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出版者:Facts on File

作者:Siegel, Scott/ Siegel, Barbara/ Erskine, Thomas L./ Welsh, James Michael

出品人:

页数:548

译者:

出版时间:

价格:24.95

装帧:Pap

isbn号码:9780816046232

丛书系列:

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《光影史诗：世界电影的百年变迁》 一部深度剖析全球电影工业发展、艺术革新与文化影响的权威巨著 内容简介： 《光影史诗：世界电影的百年变迁》并非一部专注于某一特定地域或流派的电影史，而是一部宏大叙事、细致入微的全球电影发展全景图。本书跨越了从默片时代的蹒跚学步到数字时代内容爆炸的百年光景，旨在系统梳理并深入剖析世界电影工业在技术、艺术、商业和社会层面的复杂演变历程。 本书的结构围绕着几个关键的世纪性转折点和区域性高峰展开，力求提供一个既有宏观视野又不失微观案例分析的立体叙事。 第一部分：黎明与拓荒（1895-1927） 本部分详述了电影作为一项新兴技术如何从巴黎的咖啡馆走向全球剧院。重点分析了卢米埃尔兄弟的“活动影画”与梅里爱的奇幻探索之间的分野，以及电影语言的早期构建过程。我们探究了欧洲先锋电影运动（如德国表现主义、苏联蒙太奇理论）对叙事结构和视觉美学的早期革命性贡献，以及好莱坞在早期如何通过标准化制作和明星制度初步确立其商业模式的根基。特别关注了D.W.格里菲斯等早期导演在镜头调度、剪辑节奏上的突破，以及这些创新如何塑造了观众对“电影感”的认知。 第二部分：有声时代的降临与黄金期的確立（1927-1945） “有声”的革命性冲击是本部分的核心。本书详细描绘了从默片向有声片过渡的混乱与机遇，分析了技术变革如何重塑了好莱坞的制片体系（制片厂制度的鼎盛）和欧洲电影的创作方向。在好莱坞，我们深入探讨了“道德重整”时期类型片的固化与成熟——西部片、歌舞片、黑色电影的诞生与美学范式。在欧洲，我们考察了法国的诗意现实主义，以及二战阴影下，不同国家电影如何承载民族情感与社会批判。本部分还对早期彩色技术（如特艺七彩）的引入及其对视觉叙事的影响进行了技术层面的剖析。 第三部分：战后重塑与国际浪潮的兴起（1945-1965） 二战的创伤为全球电影带来了深刻的哲学反思。本书详细论述了意大利新现实主义如何以其对日常生活的直接关注，颠覆了好莱坞式的叙事技巧，并为后来的国际电影流派提供了灵感。随后，我们将目光投向了最具影响力的艺术运动之一——法国新浪潮。我们不仅仅分析了特吕弗、戈达尔等人的电影理论与实践，更探讨了他们如何利用便携式摄影机和跳切等技术，挑战既有的电影语法，推动作者论（Auteur Theory）的普及。同时，本书也考察了日本的“新浪潮”（如小津安二郎、黑泽明）在东方美学与现代主题的融合上取得的独特成就。 第四部分：商业化、反叛与全球化扩张（1965-1990） 这一时期，电影市场经历了巨大的商业化压力，同时艺术领域也充满了激进的实验。美国电影迎来了“新好莱坞”的崛起，导演权力空前集中，诞生了一批探讨社会异化、反主流文化的经典作品。欧洲，如“新德国电影”的挣扎与成功，展现了对国家历史创伤的直面。本书特别关注了动作片、科幻片等大制作类型片在特效技术（如斯坦·温斯顿的工作室）的推动下，开始具备全球发行的潜力。此外，我们还专门开辟章节，详述了第三世界电影（如拉美和非洲电影）在政治动荡中，如何运用象征主义和民间叙事来表达身份认同与反殖民主题。 第五部分：数字革命与流媒体时代的未来（1990至今） 本书的最后部分聚焦于数字技术的全面渗透。从CGI技术的成熟到数字摄影机的普及，技术的变革不仅降低了电影制作的门槛，也彻底改变了视觉呈现的可能性。我们分析了独立电影（Indie Film）在美国的复兴与商业化，以及欧洲电影工业如何在新全球市场中寻求平衡。重点研究了DVD、蓝光以及最终的网络流媒体平台（Netflix, Amazon等）对传统院线发行模式的颠覆性影响，探讨了“内容为王”的时代下，电影内容如何跨越国界，形成即时性的文化现象。本书也审视了当下电影界在多样性、代表性上面临的伦理挑战，以及动画、游戏叙事与传统电影之间的界限日益模糊的趋势。 核心价值： 《光影史诗》的价值在于其跨越国界和时区的综合性视角。它不仅记录了哪些伟大的电影被创作出来，更重要的是，它揭示了技术、资本、政治环境和哲学思潮是如何共同作用，塑造了我们今天所理解的“电影”这一媒介。本书旨在为电影研究者、行业专业人士以及所有热爱光影艺术的观众，提供一个全面、严谨且充满洞察力的参照系。它是一部关于人类想象力如何被固定在胶片和像素上的历史。

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我是一位对电影技术发展史有着强烈癖好的发烧友，这本书中关于技术革新的章节，简直是为我量身定做的礼物。它没有满足于简单地提一句“某某年发明了宽银幕”，而是深入探讨了CinemaScope、VistaVision等不同宽银幕格式之间的技术差异、市场竞争，以及它们对叙事美学产生的具体影响。读到关于早期彩色电影的化学流程和胶片选择的讨论时，我仿佛能闻到暗房里的化学气味。更令人印象深刻的是，书中对流派（Genres）的界定和演变进行了细致入微的追踪。比如，它对黑色电影（Film Noir）的起源，如何受到战后社会焦虑的影响，以及它在欧洲表现主义中的根源，都有着令人信服的论述。它不是简单地罗列黑色电影有哪些，而是分析了这种风格是如何成为一种文化反射的。唯一可能让一些人感到遗憾的是，对于那些过于现代的、后经典时期的作品，其篇幅相对较少，但这也许正是这本书的侧重点所在——聚焦于好莱坞体系的奠基期和成熟期。对于想扎实掌握好莱坞“范本”如何建立的读者来说，这本是必读的。

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这本书简直是电影爱好者的圣经！我花了整整一个周末沉浸其中，感觉自己像是穿越回了好莱坞的黄金时代，亲眼见证了那些传奇的诞生。作者的叙事功力高超，不仅仅是罗列事实，更像是在讲述一个个引人入胜的故事。比如，关于米高梅（MGM）鼎盛时期那些错综复杂的人事斗争，被描绘得如同莎士比亚的悲喜剧，每一个角色的动机都挖掘得入木三分。我尤其欣赏它在处理早期默片时代的过渡时期所花费的笔墨，那种从无声到有声的巨大技术飞跃和随之而来的艺术冲击，被细腻地捕捉了下来。书中对那些鲜为人知的幕后人物，比如伟大的灯光师、场景设计师的介绍，更是让人耳目一新。以往的影史书籍往往只聚焦于导演和明星，但这本书拓宽了我的视野，让我认识到一部伟大电影的诞生，需要的是整个生态系统的协同作用。它的索引系统做得极其出色，即便是查找某个二线演员在某部影片中的角色，也能迅速定位，这种实用性对于做研究或者只是单纯怀旧的读者来说，都是无价之宝。读完这本书，我对“好莱坞”这个词的理解，已经从一个地理概念，升华成了一种复杂的文化现象和工业奇迹。

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这本书的编排方式有一种古典的庄重感，它似乎在提醒你，你正在阅读的是一部关于历史的严肃著作，而不是一本轻快的“八卦小册子”。评价一部经典电影时，它总是能引述出当时评论家的原文摘录，甚至是制片人会议的备忘录片段，这种“一手资料”的引用，极大地提升了其权威性。我发现自己经常因为被某个精准的引语所吸引，而不得不中断阅读，去查阅其他相关的历史背景资料，这说明这本书成功地激发了我的求知欲。在人物传记部分，它巧妙地避开了好莱坞常见的“神化”倾向，而是用一种近乎冷峻的笔调，刻画了那些天才背后的缺陷与挣扎。例如，对某些著名导演的酗酒问题和创作上的固执，书中处理得既尊重事实又不失同情，使得人物形象立体丰满。对于那些希望通过阅读来提升自己电影鉴赏层次的严肃读者，这本书提供的不仅仅是信息，更是一种批判性的思维框架。

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我要特别赞扬这本书在处理“国际影响”和“好莱坞输出”这一主题时的视角。很多关于好莱坞的书籍都倾向于“美国中心论”，但这一部却花了大量篇幅讨论美国电影工业如何影响了欧洲、亚洲，以及反过来，欧洲的移民如何塑造了好莱坞的早期面貌。书中对德国表现主义逃亡者如何将阴郁的视觉风格带入美国影棚的分析，简直是教科书级别的案例研究。此外，它对战时宣传电影的详细记录，展示了电影是如何被当作政治工具进行精密运作的，这部分内容读起来让人深思。这本书的学术严谨性与大众可读性之间找到了一个绝妙的平衡点。它的脚注和参考书目非常详尽，如果你想沿着某一条线索做更深入的挖掘，你会发现每条线索的源头似乎都能追溯到这本书的某一个角落。总而言之，这是一部需要被珍藏和反复研读的著作，它让你在享受电影魅力的同时，也理解了支撑起这份魅力的巨大、复杂而又迷人的工业机器的运作原理。

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说实话，当我第一次翻开这本厚重的典籍时，内心是充满怀疑的，毕竟“百科全书”这个词听起来就意味着枯燥的列表和冰冷的数据。然而，我的担忧很快就被彻底打消了。这本书的魅力在于它有一种令人惊奇的“粘性”，你以为只是随便查个日期或者片名，结果却像掉进了兔子洞一样，一个小时就这么过去了。它对于特定电影制作背后的金融运作和工会历史的剖析，展现出一种罕见的深度。例如，它详尽地对比了派拉蒙和华纳兄弟在处理审查制度时的不同策略，这种商业层面的博弈，比很多剧情片都要精彩。我特别喜欢它对“制片人制度”（The Producer System）瓦解过程的梳理，逻辑清晰，时间线明确，让读者能够理解好莱坞权力结构是如何一步步重塑的。书中的图片质量令人赞叹，许多是首次公开的片场照和剧照，清晰度和质感都达到了博物馆级别，这极大地增强了阅读体验。对于那种试图理解好莱坞如何从一个新兴产业蜕变为全球文化输出机器的人来说，这本书提供了无可替代的宏观视角和微观细节的完美结合。

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