民族独奏乐器伴奏曲集

民族独奏乐器伴奏曲集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:上海音乐
作者:李复斌
出品人:
页数:144
译者:
出版时间:2007-10
价格:32.00元
装帧:
isbn号码:9787807511212
丛书系列:
图书标签:
  • 民族乐器
  • 独奏
  • 伴奏
  • 中国音乐
  • 器乐合奏
  • 教材
  • 乐谱
  • 演奏
  • 民族音乐
  • 艺术教育
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具体描述

《民族独奏乐器伴奏曲集1》内容简介:中国传统音乐中的这种过于朴素,缺少繁富多姿的先天不足随着琵琶的兴起而得到修饰。我国的琵琶最初来自波斯的梨形曲项琵琶,公元五世纪前后,经丝绸之路传人我国中原。隋唐时期已在中国宫廷中广泛运用。如官方“大乐署”、“教坊”、“梨园”等均设有专门的琵琶课(见白居易《琵琶行》)。在琵琶到中国后,无论从外形、结构还是演奏方法、演奏韵味等方面,都产生了深刻变化,使它终于变成了一种地道的中国民族乐器。如,原来隋唐琵琶的演奏是用拨子的,而到了明清,就改成了用五指弹奏;其乐器结构也发生了很大变化。由于演奏范围由宫廷扩散向民间,琵琶的乐目也开始增多。现有的传统琵琶曲主要是清代以来的传谱。它们包括有汉宫秋月、夕阳箫鼓、月儿高、塞上曲(其中包括五首可以连续演奏,也可以分段演奏的小曲)等文曲,又有十面埋伏、霸王卸甲、海青拿天鹅等武曲。还有一些被称为琵琶大曲者,其特点是综合文曲、武曲技术表现于一身,如阳春古曲等,它们都广泛地表现出自隋、唐以来,琵琶在中国生根、演化和发展的大体状况。 琵琶以其颗粒性音响见长,音色独特,演奏灵活多变,自古就有“大珠小珠落玉盘”的赞喻。它不仅能唱、能吟,还长于通过精美的节奏表现歌舞动作,或通过各种多音演奏技术表现复杂的戏剧性音乐内容等,所以近年来,发展尤其迅速。

世界管弦乐名曲精选:交响诗与协奏曲导赏 本书特色: 本书是一部深入探讨世界管弦乐作品的精粹之作,聚焦于十八世纪末至二十世纪中叶的交响诗与协奏曲领域。它并非聚焦于特定乐器的独奏伴奏曲集,而是致力于为读者构建一个宏大、多元的管弦乐声音世界。通过对勃拉姆斯、德彪西、马勒、斯特拉文斯基等大师的代表作进行细致入微的分析与背景阐述,本书旨在引导听众从更深层次理解管弦乐配器的奥秘、作品的哲学内涵以及时代背景对音乐创作的影响。 第一部分:交响诗的兴起与浪漫主义的声响 第一章:叙事之维——从李斯特到施特劳斯 本章首先追溯交响诗这一独立体裁的诞生,重点解析弗朗茨·李斯特如何通过其“音诗”(Poème Symphonique)确立了这一新形式的叙事性和标题性。我们将分析《前奏曲》中主题的“变奏与转换”技巧,以及它如何打破了传统交响曲的束缚。 紧接着,我们将聚焦于浪漫主义晚期最伟大的交响诗作曲家——理查德·施特劳斯。通过对《查拉图斯特拉如是说》的深入剖析,本书不仅探讨了尼采哲学如何渗透到音乐结构中,例如“日出”主题的构建与展开,更详细解析了施特劳斯在配器上的革新,特别是对铜管乐器和打击乐的极致运用,如何营造出史诗般的宏大叙事感。我们也会涉及《唐璜》中对英雄主义的复杂解读,以及《英雄的生涯》中对作曲家本人经历的自传式描绘。 第二章:德彪西与印象派的色彩变幻 本章转向二十世纪初的法国,探讨克劳德·德彪西如何用管弦乐队描绘光影、水波与梦境。《牧神午后前奏曲》被视为印象主义音乐的奠基之作,本书将细致分析德彪西如何运用全音阶、五声音阶以及极为精妙的木管乐器色彩组合,来避免传统和声的逻辑推进,转而追求瞬间的听觉印象。对《海》的分析将着重于“水体”的动态描绘,探讨其分段结构与管弦音色的相互作用。 第二部分:协奏曲的革新:从炫技到对话 协奏曲作为管弦乐体裁中的重要组成部分,其发展脉络清晰地反映了作曲家对“独奏乐器与乐队”之间关系的重新思考。本书的第二部分将避开纯粹为炫技服务的作品,转而关注那些在结构与思想深度上实现突破的协奏曲。 第三章:勃拉姆斯与德沃夏克的“内向型”协奏曲 约翰内斯·勃拉姆斯的两位协奏曲是其交响作品的延伸和深化。我们将深入剖析《第一钢琴协奏曲》的德语交响诗特质,它更像是一部“为钢琴和乐队而作的交响曲”。重点分析协奏曲中乐队主题与钢琴主题的辩证关系,而非单纯的“你来我往”。 对比之下,安东宁·德沃夏克的协奏曲,如《大提琴协奏曲》,则展现了作曲家对民族旋律的运用与浪漫主义抒情性的完美结合。本书将关注其宏大的结构如何容纳深刻的情感表达,特别是终曲部分与第一乐章主题的隐秘呼应。 第四章:二十世纪的协奏曲探索——结构与张力 进入二十世纪,协奏曲的形态经历了剧烈的变化,焦点从炫技转向结构张力与情感的极度内化。 拉赫玛尼诺夫的钢琴协奏曲: 虽然带有浓厚的浪漫主义余晖,但《第三钢琴协奏曲》的复杂性和规模感,使其成为研究键盘与乐队平衡的典范。我们将讨论其标志性的、极度繁复的独奏部分是如何融入整体织体,而非割裂存在。 巴托克的协奏曲语言: 探讨贝拉·巴托克如何将民族音乐的节奏元素与现代和声技巧相结合。重点分析其《第三钢琴协奏曲》的简洁配器与鲜明的节奏驱动力,以及他如何通过简洁的乐队织体来突出钢琴的“对话”角色。 斯特拉文斯基的“新古典主义”协奏曲: 分析《D大调小提琴协奏曲》如何运用新古典主义的清晰轮廓和对位技巧,在继承巴赫等古典大师传统的同时,注入了现代的节奏断裂感和色彩处理。 第三部分:管弦乐的里程碑:马勒与二十世纪的宏大叙事 第五章:马勒的“世界交响曲”及其管弦配置 古斯塔夫·马勒的交响曲常被视为管弦乐配器和结构探索的终极范例。本章将详细解析马勒如何运用空前的乐队规模(包括大量打击乐、额外人声和返场乐器)来承载其对生命、死亡和宇宙的哲学思考。 重点分析《第三交响曲》如何通过六个乐章的结构,描绘从“无生命物质”到“人类的爱与上帝”的完整图景。书中将详述马勒对特定音色(如铜管的“呼喊”声、弦乐的“颤抖”)的偏好,以及这些色彩如何服务于其庞大的叙事意图。 第六章:现代主义的视野——肖斯塔科维奇的张力表达 德米特里·肖斯塔科维奇的管弦乐作品,尤其其交响曲和协奏曲,是理解二十世纪中期社会压力如何影响艺术表达的绝佳案例。本书将分析他在配器上对“怪异”与“直白”的并置使用,例如在《第五交响曲》中,如何通过极度简约的乐队织体来表达个体在集体压力下的挣扎,以及其在讽刺与悲剧之间游走的复杂音色选择。 结语:聆听管弦乐的永恒对话 本书最后总结了自浪漫主义晚期以来,管弦乐音乐在结构、和声、以及音色运用上所经历的革命性变化。它强调,这些伟大的交响诗与协奏曲,正是作曲家们通过庞大的乐队编制,对时代、对人性、对世界进行最深刻、最全面的发声。本书旨在为所有对古典音乐抱有热忱的听众和学习者,提供一个全面且富有洞察力的导览。

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这本书最让我感到困惑的是其曲目选择的逻辑。它似乎没有遵循任何明确的“民族”分类法,既不按地域划分,也不按体裁划分。我发现了几首改编自戏曲板腔的曲子,穿插着几首完全陌生的少数民族歌谣,甚至还有一首似乎是改编自某个北方民间器乐合奏曲的简化版。这种跳跃式的选材,让我很难找到一个贯穿始终的“线索”来理解编者的整体创作意图。它不像一本严谨的“集子”,更像是一位作曲家在过去十年里不同创作阶段的作品摘录,带着强烈的个人印记和心血来潮。如果你是想通过它系统性地了解某一特定地域的民族音乐,这本书会让你迷失方向。它更适合那些寻求“灵感火花”的作曲系学生,或者希望在自己的音乐会中加入一些“意料之外”曲目的独奏家,来制造听觉上的反差和惊喜。

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我是在一个朋友的推荐下买到这本《民族独奏乐器伴奏曲集》的,他告诉我,这本书里有一段专门为中阮和低音提琴写的对位乐段,非常具有实验性。我抱着极大的好奇心翻找,然而,通篇阅读下来,我并没有找到任何明确标注为“中阮与低音提琴”的曲目。我仔细检查了所有的乐器编制列表和曲目说明,里面出现的乐器配置大多是:独奏乐器+钢琴、独奏乐器+弦乐五重奏,或是某些奇特的组合如独奏高胡+木管五重奏。也许我朋友记错了,或者他指的是某段伴奏声部中,某一小节的织体与低音提琴的某一表现手法相似?这让我对这本书的“准确性”产生了怀疑。如果连器乐编制的标志性段落都难以定位,那么读者在依赖这份曲集进行排练时,可能需要花费大量时间去揣摩编者的真实意图,而不是直接采纳现成的方案。它仿佛是一份充满“谜语”的乐谱,需要演奏者自己去解开。

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说实话,这本书的乐谱印刷质量实在不敢恭维,有些小节的指法标记和力度记号印得非常模糊,尤其是在速度较快的部分,我不得不反复对照演奏录音才能勉强确认。这让我的练习过程变得异常缓慢和挫败。我原以为这只是一本面向初学者的简易曲谱,但实际上,里面的技术要求非常高,很多段落的演奏难度已经达到了音乐会级别。特别是为琵琶和管弦乐队改编的几首曲目,那些快速的轮指和扫弦,在配器复杂的时候,对演奏者的精准度提出了极高的挑战。这更像是一本为专业独奏家们准备的“炫技”手册,而非普及性的读物。如果编者能在乐谱的清晰度和排版上多下点功夫,这本书的实用价值会大大提升。目前的状况,只能说,内容是前卫的,但载体却显得有些粗糙和业余。

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我是在一个音乐学院的图书馆里偶然发现这本曲集的,当时是想找一些关于二十世纪中国民族音乐发展史的资料。这本书的出版信息显示它相对较新,但内容风格却显得颇为“老派”,这让我对编者的意图产生了浓厚的兴趣。我试着演奏了其中一首为唢呐和弦乐四重奏改编的曲目,那段唢呐的主旋律,依然带着那种高亢、穿透力极强的“民族调性”,但弦乐四重奏的衬托,尤其是中提琴部分,引入了大量德彪西式的模糊和声色彩,使得整体氛围变得非常迷幻和内敛。这种处理方式,成功地避开了民族音乐中常见的“煽情”倾向,转而追求一种更深层次的、内省式的艺术表达。对于那些厌倦了传统民乐器在大型交响乐中担任“异域风味点缀”角色的演奏者来说,这本书提供了一个思考乐器本质属性的新视角。它迫使演奏者思考,如何在一个完全陌生的和声语境下,依然保持民族乐器的“身份认同”。

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这本书的装帧设计很有意思,封面采用了做旧的仿古纸张,配上工整的宋体标题,很有古典韵味。我原本以为这会是一本收录传统民乐独奏曲目的曲谱集,毕竟名字里带着“民族”二字。然而,当我翻开目录时,发现里面收录的曲目大多是为特定民族独奏乐器,比如二胡、古筝、笛子等,而伴奏部分则完全是钢琴或者小型室内乐团的编制,这让我有些意外,同时也感到耳目一新。这些改编非常大胆,既保留了原曲的主题旋律和民族风情,又在和声与织体上做了大量的西方古典音乐的处理,听起来像是中西合璧的典范。比如其中改编的一首彝族舞曲,原曲的粗犷和热情被钢琴的炫技性琶音和复杂的对位所取代,听起来更像是一首肖斯塔科维奇的室内乐小品,而非我们熟悉的民乐合奏。如果读者期待的是传统意义上的“民族乐器+民族伴奏”的曲集,那么这本书可能需要重新审视一下自己的期望了,它更像是一本面向专业演奏者,尤其是跨界合作的演奏者的实验性作品集。

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