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出版者:DK Publishing

作者:Sarah Simblet

出品人:

页数:255

译者:

出版时间:2001-10-1

价格:USD 40.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780789480453

丛书系列:

图书标签:

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雕塑家的手：材料、技法与人体形态的探索 一部关于雕塑艺术与材料科学的深度研究 《雕塑家的手：材料、技法与人体形态的探索》 并非仅仅是一本关于艺术史或解剖学的入门读物，它是一部为严肃的雕塑家、艺术教育者以及致力于探索物质世界与三维形态之间深刻联系的创作者量身打造的专业指南。本书旨在弥合传统手工艺知识与现代材料科学理解之间的鸿沟，聚焦于如何通过对材料特性的精准掌握，实现对人体结构乃至复杂自然形态的精确捕捉与艺术化重塑。 --- 第一部分：物质的语言——雕塑材料的深度剖析 本书的开篇建立了一个核心理念：雕塑的“真实性”源于对所选材料固有属性的深刻理解。我们探讨的不是材料的美学表面，而是其内部结构、化学反应和时间效应。 第一章：粘土的骨骼：从泥土到永恒 本章深入剖析了陶土（Clay）——这一雕塑界最古老的媒介——的物理化学特性。我们将细致区分不同类型的粘土（如火泥、石器土、瓷土）在塑性、收缩率和烧制温度上的差异。重点内容包括： 颗粒级配与可塑性模型： 探讨泥土颗粒大小分布如何影响其在湿态和干态下的稳定性，并提供一套实用的测试方法，帮助艺术家根据作品规模和预期烧成效果调整泥料配方。 干燥与收缩的艺术控制： 详细讲解干燥过程中水分迁移的动力学，以及如何通过分层干燥、预先处理（如敲打排气）来最小化不均匀收缩导致的开裂。 釉彩化学与釉下/釉上效果： 区别于传统艺术史对色彩的描述，本章从无机化学角度分析了金属氧化物在不同气氛（氧化、还原）下的反应，预测最终烧成后的色彩层次和光泽度，指导艺术家进行精准的色彩调配。 第二章：石材的韧性与抗剪强度 对于从事大型或室外雕塑的创作者而言，掌握石材的内在抵抗力至关重要。本章侧重于结构安全与工具运用。 矿物学基础与雕刻特性： 详细对比了大理石（Marble，包括卡拉拉、维罗纳等）、花岗岩（Granite）和页岩（Slate）的晶体结构。例如，解释了方解石晶体的解理面如何影响凿击的方向性，以及石英含量如何决定了工具的磨损速度。 应力分布与结构支撑： 基于材料力学的基本原理，分析了悬挑结构、空洞和细长部分的应力集中点。提供了“安全悬挑比率”的计算方法，指导艺术家在不使用内部钢筋的情况下，设计出具有内在稳定性的石雕。 打磨与表面处理的层次： 介绍从粗凿到精磨的各个阶段，尤其关注砂纸（或磨料）的粒度如何与石材的硬度相互作用，以实现从“哑光吸光”到“镜面反光”的渐变效果。 第三章：金属的铸造与变形——从熔点到形态 本部分聚焦于青铜（Bronze）和铝（Aluminum）的铸造过程，强调精确的温度控制和合金配比。 失蜡法（Lost-Wax Casting）的温度档案： 详细记录了从蜡模制作、石膏包覆、脱蜡到金属浇铸的全流程关键温度点。特别强调了蜡模熔点与金属液相线温度之间的精确关系，以确保铸件的完整性。 合金配方与流动性： 分析了铜锡比、锌含量对青铜流动性、收缩率和最终硬度的影响。提供几种常见铜合金（如锡青铜、硅青铜）的配方参考，并讨论了如何通过添加微量元素来调节铸件的氧化特性，以适应不同的表面 patina（铜绿）。 锻造与焊接的材料疲劳： 针对金属塑形，讨论了热处理对金属晶粒结构的影响，解释了如何通过退火（Annealing）来恢复金属的延展性，避免在冷加工或焊接过程中产生应力集中导致的脆化。 --- 第二部分：身体的结构——形态学的实践应用 本书的第二部分将理论材料科学与人体结构研究相结合，目标是让艺术家能够“看见”材料下潜在的结构支撑，并将之转化为有机的、可信赖的雕塑形态。 第四章：骨骼的几何学：三维骨架的测量与重建 本章摒弃了二维平面图谱的限制，专注于人体骨骼在三维空间中的比例关系和运动轴线。 关节的几何枢轴： 详细分析主要关节（如肩关节、髋关节）的运动范围（ROM）及其在雕塑中的“锁定点”。通过描述性的几何模型，解释为什么某些姿势在视觉上是“稳定”的，而另一些则需要额外的结构支撑。 肌肉群的体积与张力投影： 不仅展示肌肉的附着点，更关注肌肉收缩时对皮肤表面的拉伸和折叠效应。引入“张力向量”的概念，指导艺术家如何在静止的雕塑中暗示运动的潜力。例如，如何通过对三角肌后束的微妙处理来暗示手臂即将抬起的瞬间。 形态学的“逆向工程”： 提供一套系统性的观察方法，从雕塑的最终形态出发，反向推导支撑该形态所需的内部骨骼结构和肌肉体积，确保即使是高度风格化的作品，也具备内在的结构逻辑。 第五章：动态平衡与重心传递 雕塑的生命力往往体现在其动态平衡上。本章侧重于物理学原理在艺术创作中的应用。 重心计算与底座设计： 介绍简单的力矩平衡原理，用于计算复杂姿态雕塑（如单腿站立、倾斜俯冲）的重心位置。提供不同材料（如空心铸铜、实心石膏）的密度差异在重心计算中的应用。 线条的引导与视觉重量： 探讨“视觉重量”与实际重量的区别。分析如何通过线条（Line of Action）的倾斜角度来引导观者的视线，并利用材料的“视觉密度”（如深色青铜相较于浅色石膏）来平衡构图。 空间关系的雕塑： 研究雕塑与其周围负空间（Negative Space）的相互作用。如何利用手臂与躯干之间、腿部与地面之间留出的空气体积，来增强作品的透气感和动态张力。 --- 第三部分：表面与时间——完成与保存的科学 最后的章节关注雕塑完成后的生命周期，即如何保护艺术家的心血免受环境侵蚀。 第六章：时间的印记：风化、腐蚀与人工老化 本章是为所有面向公共空间或长期展示的雕塑家准备的材料保护手册。 酸雨与石材的化学侵蚀： 详细分析大气污染物（如二氧化硫）与石材中碳酸钙的反应机制，指导艺术家选择抗酸性更强的石材，或使用渗透性保护剂。 金属的氧化管理： 对青铜和铁（钢）的锈蚀过程进行对比分析。重点介绍如何通过化学处理（如铬酸盐转化膜）来稳定铁的表面，以及如何通过电化学方法控制青铜的Patina生长，使其保持稳定的、符合艺术意图的颜色。 修复技术与现场干预： 介绍结构性裂缝的修复策略，包括树脂灌注、环氧粘接以及不同材料的兼容性测试，确保修复过程本身不会成为新的弱点。 《雕塑家的手：材料、技法与人体形态的探索》 旨在成为一本“工具书”和“思想激发器”，它要求读者不仅要观看，更要触摸、称重和理解构成其作品的每一克物质。本书相信，真正的艺术自由，来源于对材料限制的深刻洞察和精确控制。

评分☆☆☆☆☆

被DK吸引过来的，也在其他的地方看到作者的素描，觉得画的不错才入了一本，确实相比Eliot Goldfinger的《牛津艺用人体解剖学》，没有那么有深度，虽然精美的照片，配上硫酸纸上的线描，感觉很不错，但是不论讲解，或者图例的精细程度，显然要粗浅了一些。甚至比不上国内出的那...  

评分☆☆☆☆☆

相比《伯里曼人体结构绘画教学》和《艺用人体解剖》（布尔乔伊）这两本经典的人体解剖书而言。本书的最大特色是它的实用性。它在里面附加了大量且清晰的人体摄影。但本书价格较贵是它的硬伤。

评分☆☆☆☆☆

艺用人体解剖与解剖学的艺术 /范达明/ 英国DK 公司（Dorling Kindersley Limited）2001年推出的《艺用人体解剖》（Anatomy for the Artist）一书，新近已由浙江摄影出版社购买国内中文版版权后翻译出版。该书由近年在英国备受学界称颂的女艺术家和学者萨拉•西蒙伯尔特(Sara...  

评分☆☆☆☆☆

被DK吸引过来的，也在其他的地方看到作者的素描，觉得画的不错才入了一本，确实相比Eliot Goldfinger的《牛津艺用人体解剖学》，没有那么有深度，虽然精美的照片，配上硫酸纸上的线描，感觉很不错，但是不论讲解，或者图例的精细程度，显然要粗浅了一些。甚至比不上国内出的那...  

评分☆☆☆☆☆

艺用人体解剖与解剖学的艺术 /范达明/ 英国DK 公司（Dorling Kindersley Limited）2001年推出的《艺用人体解剖》（Anatomy for the Artist）一书，新近已由浙江摄影出版社购买国内中文版版权后翻译出版。该书由近年在英国备受学界称颂的女艺术家和学者萨拉•西蒙伯尔特(Sara...  

评分☆☆☆☆☆

作为一名骨骼模型爱好者，我喜欢收藏和研究各种比例的人体骨骼模型，并尝试用它们来辅助我的绘画创作。我对骨骼的结构、比例以及它们在人体中所扮演的支撑作用有着浓厚的兴趣。然而，仅仅拥有骨骼模型，并不能完全解答我对于人体形态的疑问，因为人体最终呈现给我们的，是肌肉和皮肤包裹下的形态，而骨骼只是其内在的支撑。我一直在寻找一本能够将骨骼结构与肌肉形态完美结合的书籍，直到我发现了《Anatomy for the Artist》。这本书简直是为我这样的研究者量身定做的。它首先非常清晰地展示了人体的骨骼结构，并对每一块骨骼的名称、形态和功能进行了详细的介绍。更重要的是，它没有停留在骨骼层面，而是进一步深入讲解了覆盖在骨骼上的肌肉群。书中通过精美的插图，展示了肌肉是如何附着在骨骼上，它们是如何形成我们的体型，以及在不同的运动状态下，这些肌肉是如何收缩、伸展和变形的。我能够清晰地看到，一块肌肉的起止点，以及它对体表形态的影响。这本书帮助我理解了，为什么在某些角度下，人体会呈现出特定的轮廓，以及如何通过理解肌肉的层次来准确地描绘出身体的体积感。它让我能够将我对骨骼的理解，更有效地转化为对人体整体形态的把握，让我的绘画作品更加逼真和立体。

评分☆☆☆☆☆

我是一名雕塑系的教授，我一直在寻找能够系统性地、深入浅出地讲解人体解剖学，并且能够启发学生艺术创作灵感的教材。我接触过不少解剖学书籍，但很多都过于枯燥，充斥着医学术语，难以引起学生的学习兴趣，也难以将理论与实践紧密结合。直到我发现了《Anatomy for the Artist》，我才觉得我找到了我一直在寻找的理想教材。《Anatomy for the Artist》这本书最让我赞赏的是其独特的视角和精美的呈现方式。它不仅仅是单纯地罗列骨骼和肌肉的知识，而是将这些科学的严谨性，与艺术的直观性完美地结合起来。书中大量的精美插图，清晰地展示了人体的骨骼、肌肉层次，并且非常巧妙地将它们与实际的绘画和雕塑作品进行对比。它解释了每一块骨骼和肌肉在塑造人体形态中所扮演的角色，以及它们在不同姿势和运动下的变化。我尤其喜欢书中关于人体比例、动态和体积感的讲解。它能够帮助我的学生理解，为何人体在不同姿态下会呈现出如此丰富多样的形态，以及如何通过掌握解剖学原理来精确地表现这些形态。这本书不仅能够帮助学生打下坚实的解剖学基础，更能激发他们对人体形态的艺术思考，引导他们去创作出更具表现力和生命力的作品。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余的数字艺术家，我一直在努力提升自己的人物绘画能力。尤其是在角色设计和插画创作中，如何画出准确、有说服力的人体比例和动态，一直是我的一个巨大挑战。我尝试过很多在线教程和书籍，但总感觉隔靴搔痒，缺乏一种系统而深入的理解。直到我偶然发现了《Anatomy for the Artist》，我才感觉我找到了通往更高级别的艺术之路。《Anatomy for the Artist》最让我震撼的是它对于人体各个部分的解剖学知识进行了非常细致且易于理解的讲解。它不仅仅是简单地展示骨骼和肌肉的图片，而是非常巧妙地将这些抽象的科学知识，与我们日常观察到的、在绘画中需要表现的体态、线条和体积紧密地联系起来。例如，书中对于肩胛骨和锁骨在手臂运动中的作用的讲解，让我以前模糊的理解变得清晰起来。它解释了为什么手臂在不同的角度和姿势下，肩部的线条会有如此大的差异，以及如何通过理解这些解剖学原理来准确地描绘出来。我还特别喜欢书中关于肌肉如何随着运动而收缩和伸展的演示，这让我对动态的人物绘画有了全新的认识。以前我画人物动作时，总感觉有些僵硬，但现在我能够通过理解肌肉的张力来表现出人物的动态和力量感。书中的插图质量非常高，清晰地展示了不同层次的解剖结构，并且有很多将解剖图与最终的绘画表现结合的例子，这对于我这样的数字艺术家来说，是极其宝贵的学习资源。

评分☆☆☆☆☆

我是一名自由插画师，我的工作经常需要绘制各种不同风格的人物，从写实的肖像到幻想风格的角色。我一直认为，无论风格如何，准确的人体比例和结构是赋予角色生命力的基础。我花了很多时间在学习人体解剖学上，但很多教材过于学术化，难以直接应用到我的实际创作中。直到我偶然发现了《Anatomy for the Artist》，我才觉得我找到了我一直在寻找的“革命性”的学习资源。这本书最让我印象深刻的是，它将枯燥的解剖学知识，用一种非常艺术化、可视化的方式呈现出来。它不仅仅是展示肌肉和骨骼的图谱，而是深入浅出地解释了这些结构是如何影响到我们看到的身体形态。书中关于人体不同部位，如肩部、腹部、腿部等，对肌肉和骨骼结构的详细剖析，让我能够更清晰地理解这些区域的比例、体积和动态。我特别喜欢书中展示的不同姿势下，肌肉的变化和表现。这让我能够更准确地捕捉到人物的动态和力量感，让我的插画作品更加生动和有说服力。例如，当我在绘制一个奔跑的人物时，我不再是凭空想象，而是能够根据我对腿部肌肉运动的理解，来准确地描绘出肌肉的收缩和伸展，让整个动作看起来更加真实。这本书的插图质量非常高，而且讲解清晰，逻辑性强，极大地提升了我对人体结构的理解能力，也直接反映在我的绘画作品的质量上。

评分☆☆☆☆☆

我是一名雕塑家，我的工作离不开对人体形态的深刻理解。在尝试用黏土塑造出逼真且富有生命力的人物时，我发现解剖学知识是必不可少的工具。然而，我过去阅读的解剖学书籍，虽然专业性极强，但往往过于偏重医学术语，对于视觉化的表现力稍显不足，这使得我很难将其直接应用于三维创作中。直到我翻阅了《Anatomy for the Artist》，我才真正体会到什么叫做“看得见的解剖学”。这本书的图文并茂，简直是为我量身定做的。它不仅仅提供了清晰、精美的解剖图，更重要的是，它用艺术家能够理解的语言，解释了每一块肌肉、每一根骨骼在塑造外形中所扮演的角色。我能够清晰地看到，肌肉是如何随着骨骼的运动而产生形变，又是如何塑造出我们肉眼所见的肌肉线条和块面。书中对于人体不同部位的讲解，例如肩部、手臂、躯干和腿部，都详细地分解了其内部结构，并展示了这些结构如何影响表面的形态。我学会了如何通过理解骨骼的轮廓来把握整体的体量，如何通过观察肌肉的走向来塑造肌肉的起伏，以及如何在不同的光线下表现出人体形态的微妙变化。这本书帮助我克服了许多在雕塑过程中遇到的瓶颈，让我能够更自信地去处理人体比例、动态和体积感，创作出更具表现力和艺术性的作品。

评分☆☆☆☆☆

我的职业是一名动画师，我每天的工作就是将静态的画面赋予生命，创造出流畅且富有表现力的角色动画。在我看来，要让动画角色“活”起来，最关键的要素之一就是准确且有说服力的人体动态。我尝试过很多方法来提升自己在这方面的能力，但直到我遇见了《Anatomy for the Artist》，我才找到了真正能够帮助我突破瓶颈的宝藏。这本书最让我惊艳的地方在于，它不仅仅是一本关于解剖学的书，更是一本关于“如何用解剖学来理解和表现人体”的艺术指南。书中对于骨骼和肌肉的讲解，并不是孤立的，而是非常巧妙地将其与人体的运动和姿态联系起来。例如，书中对于肩部、髋部和脊柱在旋转和弯曲时的动态变化，有着非常详尽的图示和解释。这对于我制作角色动画时，如何让他们的动作看起来自然流畅，避免出现“木偶感”至关重要。我尤其欣赏书中对于不同运动方式下，肌肉群如何协同工作的分析。这让我能够更好地理解，为什么一个跑步的角色，他的腿部肌肉会有怎样的起伏，为什么一个跳跃的角色，他的身体重心会如何转移。这些细致入微的观察和讲解，都转化为我动画创作中能够直接应用的宝贵知识。它帮助我摆脱了过去仅仅依靠“感觉”来画动作的阶段，而是能够建立在扎实的解剖学基础上，创造出更具说服力和感染力的动画角色。

评分☆☆☆☆☆

我一直对古典艺术中的人体雕塑和绘画作品情有独钟，尤其着迷于那些艺术家如何能够如此精准地捕捉到人体的神韵和动态。作为一名业余的艺术爱好者，我试图通过学习解剖学来提升自己对这些伟大作品的理解。然而，我过去阅读的解剖学书籍，往往过于偏重科学的严谨性，对于我这样一个非专业人士来说，显得有些晦涩难懂。直到我偶然发现了《Anatomy for the Artist》，我才真正体验到了“豁然开朗”的感觉。《Anatomy for the Artist》这本书，它将复杂的解剖学知识，用一种极其艺术化、视觉化的方式呈现出来。它没有回避科学的严谨性，但却用一种非常易于理解和欣赏的方式，将骨骼、肌肉的结构与人体表面的形态紧密地联系起来。我能够通过书中清晰的插图，看到每一块肌肉是如何附着在骨骼上，以及它们是如何共同塑造出我们看到的身体轮廓。书中对于人体不同部位，如头部、手部、脚部等，对骨骼和肌肉的详细分析，让我对这些“细节”的理解有了质的飞跃。我之前在绘制手部时，总是感到非常困难，但通过这本书，我能够清晰地看到手部骨骼的连接方式，以及不同肌肉群在做出各种手势时的变化，这极大地提升了我绘制手部准确性和表现力。这本书让我能够更深入地理解那些伟大艺术作品中，人体形态的精妙之处，也为我自己的艺术探索提供了源源不断的灵感。

评分☆☆☆☆☆

我是一名舞台剧导演，对于演员的肢体表达和人物的塑造有着极高的要求。在排练过程中，我经常需要指导演员如何通过肢体来传达角色的情感和性格，而准确的人体动态和形态是这一切的基础。虽然我并非科班出身的画家，但我一直相信，理解人体是如何运作的，对于导演来说也是至关重要的。《Anatomy for the Artist》这本书，对于我来说，就像是打开了一扇新的大门。我被书中将解剖学知识转化为视觉化语言的能力深深吸引。它不仅仅是告诉我们肌肉的名字和位置，更重要的是，它解释了这些肌肉和骨骼是如何协同工作，创造出我们看到的丰富多样的肢体动作和身体形态。我通过这本书，理解了为什么在某些情绪下，人的身体会呈现出特定的姿态，比如焦虑时的耸肩，或者自信时的挺胸。书中对于人体重心、平衡以及不同运动链的讲解，也让我对演员的身体控制有了更深刻的认识。我发现，通过理解这些解剖学原理，我能够更精准地为演员设计动作，并且更有效地指导他们去表现角色。这本书的图示非常直观，能够帮助我清晰地看到，身体的哪个部位是支撑点，哪个部位是主要的运动区域，这对于我排练那些需要大量肢体表演的剧目来说，无疑是极大的帮助。它让我能够站在一个更专业的角度，去审视和指导演员的表演，提升整个舞台呈现的质感。

评分☆☆☆☆☆

作为一名健身爱好者，我对人体肌肉的形态和功能一直非常着迷。我经常会观察自己和他人身体的变化，并尝试在脑海中勾勒出它们背后的肌肉结构。我读过一些关于健身和运动生理学的书籍，但它们往往更侧重于训练效果和健康益处，而对于如何将这些知识转化为视觉艺术表现，则很少提及。直到我接触到《Anatomy for the Artist》，我才真正将我对身体的热爱，与我的艺术创作连接起来。这本书在讲解人体解剖学时，不仅仅停留在理论层面，而是非常注重其在视觉艺术中的应用。它清晰地展示了每一块主要肌肉的形态、位置以及它们在运动时如何影响身体的轮廓。我能够从书中学习到，如何通过观察身体表面的起伏，来推断出其下方肌肉的结构和状态。例如，当我看到一个人手臂上的二头肌隆起时，书中会详细解释这块肌肉是如何收缩并改变其形状的。这让我对如何准确描绘人物的身体线条和体积感有了更深入的理解。这本书的图示非常精美，而且将解剖结构与实际的绘画示例结合起来，这对于我这样的健身爱好者来说，是非常直观的学习方式。它帮助我更好地理解人体是如何“运作”的，并能将这种理解转化为我绘画中更逼真、更有力量的人物形象。

评分☆☆☆☆☆

我一直对人体绘画充满热情，从高中时期就开始尝试，直到现在，都还在不断地探索和学习。我尝试过各种各样的教材，有些注重肌肉的解剖结构，有些则侧重骨骼的比例和形态，还有些则更关注皮肤的纹理和光影的表现。但说实话，很少有哪本书能像《Anatomy for the Artist》这样，让我有一种豁然开朗的感觉，仿佛一直以来困扰我的难题，在这里找到了清晰而富有逻辑的解答。我尤其欣赏书中将解剖学知识与实际绘画技巧相结合的方式。它不仅仅是罗列枯燥的骨骼和肌肉名称，而是深入浅出地解释了这些结构在不同姿势下的动态变化，以及它们如何影响到表面的起伏和线条的走向。书中大量的插图，清晰地展示了骨骼、肌肉的层次关系，以及它们是如何与皮肤表面相互作用的。当我面对一个复杂的身体结构时，不再是凭感觉去描绘，而是能够清晰地勾勒出其内在的支撑和动态，这一点对我来说是革命性的。我之前总是在人物的肩膀、髋部、膝盖等关节处感到困惑，画出来的身体总显得僵硬或是不自然，但这本书通过对这些关键区域的详细讲解，让我明白了其中的奥秘。它详细阐述了骨骼的连接方式、肌肉的起止点以及它们在运动时如何收缩和伸展，这些都直接转化为我绘画时对体块的理解和表现。即使是初学者，也能从这本书中找到循序渐进的学习路径，而对于有一定基础的艺术家来说，它更是提供了深度挖掘和精进的宝贵视角。

评分☆☆☆☆☆

完全没基础的话会比较难，还是先找别的教材背一遍再看这本。高清大图足够临摹很久，动态方面不太够，需要找别的补。

评分☆☆☆☆☆

斯国一，人体太美了，画的也很棒！可惜是英文的（＃－.－）不过照着过一遍基础提升妥妥的。

评分☆☆☆☆☆

收了一本 死沉

评分☆☆☆☆☆

要捡回来呀 这本参考图多

评分☆☆☆☆☆

完全没基础的话会比较难，还是先找别的教材背一遍再看这本。高清大图足够临摹很久，动态方面不太够，需要找别的补。