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出版者:福建科技出版社

作者:深圳市艺力文化发展有限公司

出品人:

页数:351

译者:

出版时间:2013-3

价格:360.00元

装帧:

isbn号码:9787533542092

丛书系列:

图书标签:

• 舞美
• 舞台设计
• 戏剧
• 艺术
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• 表演
• 艺术设计

舞台设计：空间、叙事与观者的交融 《舞台设计》并非仅仅关于那些华丽布景的图册，也非纯粹的技术手册。它是一次深入探索，关于一个独特空间——舞台——如何被塑造、被赋予意义，并最终与观者建立起一种深刻而动态的联系。这本书旨在揭示舞台设计超越纯粹视觉呈现的本质，它是一门融合了艺术、技术、心理学与人文关怀的综合性学科。 空间作为画布： 舞台，作为一种被精心界定的三维空间，是设计师的画布。它不仅仅是演员表演的背景，更是故事展开的载体，情绪的容器，甚至角色内在世界的具象化。本书将从构成舞台空间的基本元素入手：边界。舞台的边界，无论是幕布的升降，还是墙壁的延展，都定义了现实与虚幻的界限，也为观众的想象力划定了起点。我们将探讨不同类型的舞台结构，从古希腊的圆形露天剧场，到现代黑匣子剧场，再到灵活多变的变形舞台，分析它们各自的优势与局限，以及它们如何影响表演的呈现方式和观众的体验。 光影的雕塑： 如果说空间是画布，那么光影便是雕塑家手中的刻刀。光，在舞台设计中扮演着至关重要的角色，它不仅仅是为了照明，更是塑造氛围、引导视线、突出焦点、暗示情绪的强大工具。本书将深入剖析舞台灯光的艺术性与技术性。从色彩理论在舞台上的应用，不同色温对情感的影响，到不同光源（LED、传统灯具）的特性，再到灯光编程与控制的精妙之处。我们会探讨如何利用光的明暗、强弱、方向和色彩变化，来营造神秘、欢快、压抑或浪漫的氛围；如何通过光束的聚焦，将观众的目光引向舞台的某个特定区域，强调剧情的关键时刻；甚至如何利用灯光来象征角色的内心变化或时间的流转。这不仅仅是技术的堆砌，更是情感的表达，是无声的叙事。 物质与意象的对话： 舞台的实体元素，包括布景、道具、服装，它们并非孤立存在，而是与空间、灯光、以及最重要的——叙事——进行着一场永恒的对话。本书将审视这些物质元素如何被赋予象征意义，如何超越其物质本身的属性，成为意义的载体。 布景设计： 布景是故事发生的物理环境，也是角色性格和时代背景的体现。我们将讨论布景设计的写实性与象征性。写实布景力求还原真实场景，增强观众的代入感，而象征性布景则通过抽象的造型、符号化的元素，来传达更深层次的意念。例如，一个孤零零的椅子，可能象征着角色的孤独；一个扭曲的门，可能暗示着命运的坎坷。本书将分析不同材质（木材、金属、织物、塑料）在舞台上的运用，以及它们所带来的视觉和触觉感受。同时，我们将探讨如何通过布景的尺度与比例，来影响观众对空间和人物关系的感知。一个巨大的、压抑的布景，可以衬托出人物的渺小；而一个空旷的舞台，则可能放大角色的内心挣扎。 道具设计： 道具是舞台上的“会说话”的物件。一个精心选择的道具，可能承载着一段重要的历史，暗示着人物的命运，或者推动着情节的发展。本书将探讨道具的功能性与叙事性。一把剑，不仅仅是武器，它可能象征着权力、勇气或背叛。一封信，可能包含着无法言说的秘密，成为爱情或阴谋的关键。我们将分析道具的象征意义，以及如何在有限的舞台空间中，通过道具的摆放和使用，来创造丰富的戏剧张力。 服装设计： 服装是角色的“第二层皮肤”，它直接反映了角色的身份、社会地位、性格特点，以及他们在特定时刻的情感状态。本书将深入研究服装设计在舞台叙事中的作用。从历史服装的考究，到现代服装的创新，我们将探讨色彩、材质、廓形、以及细节如何共同塑造一个角色的形象。例如，华丽的服饰可以展现角色的财富与地位，而破旧的衣衫则可能暗示着贫困或压抑。颜色的选择也至关重要，红色可能代表热情或危险，蓝色则可能象征忧郁或宁静。此外，服装的变化，如同一件衣服的破损，或另一种服饰的穿戴，都可以成为角色心理转变或故事发展的有力象征。 叙事与观者的连接： 舞台设计最终的目的，是为了服务于叙事，并与观者建立起一种共鸣。本书将探讨设计师如何通过空间、光影、材质的综合运用，来引导观众的情感，激发他们的想象，并让他们沉浸在故事的世界中。 节奏与流动： 舞台设计不仅仅是静态的画面，它与表演的节奏紧密相连。本书将分析设计师如何通过布景的变换、灯光的调度、以及道具的运用，来控制舞台的节奏，营造起伏跌宕的戏剧张力。例如，快速的场景切换可以营造紧张感，而缓慢的灯光渐变则可以烘托出感伤的氛围。 隐喻与象征： 优秀的舞台设计往往充满了隐喻与象征。这些隐藏的意义，需要观众去解读和体会。本书将引导读者去发现这些设计中的“彩蛋”，理解设计师如何用非语言的方式，来传达更深层次的主题和情感。例如，一个破败的建筑，可能象征着社会秩序的瓦解；一个飞翔的鸟儿，可能代表着自由的渴望。 观众的参与： 舞台设计并非单方面的输出，它邀请观众进行积极的参与。通过营造引人入胜的视觉体验，激发观众的思考，甚至在某些情况下，通过打破第四面墙，让观众感受到自己也是故事的一部分。本书将探讨如何设计能够激发观众情感共鸣的舞台，让他们在观看的过程中，产生代入感，体验角色的喜怒哀乐。 技术与艺术的融合： 现代舞台设计，离不开技术的支撑。本书将审视各种先进技术在舞台设计中的应用，从传统的机械装置到现代的数字媒体。 机械与装置： 旋转舞台、升降平台、移动背景墙等机械装置，能够极大地丰富舞台的空间表现力，实现场景的快速切换和视觉上的惊艳效果。我们将探讨这些装置的设计原理、安全考量以及它们如何为叙事服务。 数字媒体与投影： 视频投影、LED屏幕等数字媒体技术的引入，为舞台设计带来了无限的可能。它们可以创造出逼真写实的场景，也可以呈现出抽象的、充满想象力的视觉效果。本书将分析数字媒体在舞台上的多种应用方式，以及如何将其与实体布景、灯光等元素进行巧妙的融合，创造出令人耳目一新的舞台视觉。 声学与空间： 声音同样是舞台体验不可或缺的一部分。本书将触及舞台声学设计的基本概念，以及声音如何与视觉元素相互配合，共同营造完整的感官体验。 超越舞台的视野： 《舞台设计》最终旨在拓展我们对“设计”的理解。它不仅仅是为表演者提供一个舞台，更是为故事寻找一种最恰当的表达方式，为观众打开一扇通往情感与思想的大门。本书鼓励读者用更广阔的视角去审视每一个舞台，去感受其中蕴含的匠心与智慧，去理解空间、光影、物质如何共同编织出动人的戏剧之网，最终在舞台与观者之间，架设起一座沟通心灵的桥梁。这是一种关于创造、关于讲述、关于体验的艺术。

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这本书的逻辑推进是极其严密的，它似乎遵循着某种内在的“结构美学”。起初我以为这会是一本关于软件操作或材料选择的实用手册，但事实远超我的预想。作者似乎非常擅长建立层级关系，从最基础的“几何构成”开始，逐步过渡到“光线追踪的艺术”，再到更高阶的“时间与运动在空间中的叠加效应”。每一个章节的结尾，都会留下一个开放性的问题，促使读者必须回溯前文，重新审视已经学到的知识点，才能更好地理解下一个难点。这种螺旋上升的学习曲线，设计得非常巧妙，避免了知识点的简单堆砌。尤其是关于“材料的声学特性”那一段，作者竟然能将物理学的概念，用近乎诗意的语言描述出来，解释了为什么某种特定的木材会比另一种更适合表达悲怆的情绪。这种跨学科的融合，展现了作者深厚的学养和极高的思辨能力，让这本书的价值远远超越了单一学科的范畴。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种厚重而又不失细腻的质感，拿在手里沉甸甸的，就仿佛预示着内容的深度与广度。封面采用了一种复古的哑光处理，主色调是深沉的勃艮第红，边缘微微做旧，像是经历过无数次灯光洗礼的老剧院幕布。字体设计非常讲究，标题“舞台设计”的字体选择了那种带有古典主义气息的衬线体，每一个笔画都透露出对艺术的敬畏。内页纸张的克重选择也恰到好处，既能很好地承载色彩丰富的插图，又不会显得过于臃肿。我尤其欣赏它在细节上的用心，比如扉页上印着的一行小小的、难以辨认的剧本手稿片段，那无声的暗示，让人对即将展开的阅读之旅充满了期待。它不是那种轻飘飘的流行读物，而是更像一件精心打磨的工艺品，摆在书架上本身就是一种艺术陈设。光是翻阅它的目录和前言部分，就能感受到排版师和设计师倾注的心血，那种对“空间感”和“氛围营造”的理解，已经先于文字内容本身，为读者搭建了一个极具仪式感的入口。这本书的物理形态本身，就是对“设计”二字最好的致敬，让人忍不住想细细摩挲，探索其每一个细微之处。

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这本书给我的触动，在于它彻底颠覆了我对“背景设置”的认知。我原以为舞台设计无非就是布景的搭建和道具的摆放，但这本书深入挖掘了“空间哲学”的层面。它探讨了观众的目光是如何被引导的，以及舞台边缘——那个常常被忽略的区域——如何影响着角色与环境的关系。书中对于不同文化背景下，舞台空间处理方式的比较分析，尤其精彩。比如，它对比了东方戏曲中极简主义的写意手法与西方歌剧追求的极致写实主义之间的深层心理学差异，并不是简单地罗列区别，而是深入剖析了这些差异背后，观众期待的“沉浸感”是如何被重塑的。它教会我，舞台不仅仅是一个表演的“容器”，它更是一个与观众进行能量交换的“场域”。读完后，我去看任何一场演出，都会不自觉地去解构那个空间：这个斜度是为了强调角色的孤独感吗？那块阴影区域是否在潜意识里压抑了观众的情绪？这本书极大地拓宽了我的观察维度，让我从一个被动的欣赏者，转变为一个有意识的空间解读人。

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我完全被这本书的叙事节奏给吸引住了，它不是那种教科书式的平铺直叙，而更像是一部精心编排的戏剧。作者似乎深谙如何设置悬念和铺垫，初读时，会感觉它在围绕一个核心主题进行外围的探索，各种看似不相关的元素——光影的物理学、不同历史时期的纺织品纹理、甚至是对特定气味如何影响观众情绪的探讨——被巧妙地编织在一起。等到读到后半部分，你会猛然惊觉，所有这些看似零散的线索，其实都是为了最终指向一个宏大的结构。作者的语言风格非常跳跃，有时是极其严谨的学术论述，引用了大量不易查证的早期舞台技术文档；而下一段可能就转变成了一种极具画面感的散文，描绘了某个特定剧目谢幕后，舞台上残留的道具和光束如何构成一幅静默的肖像。这种张弛有度的叙事，使得即便是那些技术性极强的部分，读起来也毫不枯燥，反而充满了探索的乐趣。它成功地将“技术”与“美学”融为一体，让人在知识的海洋中遨游的同时，也获得了极大的审美享受。

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这本书的“案例研究”部分，简直是宝藏，它不像其他设计书籍那样只挑选那些光鲜亮丽、已经成为经典的案例进行膜拜式的介绍。相反，作者更关注那些“失败的尝试”和“被遗忘的实验”。书中花了大量的篇幅去剖析那些在历史上反响平平，但从技术角度看却极具前瞻性的设计方案。比如，某个上世纪初尝试用复杂的机械联动装置来模拟自然天气变化的舞台装置，虽然最终因成本和安全问题被废弃，但其中蕴含的机械美学思想，在今天看来依然令人叹服。作者并没有批判性地将其“打入冷宫”，而是将其视为设计发展史中不可或缺的一环，强调了“探索的价值高于结果的完美”。这种对过程的尊重和对探索精神的赞扬，读来让人倍感振奋。它鼓励读者不要害怕犯错，而是要将每一次设计都视为一次对未知领域的勇敢试探，这对于任何处于创作初期的学习者来说，都是一剂强心针。

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