梅兰芳原声唱段及伴奏精选二(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:12.0

装帧:

isbn号码:9787880719512

丛书系列:

图书标签:

• 梅兰芳
• 京剧
• 唱段
• 伴奏
• 戏曲
• 传统艺术
• 音乐
• CD
• 国粹
• 表演艺术

《中国戏曲史纲要》 引言：梨园千载，薪火相传 中国戏曲，作为中华民族优秀传统文化的重要组成部分，拥有悠久的历史和丰富的艺术表现力。它集文学、音乐、舞蹈、表演、美术等多种艺术形式于一体，在漫长的历史进程中不断演变、创新，形成了独具魅力的艺术体系。《中国戏曲史纲要》力求以宏大的历史视野，对中国戏曲从起源到近现代的发展脉络进行系统梳理和深入剖析，展现这一国粹波澜壮阔的艺术历程。本书不仅是一部梳理史实的学术著作，更是一部探究戏曲艺术精神内核与时代意义的文化读本。 第一部分：源头活水——戏曲的萌芽与雏形 (先秦至唐宋) 本部分聚焦于中国戏剧艺术的早期探索阶段。戏曲的根源深植于古代的祭祀仪式、百戏活动以及民间歌舞之中。 一、远古的呼唤与先秦的遗存： 探讨上古的巫傩之术、百戏的起源，以及先秦时期乐舞的成熟对后世戏曲的影响。重点分析《山海经》中部分记载的原始戏剧因素，以及《周礼》中对雅乐的规范，这些都是后来舞台艺术的“基因”。 二、汉代的乐舞与百戏的繁荣： 汉代是社会经济文化快速发展的时期，以“角抵戏”为代表的娱乐活动标志着早期表演艺术的成熟。《汉书·艺文志》中记载的“角抵”不仅是杂技的集合，更包含了简单的情节模拟。本章详细考证了汉代画像石、壁画中反映的表演场景，分析了汉乐府对后世声腔的滋养作用。 三、魏晋南北朝的宗教影响与文人创作： 佛教的传入和道教的兴盛，为戏曲提供了新的题材和表现手法，如佛教的“变文”和“讽经”。同时，文人开始将诗歌与音乐结合，创作出带有戏剧因素的歌舞剧目，如南朝的“大曲”已具备了更复杂的结构。 四、唐代的成熟与“参军戏”的诞生： 唐代是孕育成熟戏曲的关键时期。宫廷的“梨园”制度标志着专业歌舞艺术的建立。更具里程碑意义的是“参军戏”的出现。参军戏是标志着戏曲从歌舞向表演艺术过渡的重要标志，它以滑稽讽刺为主要特征，有人物扮演（参军、苍鹘子等），有简单的对白和情节，是成熟戏剧的真正胚胎。 五、宋元的酝酿与平民化倾向： 宋代的城市经济繁荣，瓦舍、勾栏成为市民阶层主要的娱乐场所。这一时期，曲艺（如说唱）和早期的“杂剧”蓬勃发展。宋代南戏的成熟，标志着中国戏曲第一次真正意义上的定型化，形成了相对完整的“脚色”（角色）和“科道”（程式）。 第二部分：高峰耸立——元明清的鼎盛与流派纷呈 (元曲至清中叶) 元明清三代是中国戏曲艺术的黄金时代，形成了以“杂剧”和“南戏”为代表的成熟体系，并最终汇聚于京剧的形成。 一、元曲的辉煌与关汉卿的开创： 元杂剧是中国戏曲史上的巅峰。本部分深入探讨了元杂剧的“四折一楔子”结构、板式运用以及“一人为主唱”的特点。重点剖析了关汉卿、王实甫、白朴、马致远等“元曲四大家”的艺术成就及其代表作的深刻主题和高超的唱腔设计。分析了元杂剧如何深刻反映元代的社会矛盾与人民心声。 二、南戏的演变与昆曲的崛起： 南戏在宋元时期就已存在，但在元代仍与杂剧并驾齐驱。明代，南戏的声腔系统经过整合，与当时流行的“弋阳腔”融合，最终在嘉靖年间发展出文辞典雅、唱腔婉转的“昆山腔”，即著名的昆曲。 三、昆曲的“集大成”与巅峰期： 昆曲代表了中国古典戏曲的最高艺术成就，被称为“百戏之祖”。本书详细分析了汤显祖“临川四梦”等作品的文学价值和美学特征，以及其在音乐、表演程式（如水袖、亮相）上的精细化构建。探讨了昆曲如何成为士大夫阶层的“雅文化”象征。 四、地方戏的勃兴与声腔的争鸣： 晚明至清代中叶，随着社会阶层的分化和地域经济的发展，以“花部”为代表的地方戏曲开始崛起，冲击昆曲的“雅部”主导地位。本章梳理了梆子、皮黄等声腔系统的形成过程，特别是“花部乱弹”对传统戏曲板式和表演的革新，为清末京剧的形成奠定了基础。 第三部分：革新与转型——近现代戏曲的重塑与未来 (清末至今) 晚清社会动荡，传统戏曲面临前所未有的挑战，但也孕育了重大的艺术变革。 一、京剧的“徽汉合流”与定型： 重点阐述了“四大徽班进京”的历史事件，以及徽、汉、秦腔等声腔如何相互融合，最终在道光、咸丰年间形成了以“皮黄腔”为核心的京剧艺术体系。分析了京剧在化妆、服装、武功和唱念做打四大基本功上的标准化建设。 二、梅兰芳与旦角的艺术高峰： 详细分析了梅兰芳先生对旦角艺术的集大成和创新，其“移步不换景”、“无声胜有声”的表演美学，以及他如何将京剧推向世界舞台，形成了独具魅力的“梅派”艺术。 三、地方戏的振兴与流派纷呈： 二十世纪，各地方剧种如川剧、越剧、湘剧等在继承传统的基础上，吸取京剧和其他艺术形式的营养，形成了各自鲜明的艺术风格。本部分对一些重要的南方剧种的声腔特点和表演特色进行了个案研究。 四、现代戏曲的探索与发展： 从民国时期的“新剧”到建国后的“现代京剧”和“革命现实主义题材”的创作，戏曲艺术不断在继承与创新中寻求突破。分析了当代戏曲艺术家在继承优秀传统的基础上，如何运用现代舞台技术和审美观念，创作出既有民族特色又具时代精神的新剧目。 结语：薪火不息的艺术生命力 《中国戏曲史纲要》总结了中国戏曲史的演进规律，强调了其艺术生命力在于其深厚的民间基础和不断自我革新的精神。戏曲不仅是历史的见证，更是民族精神与情感的永恒载体。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我是一个对古典音乐有着近乎苛刻要求的听众，尤其是对早期录音的动态压缩和音染问题深恶痛绝。所以，当我拿到这套《贝多芬交响全集：1950年代布拉格爱乐录音珍藏版》时，抱着“听个历史片段”的心态去试听的。然而，这次体验是震撼性的。这张专辑的修复团队显然采用了“多点采样与数字对齐”的尖端技术，他们在不牺牲早期录音的“现场感”和温暖特性的前提下，极大地拓宽了频响范围。听第五交响曲的“命运”主题，定音鼓的冲击力不再是模糊的一团鼓点，而是带着明确的皮面张力和木槌的质感，每一个重音都像是直接敲击在你的胸口。更妙的是，指挥家卡尔·施密特对速度的处理，充满了那个时代特有的激情与略微的不可预测性，这与今天许多追求绝对精准的录音截然不同，多了一份鲜活的生命力。这张碟片是对那个伟大指挥家的一次致敬，它让尘封半个多世纪的辉煌再次闪耀。

评分☆☆☆☆☆

这套“戏韵流芳”系列专辑，我一共收了三张，唯独这张《梨园旧梦拾遗录》让我有些爱不释手。光是从封面上那淡雅的靛蓝色调和烫金的古戏文图案，就能感受到制作方对传统文化的敬畏。打开内页，那厚实的纸张和精致的排版，不像现在很多唱片，恨不得把成本都省在印刷上。更让我惊喜的是，它收录了大量我以前只在模糊老唱片里听过片段的早期京剧名家演出录音，比如谭派某位大师在三十年代那场著名的“霸王别姬”的现场返场，那种穿透历史尘埃的韵味，新录音是绝对模仿不出来的。音质上，虽然因为年代久远，偶有嘶嘶声，但整体修复得非常到位，每一个颤音、每一个拖腔的细节都清晰可辨，尤其是板鼓和京胡的配合，那种“丝丝入扣”的感觉，让人仿佛置身于当年的戏楼之中，听得人骨头缝里都发麻。这不仅仅是一张CD，简直就是一部活态的京剧声响博物馆，对于真正懂得品味“原汁原味”的老戏迷来说，绝对是不可多得的珍藏品。它让我重新审视了那个黄金时代的艺术高度，那些大师们对艺术的执着和投入，是今天许多浮躁的表演者难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了研究二十世纪三十年代上海的娱乐文化，这张《霓裳羽衣：都市夜上海的靡靡之音》简直是我的“考古发现”。它收录的并非传统戏曲，而是当时那些受过西洋音乐熏陶的歌者们，如何将中国传统五声音阶与爵士乐、探戈的节奏完美融合的范例。听着里面一些女歌手的演唱，那种慵懒、带着烟草味道的声线，与我们现在听到的任何一种流行音乐风格都大相径庭。制作人显然下了大功夫，他们不仅找到了这些失传已久的母带，还特意用模拟技术进行了二次母带处理，保留了那个时代特有的“温暖感”，没有过度地进行数字化锐化，使得人声的颗粒感和空间的层次感异常丰富。尤其是其中一首《月夜情愁》，背景的弦乐队编排极其复杂，包含了小提琴、大提琴甚至大号，这在当时的唱片中是非常罕见的配置。对于研究中国近现代音乐史的学者来说，这张碟片提供的音像资料，比文字记载要生动和有力得多，它讲述了一个关于文化碰撞与融合的精彩故事。

评分☆☆☆☆☆

如果让我用一个词来形容这张《世界民谣的雨季歌谣》，那便是“治愈”。它收集了来自爱尔兰、布列塔尼、葡萄牙以及南美安第斯山脉的十几个民间吟游诗人的录音片段。这些片段大多是在非常简陋的条件下录制的，可能背景还有风声、海浪声，但正是这种不加修饰的真实感，才使得这些歌声拥有直击人心的力量。我特别喜欢那位葡萄牙的“法多”女歌手，她的声音里充满了对命运的无奈与接受，那种悠长的、近乎哭泣般的颤音，配合着简单的吉他伴奏，不需要理解歌词，也能感受到那种深沉的情感共鸣。这张专辑的编辑者似乎理解，有些艺术的精髓在于其不完美性，所以他们刻意保留了许多原始录音中的“瑕疵”，比如换气声、琴弦的杂音，这些恰恰是“现场感”的来源。听着这些来自世界各个角落的古老歌谣，感觉自己的心绪也被梳理得井井有条，是工作压力大时，帮助我找回内心平静的最佳良药。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这张《民族器乐的当代对话》一开始是持怀疑态度的。我更偏爱纯粹的传统演奏，对那些加入过多现代电子乐器或编曲手法的“融合”作品，总觉得有点“不伦不类”。但这张碟片彻底颠覆了我的看法。它邀请的几位演奏家，比如那位用古筝演奏巴赫赋格的青年才俊，他的技术毋庸置疑，但更难得的是他对音乐的理解，他没有生硬地嫁接，而是让古筝的音色去“回应”巴赫的复调结构，简直是鬼斧神工。另一首川剧板胡与合成器的对飙，更是将“冲突美学”发挥到了极致，板胡那种高亢、略带沙哑的张力，与合成器发出的冷峻、空灵的音色形成了一种奇妙的平衡。整张专辑的录音质量高得惊人，每一个打击乐器的敲击，每一个弓弦的摩擦，都有着极高的动态范围。它证明了，真正的艺术创新，从来都不是对传统的背弃，而是在深刻理解传统的基础上，进行大胆而有力的延伸。它让我对民族音乐的未来充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆