具体描述
Acclaimed through three editions for its uniquely informative and entertaining style, this fourth edition of Stanley Green’s World of Musical Comedy updates and enlarges the theatrical scope to include such recent shows as A Chorus Line, Barnum, They’re Playing Our Song , and Annie . In a format that provides biographies of all the leading figures in the musical’s development, Stanley Green manages to convey the spirit of the Broadway stage, its musical make-believe, and yet remain objective about the creative swings in its history and the careers of its individual creators. Everyone is here: Victor Herbert, Sigmund Romberg, Jerome Kern, Irving Berlin, Rodgers and Hart, the Gershwins, Cole Porter, Harold Arlen, Frank Loesser, Lerner and Loewe, Stephen Sondheim, Cy Coleman, Marvin Hamlisch, and many othersnot in a quick run-through but in vivid detail accompanied by pertinent interviews and photographs.This latest edition contains an expanded appendix that lists the casts, credits, songs, and recordings of every Broadway musical written by these illustrious and industrious composers and librettists. As always in a Stanley Green book, the research is exhaustive and impeccable, the presentation enjoyable, the judgments fair. From America’s foremost theater historian, here is another edition of a classic theater chronicle.
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读后感
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用户评价
这本书最让我感到震撼的，是它对“地方性”与“全球性”之间张力的深刻剖析。作者没有将美国音乐喜剧的发展视为一个孤立的演变过程，而是花了大量篇幅去探讨欧洲轻歌剧、巴黎浮士德歌剧以及日本的“浪花节”等地域性艺术形式是如何潜移默化地影响了美国本土的创作土壤。他细致地对比了不同文化背景下，观众对“荒谬感”的接受度差异，从而解释了为什么某些在芝加哥大获成功的笑料，在波士顿却无人问津。这种跨文化的比较视角，极大地提升了本书的学术价值和广度。读完之后，我不再仅仅将音乐喜剧视为一种单纯的娱乐形式，而是将其看作是特定社会群体在特定历史节点，对自身文化焦虑和集体身份认同的一种复杂回应。这本书迫使我重新审视许多被视为“理所当然”的喜剧传统，并开始用一种更加全球化和人类学的眼光去审视舞台上的每一个欢笑背后所蕴含的深刻文化意义。
评分我得说，这本书的结构安排简直是鬼斧神工，它没有采用传统的“按时间线索”的编年史写法，而是另辟蹊径，采用了“主题群落”的划分方式。比如，有一整个章节专门聚焦于“舞台灯光如何塑造喜剧节奏”，这部分内容极其专业，详细解析了从煤气灯到钨丝灯再到彩色滤光片的发明，是如何直接影响了喜剧演员的肢体表演和观众的笑点捕捉时机的。我尤其欣赏作者对于“音效设计”与“笑料递进”之间关系的探讨。他举了大量具体的例子，分析了在特定历史时期，什么样的音效（比如木鱼声、突然的铜管乐爆发）能够最有效地引发观众的集体共鸣。读到这一部分时，我立刻脑海中浮现出好几部经典默片时代喜剧桥段的画面，发现原来我们现在习以为常的许多喜剧手法，其根源可以追溯到一百多年前舞台上的那些细微调整。这种从技术层面解构艺术效果的处理方式，非常新颖，极大地拓宽了我对“音乐喜剧”边界的认知，它绝不仅仅是唱歌跳舞那么简单，更是一门精密的工程学。
评分这本书的文字风格变化莫测，这一点让我爱不释手。有时候，作者会突然切换到一种非常冷静、近乎冷酷的学术分析模式，尤其是在讨论知识产权和早期剧本版权灰色地带的章节时，那段落的论证逻辑严密到让人无法反驳，充满了法律条文般的精确性。然而，紧接着下一页，他可能又会插入一段极其私人化的访谈记录的片段，可能是某个早已被遗忘的二线作曲家对其创作困境的喃喃自语，那些句子充满了破碎感和未竟的遗憾。这种在宏大叙事与微小个体情感之间的快速跳跃，使得阅读体验充满了张力。我感觉自己像是在一个巨大的博物馆中穿行，时而被宏伟的雕塑所震撼，时而又被角落里一个不起眼的小物件所吸引，驻足良久。尤其是那些关于剧作家们如何在审查制度的夹缝中求生存的描写，那种文字中流露出的机智和无奈，简直让人拍案叫绝。
评分这本书的配图和附录部分，简直是送给骨灰级爱好者的饕餮大餐。我原以为这只是一本纯文字的论述，没想到每一章节后面都附有详尽的、高质量的扫描件。我仔细研究了其中几页十九世纪末期演出剧目的手绘宣传单，那些插图的风格夸张而大胆，色彩的搭配至今看来都毫不逊色于现代的波普艺术。更有价值的是，作者搜集了一些早期音乐总谱的残页，虽然我并非专业乐理人士，但光是看到那些密密麻麻的手写批注和删改痕迹，就能感受到创作者打磨一个笑点或一个高音时付出的巨大心血。这些视觉资料不再是简单的点缀，它们是历史的直接物证，使得书中的所有论点都有了坚实的视觉支撑。我花了好几天时间，只是沉浸在这些附录中，试图解读那些模糊的铅笔字，那种考古般的体验，比阅读正文本身带来的满足感更加深沉和持久。
评分这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种复古的字体配上略带磨损质感的纸张，一下子就把人拉回了那个百老汇黄金时代的喧嚣后台。我翻开第一页，就被作者那如数家珍般的叙事功力给镇住了。他没有急于抛出那些耳熟能详的经典剧目名字，而是从十九世纪末期那些小剧场的空气中开始描摹，用一种近乎诗意的笔触，勾勒出了早期滑稽歌舞剧那种粗粝却又充满生命力的早期形态。特别是关于“黑脸模仿秀”如何在社会边缘挣扎求存，以及它如何逐渐被更精致的音乐剧形式所吸收和取代的这段论述，简直是教科书级别的深度分析。作者的遣词造句充满了对那个逝去时代的深情怀念，但绝不是盲目的赞美，他犀利地指出了早期作品中潜藏的那些不容忽视的时代局限性，使得整个论述既有温度，又有力度。阅读过程中，我常常能感觉到自己仿佛坐在昏暗的剧院里，空气中弥漫着汗水、廉价香水和旧木头的气味，耳边仿佛还能听到那些走调的、却饱含真诚的歌声。那种沉浸感，是很多歌舞剧研究书籍所缺乏的，它更像是一部扎根于历史土壤的文学作品，而非枯燥的学术梳理。
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