掘了不同文化背景和社会思潮如何塑造了Techno、House乃至IDM等流派的内在精神。特别是关于城市化进程和科技发展对舞曲文化影响的论述，非常发人深省。作者精准地捕捉到了Club文化从地下反抗到全球商业现象转变过程中的微妙张力，那种既拥抱技术进步又警惕文化被稀释的复杂情绪，被刻画得淋漓尽致。我特别喜欢它对非西方电子音乐场景的关注，这打破了主流叙事中“电子音乐发源于西欧或美国”的固有观念，展现了声音在全球范围内的去中心化创造力。读完后，我对那些反复出现的律动不再只是物理上的跟随，而是理解了它们作为特定社群的身份宣言和情感载体的重要性。

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从排版和装帧设计来看，这本书也流露出对电子美学的深刻理解。简洁、清晰的布局，偶尔穿插的早期设备电路图或抽象的波形图，视觉语言本身就在呼应着书中所讨论的主题——秩序与混乱的辩证关系。阅读体验是极其流畅的，它巧妙地平衡了学术深度与大众可读性，避免了陷入纯粹的学院派论述的泥潭。如果说有很多电子音乐的书籍是冰冷的技术手册，那么这本更像是一封写给声音爱好者的情书，饱含着对未来声音形态的无限憧憬，同时也深深植根于过去的技术探索之中。它成功地搭建了一座桥梁，连接了那些沉浸在硬件操作台前的工程师和追求极致听觉体验的听众，让双方都能在其中找到共鸣和新的启发点，绝对是近期阅读中最具启发性和耐读性的作品之一。

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