具體描述
In her first two books, Sheila Davis classified the major song forms and enduring principles that have been honored for decades by America's foremost songwriters. Those books have become required reading in music courses from NYU to UCLA. In "The Songwriters Idea Book," Davis goes one step further, giving you 40 strategies for designing distinctive songs. You'll break new ground in your own songwriting by learning about the inherent relationship between language style, personality type and the brain. You'll go, step by step, through the creative process as you activate, incubate, separate and discriminate.You'll learn to use the whole-brain techniques of imaging, brainstorming and clustering.You'll expand your skilled use of figurative language with paragrams, metonyms, synecdoche and antonomasia.You'll be challenged to design metaphors, form symbols, make puns and coin words.And, you'll learn how to prevent writer's block, increase your productivity and maintain your creative flow. Over 100 successful student lyrics from pop, country, cabaret, and theater serve as role-models to illustrate the whole-brain" songwriting process."
作者簡介
目錄資訊
讀後感
用戶評價
與其他市麵上充斥著成功學口號的創作指南截然不同，這本書的基調是低調而堅實的，它沒有做齣任何“保證你成為下一個巨星”的承諾。相反，它似乎在反復提醒讀者：創作是一場馬拉鬆，重要的是打磨你的基本功和保持好奇心。我最欣賞它對“失敗”的討論。作者沒有美化創作過程中的挫摺，而是將其視為一種必要的“數據收集”階段。書中詳細分析瞭幾個自己認為“未達預期”的作品，剖析瞭當時在主題選取、結構布局上哪裏齣現瞭偏差，這種坦誠度是極其罕見的。它讓我明白，那些看似完美的歌麯背後，可能隱藏著十幾個被擱置的、甚至可以說是“糟糕透頂”的初稿。這種對創作“不光彩”側麵的解剖，極大地減輕瞭我對“寫不齣好東西”的焦慮感。它讓我放鬆下來，允許自己去犯錯，隻要我在不斷地學習和迭代。這本書讀完後，我沒有感到被灌輸瞭知識，反而感覺自己被“鬆瞭綁”，更自由地去探索聲音的可能性。
评分這本書的封麵設計，嗯，怎麼說呢，有一種復古的、手工製作的感覺，皮革紋理的背景配上那種老式打字機字體，立刻就讓人聯想到瞭那些深夜裏靈感迸發的時刻。我拿到手的時候，光是翻開第一頁，那種紙張的質感就讓人覺得踏實，不是那種光滑得讓人心虛的印刷紙，而是略帶粗糙，仿佛每一頁都承載著無數未完成的鏇律和歌詞草稿。內容上，它並沒有像我預期的那樣，直接給齣“如何寫齣熱門歌麯”的公式，反而是提供瞭一整套思維工具箱。比如，它有一章專門講“如何從日常觀察中提煉主題”，作者用瞭很多生動的例子，比如一個公交車上陌生人的對話、牆角被遺棄的玩具，是如何被轉化為一段深刻的敘事核心。這本書的厲害之處在於，它沒有試圖告訴你“該寫什麼”，而是教會你“如何去看世界”，如何讓那些平常得不能再平常的場景，在你眼中閃爍齣音樂的火花。它更像是一位經驗豐富的前輩，在你迷茫的時候，輕輕地推你一把，告訴你路就在腳下，隻是你需要換個角度去審視。我特彆喜歡其中關於“矛盾衝突”的章節，作者強調，好的歌麯往往不是講述一個完美的故事，而是展現生活中的張力，那種不完美、不和諧感，纔是最能引起共鳴的。
评分這本書的結構設計，堪稱精妙地平衡瞭理論的深度與實踐的易操作性。它並非綫性閱讀，我發現自己經常會從某一章跳到另一章，根據我當時創作中遇到的具體問題來尋找對策。比如，如果我感覺自己的歌詞敘事太平淡，我就會立刻翻到關於“視角切換與角色深度”的那一節，那裏提供瞭一套非常係統的練習，教你如何從一個局外人視角切入，再用第一人稱的脆弱性來收尾，形成強烈的戲劇張力。它不像那種需要一口氣讀完的書籍，它更像一本“工具手冊”或者“參考字典”，在你創作陷入泥潭時，你需要做的就是停下來，隨機選擇一個章節，進行其中的一個小練習，往往三五分鍾後，思路就會豁然開朗。作者的語言風格極其精準，每一個句子都像被精確地切割過，沒有一個冗餘的詞。這種效率感在“靈感激發類”書籍中是難得一見的。它尊重瞭創作者的時間，沒有用華麗的辭藻來拖延進度，而是直擊核心，提供瞭可以直接應用的“解藥”。
评分這本書的排版和設計，簡直是為“手寫筆記”而生的完美載體。你知道嗎，很多工具書讀起來就是“讀完”，很少有能讓人願意反復翻閱並留下痕跡的。這本書的每一個練習模塊之間，都留有大片的空白區域，並且字體選擇上，主文本和引導性提問的字體有著微妙的區分，這讓讀者在閱讀過程中，會自然而然地産生一種衝動——想要在旁邊寫下自己的想法、自己的歌名或者一個突然冒齣來的鏇律片段。我個人就在“情緒詞匯擴展”那章做瞭大量的批注，作者提供瞭一組非常規的情感形容詞，比如“潮濕的渴望”、“銹蝕的記憶”，這些詞匯本身就充滿瞭畫麵感，讓我立刻聯想到瞭可以譜寫的和弦走嚮。它巧妙地將閱讀過程轉化為創作過程，閱讀的動作和創作的意圖是無縫銜接的。我甚至試著把一些關鍵的流程圖復印下來，貼在瞭我的錄音室牆上，它們現在成瞭我工作颱上最直觀的“導航地圖”。這本書的價值，不隻在於它教會瞭你什麼，更在於它鼓勵你“記錄下你所學到的”。
评分坦白說，我一開始對這類工具書是抱持著懷疑態度的，總覺得“靈感”這東西是玄學，豈是區區文字能規範化的？但這本書的敘述方式徹底打消瞭我的疑慮。它不像教科書那樣枯燥地羅列理論，反而更像是一場深入的、耐人尋味的訪談錄。作者的語氣非常真誠，他坦白地分享瞭自己創作生涯中那些卡殼到想砸吉他的時刻，以及最終是如何通過一些看似簡單卻極其有效的“心智練習”來突破瓶頸的。其中一個練習是關於“聲音景觀速寫”，要求我們關掉視覺，僅憑聽覺來構建一個場景的畫麵，這對於我這種習慣於先寫好歌詞再配鏇律的創作者來說，簡直是醍醐灌頂。它強迫我打破固有的創作路徑，去感受音樂在空間中的流動性。更讓我驚喜的是，它對不同音樂體裁的處理非常細膩，比如，它探討瞭鄉村音樂敘事中的“地方感”構建，和電子樂中“情緒紋理”的營造之間的差異，並沒有簡單地把它們混為一談，而是深入挖掘瞭各自的內在邏輯。讀完這一部分，我感覺自己對音樂的理解維度一下子拓寬瞭，不再局限於自己熟悉的領域。
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