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《硬笔楷书古代圣贤名言(修身篇)》由中国书店出版。
《翰墨丹青：中国古代绘画艺术流变史》 卷一：远古的萌芽与先秦的图腾 本书旨在梳理自远古时期至秦代，中国绘画艺术从朴素的图腾、岩画逐步发展为具有初步审美意识的图像符号的历史脉络。我们探讨了早期人类如何通过描绘狩猎场景、神灵形象来寄托生存愿望与精神信仰，并深入分析了陶器、玉器上抽象与具象结合的纹饰，如何为后世绘画的造型语言奠定基础。 第一章 史前的回响：岩画与陶器上的生命符号 岩画的狩猎叙事： 从宁夏贺兰山到云南沧源，分析岩画中对自然、动物的粗犷描绘，如何反映早期社会的生活状态与宇宙观。重点解析“人兽合一”的巫术图腾对后世神仙画的影响。 彩陶的几何美学： 探究仰韶文化、马家窑文化彩陶上图案的几何化趋势，讨论其在抽象表达与空间组织上的初步尝试。 第二章 礼乐文明的定型：周代的青铜与漆器 青铜器的神秘装饰： 详述商周时期，青铜器上饕餮纹、云雷纹等纹饰的象征意义及其与宗教礼仪的紧密关系。研究其线条的力度与结构的庄重感。 漆画的初露端倪： 记录楚文化墓葬中出土的漆器绘画，这些描绘宴饮、神游的场景，展现了早期对叙事性与装饰性并重的探索。分析战国帛画的出现对绘画独立性的意义。 --- 卷二：两汉的写实觉醒与壁画的兴盛 秦汉时期，随着统一帝国的建立和思想的整合，绘画艺术开始摆脱纯粹的宗教和礼仪功能，展现出对现实世界和历史事件的关注。 第三章 秦汉画像石与砖的叙事革命 墓葬壁画的世俗化： 详细考察汉代墓室壁画的内容，从“升仙图”到“庖厨宴饮图”，揭示了汉代人对生前荣耀和死后享乐的集体想象。 线性叙事的成熟： 分析汉画中标志性的“高视点、平面化”的空间处理手法，及其如何高效地传达复杂的历史故事，如《赤壁之战》、《列女传》的图像化。重点剖析“线描”作为中国画基本语言的定型过程。 --- 卷三：魏晋风骨与人物画的自觉 魏晋南北朝是中国文化史上的重要转折点，玄学思潮的兴起，使得士人对个体精神的关注空前高涨，直接推动了人物画的哲学化和士人画的萌芽。 第四章 顾恺之与“传神写照” 形神兼备的理论基石： 深入阐述顾恺之“以形写神”的美学核心，分析其画论对后世人物画的决定性影响。 《洛神赋图》的艺术解析： 以流传的摹本为例，细致分析顾恺之笔下女性形象的飘逸性、动态感和内在情感的表达，探讨线条的“吴带当风”之妙。 第五章 宗教艺术的辉煌：石窟造像与佛教图像学 云冈与龙门的气韵： 研究北魏时期佛教造像艺术的融合，从犍陀罗风格到本土化的转变，特别是褒衣博带式服装的出现，对人物造型的影响。 壁画中的叙事与供养： 分析敦煌早期壁画中对佛本生故事的描绘，以及供养人形象的世俗化趋势，展现了艺术如何服务于信仰传播。 --- 卷四：隋唐盛世：气象万千的时代风格 隋唐是中国封建社会的鼎盛时期，国力强盛带来的文化自信体现在绘画上，即气势恢宏、色彩饱满、题材广阔的盛唐气象。 第六章 阎立本与吴道子：庙堂气象与“吴带当风” 盛唐肖像的典范： 探讨阎立本在历史人物画上的成就，其作品对人物性格的精准捕捉。 道子改革与线的解放： 详述吴道子如何以“吴带当风”的独特笔法，彻底改变了线条的僵硬感，赋予画面以强大的运动生命力，标志着中国画技法达到了一个新的高峰。 第七章 山水画的独立与发展 李思训与青绿山水： 分析唐代金碧辉煌的“界画”与“青绿山水”的繁盛，探讨其装饰性与叙事性的平衡。 王维的禅意山水： 考察“水墨为上”思想的雏形，及其与禅宗“空”与“静”观念的契合，为五代、宋代文人山水画的兴起埋下伏笔。 --- 卷五：五代宋初：山水画的成熟与院体的典范 进入五代和宋代，随着“格物致知”的学术风气，山水画完成了从背景到独立画科的转变，并形成了皇家院体和民间院体的两大高峰。 第八章 南北宗的对峙与融合 北方气势与南方润秀： 对比荆浩、关仝的雄浑山水（如“斧劈皴”）与南方董源、巨然的温润笔法（如“披麻皴”），分析地域文化对笔墨语言的影响。 院体画的精微与宏大： 重点分析宋徽宗时期翰林图画院的院规、考核制度，以及李成、范宽等大家如何将自然观察提升到哲学高度，创作出气势磅礴的巨制。 第九章 《清明上河图》的社会风俗画史 张择端的历史贡献： 详细剖析《清明上河图》在构图、透视、人物动态捕捉上的革命性成就，它不仅是艺术品，更是研究北宋社会生活的第一手文献。 --- 卷六：元代：文人画的崛起与笔墨的自觉 元代，士人阶层因政治变动而退隐山林，艺术的重心彻底转向了个人情感的抒发和笔墨技巧的探索，文人画体系最终确立。 第十章 “元四家”的笔墨探索 赵孟頫的复古精神： 探讨赵孟頫如何以“作书用笔”入画，倡导“书画同源”，并为后世帖学风格定下基调。 “以诗为画”的境界： 深入分析黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家，如何将“诗、书、画、印”融为一体，用干笔、淡墨表现胸中丘壑，完成了对宋代院体“形似”传统的反叛。 --- 卷七：明清：流派纷呈与风格的集大成 明清两代，绘画进入技法和风格的“集大成”与“反思”阶段，艺术思潮围绕着对元代文人画的继承与创新展开。 第十一章 明代的学院派与地域画派 浙派的雄健： 考察戴进、吴伟如何将院体遗风与北方山水相结合，形成雄劲的浙派风格。 吴门画派的文雅： 分析沈周、文徵明、唐寅等人在继承元人笔意的基础上，发展出雅致、细腻的江南文人画风。 第十二章 董其昌的南北宗论与“意”的强调 理论的定型： 详细解读董其昌提出的“南北宗论”，分析其如何将中国绘画史进行二元划分，并确立了以文人画为正统的格局。 松江画派的禅意：探讨董其昌本人以淡墨晕染、以书入画的独特风格对清初画坛的深远影响。 第十三章 清代的笔墨争锋与“四王”的整合 摹古的极致： 分析王鉴、王翚等“四王”在继承传统笔墨程式上的集大成，尤其对元代笔法的细腻整合。 “四僧”的叛逆与创新： 对比石涛（既是理论家也是实践者）和八大山人（朱耷）的创作，他们如何挣脱程式的束缚，以强烈的个性和高度概括的笔墨，表达对乱世的感怀与对自我的审视。 --- 结语：走向近代的多元探索 本书最后梳理了清末民初，以虚谷、任伯年等为代表的画家，在西学东渐背景下，对绘画材料、透视方法进行试验性探索的历程，为中国画如何迈向现代性提供了历史的注脚。全书以时间为轴，以风格流变为纲，力求全面展现中国绘画艺术的内在逻辑与审美演变。
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