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出版者:广西美术出版社

作者:中等师范《中国画》教材编写组

出品人:

页数:162 页

译者:

出版时间:2000年1月1日

价格:26.3

装帧:平装

isbn号码:9787806258705

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 美术
• 技法
• 入门
• 平装
• 文化
• 国画
• 教程

好的，这是一份关于一本名为《东方神韵：中国传统艺术鉴赏》的图书的详细简介，该书内容完全不涉及您提到的《中国画（平装）》一书。 --- 东方神韵：中国传统艺术鉴赏 卷帙浩繁，涵纳古今：一场穿越时空的艺术之旅 《东方神韵：中国传统艺术鉴赏》并非仅仅是一本艺术图录，它是一部深度剖析中华文明核心精神脉络的百科全书式著作。全书以宏大的历史视角和精微的个案分析相结合的手法，系统梳理了中国艺术自新石器时代萌芽至近现代转型期的演变历程。本书的独特之处在于，它打破了传统艺术史“门类分割”的僵硬界限，着重探讨了“道”与“器”、“形”与“意”在中国传统艺术哲学中的相互渗透与统一。 全书共分为八个主要篇章，辅以数百幅高清彩图和详尽的文物数据支持，旨在为读者提供一个全面、立体、富有思想深度的鉴赏框架。 --- 第一篇：文明之源——史前至秦汉的图腾与奠基 本篇聚焦于中国艺术的“原点”。我们深入考察了红山文化、良渚文化的玉器工艺，分析了其宗教信仰与权力结构的关系。重点阐述了商周青铜器上繁复的饕餮纹饰如何从巫术符号演变为国家意识形态的载体。秦汉部分，则详尽描绘了兵马俑群像的恢弘气势，以及汉代画像砖石中蕴含的民间生活图景与宇宙观。我们特别辟出章节，探讨了“礼制”如何塑造早期中国的艺术形式，以及道家思想的早期萌芽对“自然”形态的初步关注。 --- 第二篇：精神的觉醒——魏晋南北朝的“士气”与笔墨的独立 这是中国艺术史上一个至关重要的转折点。在社会动荡与思想解放的背景下，艺术开始从纯粹的依附性角色中挣脱出来，追求个体精神的自由表达。本篇详细剖析了顾恺之的“传神写照”理论，阐释了“骨法用笔”如何从技法上升为一种人格的象征。同时，我们对云冈、龙门石窟的造像艺术进行了对比研究，揭示了佛教艺术在不同地域和不同时期所体现出的民族化进程与本土审美趣味的融合。 --- 第三篇：盛世气象——隋唐的万国气象与雕塑的巅峰 唐代，中国艺术以其博大精深的胸襟达到了一个新的高度。本章着重研究了唐三彩的色彩哲学，以及长安城作为国际都会对艺术风格的辐射与吸收。在雕塑领域，我们详细考察了唐代造像所展现出的圆润、丰腴、充满生命力的审美特征，并对比了吴带当风的飘逸与早期石窟艺术的古朴，分析了盛唐“自信与开放”的精神如何转化为艺术的具象语言。 --- 第四篇：内敛的张力——宋代的“格物致知”与瓷器的极致 宋代是中国美学的成熟期。本篇的核心在于探讨宋代理学兴起对艺术观念的影响，即从“外放”转向“内省”。我们深入分析了宋代山水画中“可行、可望、可游、可居”的理想空间构建，以及院体画的精致入微如何体现了“格物致知”的科学精神。此外，宋代瓷器——汝、官、哥、定、钧——的审美，特别是其釉色的“天青”之美，被视为对宇宙和谐的终极模拟。 --- 第五篇：文人理想——元代书画的精神自足与“逸品”哲学 元代，艺术彻底被文人阶层所主导。本篇聚焦于“四大家”——赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇——的创作理念。我们详细解读了“逸品”论的内涵，即艺术创作如何成为士大夫逃离政治漩涡、寄托个人情怀的精神避难所。此阶段的笔墨语言，愈发注重书写性与个人情感的直抒胸臆，为后世的艺术发展奠定了基础。 --- 第六篇：世俗的繁华——明清的市民趣味与工艺的精工细作 随着商品经济的发展和城市生活水平的提高，明清时期的艺术呈现出世俗化和精细化的趋势。本章细致考察了明代晚期江南的文玩鉴赏风气，以及清代宫廷工艺（如珐琅彩、漆器）所达到的令人叹为观止的技术高峰。我们探讨了这一时期“雅”与“俗”之间的张力，以及市民阶层对装饰性、趣味性的追求如何反作用于传统艺术的严肃性。 --- 第七篇：雕琢的艺术——中国传统园林与建筑的空间哲学 本篇跳出了架上的局限，转向空间艺术。我们以苏州园林（拙政园、留园）和皇家园林（颐和园）为例，系统分析了中国园林中“移步换景”、“曲径通幽”的设计手法，揭示了中国建筑对天人合一理想的实践。建筑结构中的斗拱、榫卯技术，不仅是工程学的奇迹，更是结构与美学完美结合的体现。 --- 第八篇：无声的音乐——中国传统音乐与戏曲的符号体系 为了全面展现“东方神韵”，本书最后深入探讨了音乐与戏曲艺术。我们分析了古琴的“减字谱”，探讨了其如何通过音色的枯涩、空灵来表达哲思。戏曲部分，则重点剖析了脸谱、水袖、程式化动作所构成的复杂符号系统，如何以极度抽象和凝练的方式，在舞台上浓缩了数千年的历史故事与道德观念。 --- 核心价值与阅读指南 《东方神韵：中国传统艺术鉴赏》致力于构建一个跨越门类、贯穿时空的中国艺术认知体系。它要求读者不仅仅停留在“看美”的层面，更要深入理解每一件艺术品背后所承载的时代精神、哲学思考和生活理想。本书适合艺术史研究者、文化爱好者，以及所有渴望真正理解东方审美核心的读者。通过本书，您将能体会到，中国艺术的魅力，在于其永恒的意境追求与笔墨的生命力。 ---

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说实话，我买这本书主要是冲着“平装”二字的便携性去的，想着可以随时带在身上，在咖啡馆或者通勤路上翻阅。我个人更偏爱那种强调“观看”而非“阅读”的画册。我希望一本关于中国画的书，能有大量的高清、无删减的细节图，让我能专注于墨色的渗透、线条的提按顿挫，以及留白处理所带来的空间哲学。这本书的图片数量倒是不少，但清晰度和色彩还原度，恕我直言，有点令人失望。特别是对于那些依赖色彩渲染来体现意境的工笔重彩作品，成品书上的颜色显得有些“发灰”，失去了原作那种光彩夺目的效果。这就好比你去听一场现场音乐会，结果只能通过一个老旧的收音机来收听一样，神韵大打折扣。我尤其想看到唐代周昉《簪花仕女图》中那种轻盈的线条如何勾勒出丰腴之美，或者宋代山水画中那种润泽的赭石是如何与淡墨完美融合的。这本书里给出的图例，往往是整幅画的缩影，缺乏那种“特写”镜头。这让我感觉，作者似乎更倾向于提供一个历史脉络的框架，而不是一种深入的视觉体验。我明白平装本的成本限制，但这对于一本视觉艺术的图书来说，是致命的短板。毕竟，中国画的美感，很大程度上是“可见”的，是经不起模糊处理的。

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拿到这本《中国画》平装书时，我最大的感受是“意料之外，情理之中”。我一直对明清时期的人物画尤其感兴趣，尤其是吴门画派那种雅俗共赏，又兼具文人风骨的特质。我本希望这本书能用相当大的篇幅来解构一下仇英的工细与唐寅的洒脱之间，在笔法上的细微差别，或者深入挖掘一下陈洪绶笔下人物造型的夸张与变形，是如何服务于他那种孤傲的文人情怀的。然而，这本书对这些时期的处理，非常平均，甚至有点“平均主义”。每一部分似乎都只给了一个概览性的介绍，就像是目录的展开版。比如，提到“写意花鸟”，它会顺带提一下徐渭的狂放，但对徐渭那种近乎泼墨的书写性笔法，是如何挑战传统笔墨规范的，并没有给出足够的笔墨分析。我翻阅的很多其他艺术史书籍，常常会花上好几章的篇幅来钻研一种特定的“笔墨语言”，因为在我看来，笔墨本身就是中国画的精髓所在，是艺术家与千年传统对话的独特语汇。这本书的叙事节奏很快，仿佛生怕读者会觉得无聊而停下来。这种节奏感，对于想快速了解“中国画有哪些门类”的人或许友好，但对于我这种痴迷于“它如何画出来”的细节控来说，简直是隔靴搔痒。它给了我地图，但没有给我指南针和望远镜，我依然需要在脑海中自己去构建那些复杂的技法体系。排版上，图文的穿插也显得有些随意，有些重要的图例旁边，配的文字说明过于简略，反而是一些不那么关键的知识点却占用了大量的篇幅，整体阅读体验在逻辑流向上显得有些跳跃。

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这本《中国画》的平装版本，说实话，拿到手里的时候，我心里是有点小期待的，毕竟“中国画”这三个字本身就带着一种厚重的文化气息。我原本以为会是一本系统介绍历代名家流派、技法演变的大部头，或者至少能深入探讨一下文人画与院体画的内在区别。然而，翻开之后，我发现它更像是一本速览式的导览手册。它的覆盖面很广，从早期岩画的粗犷线条，到唐宋的恢弘气势，再到元明的雅致意趣，几乎是走马灯一样掠过。这种广博的好处是，对于初学者或者想快速建立一个宏观框架的人来说，它提供了一个不错的起点，让你知道“有哪些”和“大概在什么时候”。但是，这种广博也带来了深度上的不足。比如，在谈到水墨晕染的技法时，它往往只是简单地提及“墨分五色”，却没有配上足够精细的图例来解析如何通过控制水分和墨的浓度来营造层次感。再比如，对于某个流派的核心精神，比如董其昌“以书入画”的理论精髓，介绍得也略显单薄，更多是陈述性的文字，缺乏对画面细节的深入剖析。我期待能看到更多针对具体作品的微观分析，比如用放大镜去看一笔皴法的力量感，去感受设色中颜料的质感。总的来说，它更像是一本合格的入门教材，能带你认识门牌，但想走进殿堂深处，还需要寻找更专业的向导。书的装帧本身倒是挺结实的，平装的纸张也算可以，没有太多的廉价感，但内页的印刷质量，尤其是对一些色彩浓郁的作品的还原度，总觉得略微黯淡了一些，少了一点原作扑面而来的生命力。

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这本书的语言风格，给我一种非常“官方”和“学院派”的感觉，行文规范、准确，但缺乏一种能够点燃读者热情的“文采”或“亲和力”。每一个论断都小心翼翼，如同在走钢丝，生怕说错一个字，导致整体的阅读体验略显枯燥乏味。我更喜欢那种带着个人体悟和情感色彩的评论，即使偶尔带着主观性，也能让读者感受到作者对艺术的热爱和思考的深度。例如，在描述那些气势磅礴的北方山水时，我期待看到一些富有画面感的形容词，一些能让人联想到“云雾缭绕”、“斧劈刀砍”的文字张力。而这本书的文字，平铺直叙，像是在撰写一份技术报告。这种过于克制的笔触，削弱了中国画本身所蕴含的激情和诗意。此外，在术语的使用上，对于非专业读者来说，某些专业名词的解释不够友好，虽然在脚注或者括号里有简单说明，但整体的阅读流程不够顺畅。我更希望作者能够用更具画面感的语言，将复杂的技法和抽象的哲学概念“翻译”成普通人也能体会的审美愉悦。这本书适合作为快速查阅资料的工具书，但如果想沉浸式地与中国画的伟大精神进行一次深度交流，它似乎还缺少了那一把能够打开心门的钥匙，少了些许烟火气和人文温度。

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我是一个对哲学思辨和文化根源非常感兴趣的读者。在我看来，中国画不仅仅是技艺的展现，更是“天人合地”思想的物化。我期待一本优秀的中国画读物，能够将艺术创作与当时的社会思潮、道家或儒家的思想体系紧密结合起来。比如，探讨“计白当黑”的空间处理，如何映射了中国古代的虚实观；或者研究“写意”一词，如何体现了文人阶层对个体精神自由的极致追求。然而，这本书的论述，很大程度上停留在“是什么”和“谁画了”的层面，对于“为什么是这样”的深层文化动因，挖掘得不够彻底。它更像是一部教科书式的知识点罗列，而不是一本富有洞察力的文化随笔。比如，在讨论到元代四家时，只是简单介绍了他们的师承关系和代表作，却没有深入剖析在蒙古统治背景下，文人画如何成为一种“避世”的艺术形态，以及这种避世心态是如何反向塑造了他们的笔墨语言的。这种对时代背景和社会心理的连接缺失，使得整本书读起来略显“失重”，缺乏扎根于历史土壤的厚实感。我希望看到的是对艺术史“背后逻辑”的探讨，而不是仅仅对艺术史“表面现象”的描述。对于那些有一定艺术史基础的读者来说，这本书提供的新见解非常有限，更多是知识点的复习和巩固，缺乏那种醍醐灌顶的学术惊喜。

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