具体描述
"Auteurs and Authorship: A Film Reader "offers students an introductory and comprehensive view of perhaps the most central concept in film studies. This unique anthology addresses the aesthetic and historical debates surrounding auteurship while providing author criticism and analysis in practice. Examines a number of mainstream and established directors, including John Ford, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, Douglas Sirk, Frank Capra, Kathryn Bigelow, and Spike Lee Features historically important, foundational texts as well as contemporary pieces Includes numerous student features, such as a general editor's introduction, short prefaces to each of the sections, bibliography, alternative tables of contents, and boxed features Each essay deliberately focuses across film makers' oeuvres, rather than on one specific film, to enable lecturers to have flexibility in constructing their syllabi
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
这本书的结构就像一个迷宫，但它的墙壁是由毫无关联的砖块堆砌而成的。我努力地想在章节之间找到一条清晰的逻辑红线，特别是在探讨文学对视觉艺术的影响这一段落时，作者的跳跃性思维让我感到无所适从。前一页还在讨论十九世纪的沙龙制度，下一页突然就跳跃到了当代装置艺术中对“观众在场性”的强调，两者之间缺乏必要的过渡和桥梁。这种散文化的叙事方式，使得核心论点变得稀释和模糊不清。我常常需要停下来，在脑海中强行建立联系，试图理解作者为何要在此时提及某个看似无关紧要的艺术家的小传。这让我产生了强烈的阅读疲劳感，因为我必须不断地扮演“理论构建者”的角色，去填补文本留下的巨大空白。优秀的学术著作应该引导读者，而不是强迫读者去完成作者本应承担的组织工作。此外，全书的论据分布极不均衡，某些流派或地域的艺术被详尽地剖析，而另一些同样重要的领域则被一笔带过，这使得我对作者选择性研究的动机产生了深深的怀疑。它似乎更像是某个特定研究者在特定时间点上积累的零散笔记的集合，而非一个经过深思熟虑的整体研究成果。
这本关于艺术史和理论的书籍，我本来是带着一种相当高的期待去阅读的。毕竟，书名本身就暗示着对创作主体及其背后复杂权力结构的深刻探讨。然而，阅读体验却像是在一个装饰华丽但空无一物的画廊中徘徊。作者似乎在不断地搭建一个宏大的理论框架，引用了大量晦涩的哲学概念和学院派术语，试图描绘一个“作者性”的消亡或重塑的图景。问题在于，这种理论的建构往往脱离了具体的艺术实践，使得我们很难将这些抽象的思辨与那些我们熟悉的、鲜活的艺术作品联系起来。当我翻阅到关于后结构主义对主体性解构的那几章时，我感觉自己被淹没在了一片由“能指”、“所指”、“规训权力”构筑的迷雾之中。如果说一本严肃的学术著作需要清晰的逻辑和富有启发性的案例来支撑其论点，那么这本书在这方面就显得力不从心了。它更像是一场自我指涉的智力游戏，而非对艺术世界进行有效批判的工具。我期待看到的是对具体艺术家如何应对时代变迁的细腻剖析，或是对艺术作品中“作者之声”的重新定位，但收获的却是一连串令人困惑的脚注和难以消化的理论断章。整体而言，它更像是为已经身处象牙塔中的研究者提供“内部笑话”的文本，对于渴望理解艺术创作核心脉络的普通读者来说，无疑是一次令人沮丧的攀登。
不得不说，我对这本书的某些章节感到非常恼火。这种恼火并非源于作者的观点与我相悖，而是源于其叙述的傲慢和对读者智力的低估。书中对于“原创性”的批判部分，笔锋极其凌厉，仿佛世上所有声称自己是“原创”的艺术家都是不学无术之徒。然而，在猛烈抨击之后，作者并没有提供任何建设性的替代方案，或者至少是更具说服力的历史参照。它更像是一种纯粹的、解构式的破坏，却吝啬于提供重建的蓝图。语言风格上，时常出现一种居高临下的论断，使用“显然”、“不言而喻”这类词汇，仿佛只要是足够聪明的人就应该自动领会其深层含义。这种姿态严重阻碍了开放的对话，让读者在阅读过程中难以产生共鸣。例如，在分析摄影艺术的复制性问题时，作者只是简单地将瓦尔特·本雅明奉为圭臬，然后便草草收场，完全忽略了数字时代以来媒介技术带来的全新伦理困境。这种处理方式显得既陈旧又敷衍，仿佛作者对某一特定时期的理论做了一个“点到为止”的梳理，然后便认为大功告成。阅读体验下来，与其说是在学习，不如说是在接受一场单方面的说教，这对于一本旨在引发思考的著作来说，是致命的缺陷。
我必须承认，这本书在试图打破传统艺术史叙事藩篱方面的努力是值得肯定的。它确实提供了一些不同于主流叙事的视角，这一点在探讨非西方艺术体系与西方现代主义的交锋时表现得尤为明显。然而，这种打破壁垒的尝试，最终似乎变成了一种对清晰度和深度的牺牲。作者似乎沉迷于展示自己阅读的广度，引用了来自不同文化背景的文本，但这些引用的深度却往往停留在表面。每一次触及一个有潜力深入挖掘的议题时，作者都会迅速转移焦点，转而介绍另一个更前沿、更具争议性的概念。这使得全书读起来像是一张内容丰富但油墨稀薄的速写地图，让你知道“那里有什么”，但绝不会告诉你“它究竟是什么”。我希望这本书能像一个优秀的向导，带领我深入一个复杂的领域，揭示其隐藏的机制。但它更像是一个匆忙的旅游推销员，不断地向我展示五光十色的景点招贴画，却不愿花时间停下来解释任何一个地标背后的历史沉淀和文化意义。最终，我合上书本时，留下的不是知识的充实感，而是一种“我似乎读了很多，但什么也没真正掌握”的空虚感。
我拿起这本书时，是冲着它承诺的“对创作意图与最终呈现之间张力的探索”去的。这本书的排版和设计确实非常讲究，纸张的质感也令人愉悦，这给人一种它必然是内涵丰富的错觉。然而，越往后读，这种期待就越发被一种深深的疲惫感所取代。叙事节奏极其缓慢，仿佛作者在每一句话的推敲上都花费了数年时间，导致整本书读起来断断续续，缺乏一气呵成的流畅感。尤其是在讨论早期现代主义时，作者似乎陷入了一种对文献的过度依赖，反复引用已经被学界反复论证过的观点，却鲜少提出真正令人耳目一新的洞察。我感觉自己像是在听一个冗长而不知所云的讲座，讲者不停地咳嗽、调整麦克风，但核心信息却迟迟无法抵达。书中偶尔穿插的一些视觉材料，也因为缺乏高质量的复制和恰当的语境分析，显得孤立无援，无法有效地支撑起作者试图构建的论点。读完近半部分，我最大的感受是信息过载与观点贫瘠并存。这使得我不得不频繁地回头重读，试图捕捉那些可能被我忽略的“精髓”，但最终发现，那些所谓的精髓，可能只是对其他更优秀著作的间接转述。对于任何希望通过阅读此书获得对艺术创作更深层次理解的人来说，这无疑是一次对时间和耐心的严峻考验。
