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出版者:广西美术出版社

作者:陈绶祥

出品人:

页数:333

译者:

出版时间:2007-8

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787807461296

丛书系列:

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《山河入梦：写意山水意境解析》 本书并非一本讲解笔墨技巧的传统国画教程。它是一次对中国山水画精神内核的深度探索，一次沉浸式的意境品鉴之旅。我们不教你如何勾勒皴擦，不探究颜料的调配，而是带你穿越时空，走进中国文人心中的山水，感受那份“胸中丘壑”的勃发与沉寂，体悟那份“遗貌取神”的超脱与洒脱。 内容预览： 第一章：山水非山水——精神世界的开端 从哲学的高度审视山水画的起源，追溯其作为“寄托”、“遣怀”、“悟道”载体的深层含义。 探讨“天人合一”的哲学观如何渗透于山水画的创作之中，以及为何中国人总是能在山水中找到慰藉与启迪。 解析“诗中有画，画中有诗”的说法，理解山水画如何承载着诗意的想象与情感的共鸣。 第二章：气韵生动——超越形似的生命力 深入剖析“气韵生动”这一中国画的最高评判标准，它不仅仅是形似，更是内在生命力的流淌。 通过对不同时代、不同风格的山水画作品的解读，展现“气韵”是如何通过笔墨的节奏、墨色的变化、构图的疏密来传递的。 探讨“写意”精神在“气韵”传达中的核心作用，理解为何“似与不似之间”蕴藏着最无穷的意趣。 第三章：境生象外——山水画的意境之美 “意境”是中国山水画的灵魂。本章将引导读者理解“境生象外”的奥妙，即画面之外的无限延伸。 我们不提供描摹的步骤，而是聚焦于如何通过构图的留白、景物的取舍、云水的虚实来营造出能够引发观者联想的空间。 通过分析范宽的《溪山行旅图》中的苍茫壮阔，董源的《夏山图》中的温润秀丽，黄宾虹的《山水》中浑厚华滋，揭示不同意境的构成要素及其情感指向。 第四章：胸中丘壑——从观察到创造的转化 “胸中丘壑”是画家内心的山水，是现实景物经过情感浸润、思想升华后的精神再现。 本章将探讨艺术家如何通过长期的观察、感悟、冥想，将现实的山川转化为内心的精神图景。 我们将关注画家如何在落笔之处，将个人情感、人生经历、哲学思考注入笔墨之中，使山水画成为个体精神的独特表达。 第五章：水墨的叙事——从黑白灰的哲学 水墨，作为中国画最根本的语言，其魅力远不止于色彩的缺失。 本章将深入探讨水墨的层次、晕染、飞白、宿墨等表现技法所蕴含的哲学意味和情感表达力。 我们将欣赏水墨如何在黑白灰的微妙变化中，呈现出山峦的起伏、水流的动态、云雾的飘渺，以及宇宙的深邃。 第六章：山水画的时代回响 回顾中国山水画在不同历史时期的演变，以及它们如何反映当时的社会思潮、文化精神和审美趣味。 探讨近现代中国山水画在继承与创新中面临的挑战与机遇。 我们鼓励读者从历史的维度去理解山水画的生命力，并思考其在当代社会中的价值与意义。 本书的独特性： 《山河入梦：写意山水意境解析》不是一本“工具书”，而是一本“引路书”。它不教授技巧，却能引领你走进山水画的灵魂；它不提供答案，却能激发你对山水画更深层次的理解和感悟。我们相信，真正的艺术学习，始于对精神的亲近，始于对意境的体悟。希望这本书能成为你理解中国山水画的独特窗口，让你在品读古今名作时，不再止步于“好看”的层面，而是能感受到那份穿越时空的共鸣，那份“遗貌取神”的东方智慧。 翻开这本书，让我们一同走进中国山水画那片深邃而迷人的精神世界。

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这本书简直让我惊艳！我一直对中国传统绘画情有独钟，尤其着迷于水墨山水和花鸟的意境，但苦于没有门路，基础非常薄弱。偶然间在书店瞥见这本《国画教程》，当时就被它的封面设计吸引了，那种古朴典雅的风格瞬间抓住了我的眼球。翻开目录，发现内容非常全面，从最基础的笔墨运用、墨色变化，到各种经典题材的构图和表现技法，都讲解得详详细细，感觉就像一位经验丰富的老先生在手把手地教你一样。 尤其是关于“皴法”的讲解，真是醍醐灌顶。我之前看国画总觉得山石的纹理特别有力量，但自己尝试时总是抓不住要领，画出来的山石要么显得呆板，要么就失了神韵。这本书里把各种常用的皴法，比如披麻皴、斧劈皴、折带皴等等，都做了非常清晰的图示和步骤分解，还特别强调了不同皴法适用于表现的山石类型和不同光照下的效果。读完这部分，我仿佛打通了任督二脉，再看国画大师的作品时，能更好地理解他们是如何用笔来塑造山石的体积感和质感的，自己动手尝试时也更有方向感了。

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我是一名对传统文化充满好奇的学生，一直想尝试学习一些中国传统艺术。国画在我看来是最具代表性的一种。这本书的出现，简直是及时雨！我之前尝试过一些零散的教学视频，但总觉得不成体系，学起来断断续续的。这本《国画教程》就像一个完整的知识体系，从最基础的握笔、运笔，到如何调墨、晕染，再到具体题材的讲解，层层递进，非常适合我这种初学者。 最让我印象深刻的是，书中不仅教授了技法，还融入了大量的中国传统美学思想。比如，在讲解山水画时，它会提到“天人合一”的哲学观念，以及如何通过画面来体现这种和谐统一。在讲解花鸟画时，它会介绍各种花鸟的象征意义，以及古人如何借物抒情。这些文化层面的内容，让我在学习绘画的同时，也对中国的传统文化有了更深的认识和理解，感觉不仅仅是在学画画，更是在学习一种生活态度和审美情趣。

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说实话，我之前对国画的印象可能有些刻板，觉得它要么是高高在上的艺术，要么就是一些古老枯燥的东西。直到我读了这本《国画教程》，才彻底改变了我的看法。这本书用一种非常亲切、生动的方式，让我重新认识了国画。它没有用很多晦涩难懂的术语，而是用了很多生活化的例子来比喻笔墨的运用，比如形容墨色的浓淡变化就像水面的波纹，或者像不同颜色的土壤。 最让我惊喜的是，书中还穿插了很多关于国画历史和文化的小故事，让我在学习技法的同时，也能感受到国画背后深厚的文化底蕴。它让我明白，国画并非脱离生活，而是源于生活，并以一种高度提炼和升华的方式来表现生活。这本书让我觉得，国画离我们并不遥远，它是一种可以被理解、被欣赏，甚至是被学习的艺术。读完这本书，我感觉自己对美的感知力都有所提升，看事物的眼光也变得不一样了。

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我一直觉得学习国画是一个很需要耐心的过程，尤其是在构图和意境的把握上。以前我总是凭感觉来画，画出来的东西总觉得少了点什么，没有那种“画外之意”的韵味。这本《国画教程》在构图这部分给了我很大的启发。它不仅仅是告诉你“哪里该放什么”，而是深入讲解了“为什么要这么放”。比如，关于“留白”的艺术，书中用了大量的篇幅去解释它在国画中的重要性，以及如何通过巧妙的留白来营造空间感、增加画面的呼吸感，甚至还能传达出作者的情感和思考。 我印象最深刻的是关于“意境”的讨论。作者没有给出死板的公式，而是通过分析历代名画，讲解了不同的题材（如山水、花鸟、人物）如何通过构图、色彩、笔墨的配合，来传达出或苍茫、或清新、或淡雅、或雄浑等不同的意境。书中还提到了“以形写神”的理念，让我明白国画不仅仅是客观的描摹，更是主观情感的抒发。读完这部分，我感觉自己对国画的理解提升了一个层次，不再是停留在技法的层面，而是开始懂得如何去“画”心里的感受。

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作为一个长期在广告行业工作的插画师，我一直对国画的写意精神和独特的表现力很感兴趣，总觉得里面蕴含着很多可以借鉴的灵感。我之前也零星看过一些国画作品，但总觉得隔靴搔痒，无法真正体会其中的精妙之处。这本《国画教程》给了我一个非常系统和深入的视角。它不仅从基础的笔墨、构图入手，更重要的是，它还深入剖析了不同画种在用笔、用墨上的独特之处。 比如，关于花鸟画的“勾勒、渲染、点睛”等技法，书中的讲解非常到位。作者不仅展示了不同禽鸟、花卉的绘画步骤，还特别强调了如何运用毛笔的特性来表现对象的质感和神态。我尤其喜欢书中对“写意”的阐释，它并没有把“写意”理解为随意乱画，而是强调在形似的基础上，抓住事物的神韵和特点，用最精炼的笔墨来表达。这对我日后的商业插画创作，比如需要快速抓住人物或事物的特点并赋予其生命力，提供了非常宝贵的思路和技巧。

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