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出版者:科学普及出版社（中国科学技术出版社）

作者:徐湛

出品人:

页数:166

译者:

出版时间:2007-9

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787110066362

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飞檐画栋，笔墨丹青：中国古代建筑绘画艺术鉴赏与技法探微 引言：凝固的时光，流动的史诗 中国古代建筑，不仅是遮风避雨的实用构造，更是民族精神、哲学思想与审美情趣的物质载体。它们以木石为骨，以色彩为衣，矗立于天地之间，诉说着千年的故事。然而，要真正领略这些宏伟杰作的精髓，除了亲临现场的震撼，我们还需要一种“隔空对话”的媒介——那便是中国古代建筑绘画。 本书《飞檐画栋，笔墨丹青》并非一本教授绘画技法的工具书，更非聚焦于某位特定画家如徐湛的风格剖析。相反，它是一部深度挖掘中国古代建筑绘画艺术脉络、美学内涵及其在不同历史时期所扮演角色的学术鉴赏之作。我们致力于揭示，古代画师们是如何运用独特的笔墨语言，将那些沉默的梁枋、复杂的斗拱、精妙的彩画和严谨的布局，转化为富有生命力的二维图像，成为我们理解古代社会、技术与艺术的珍贵窗口。 第一部：图解形制——建筑入画的符号体系 古代建筑的绘制，远非简单的写实记录。它承载着一套成熟的、符号化的表达体系。本部分将从基础入手，系统梳理中国古代建筑在绘画中的“视觉语法”。 第一章：空间秩序与透视的东方智慧 不同于西方文艺复兴时期对焦点透视的执着追求，中国传统建筑画作，无论是界画还是山水画中的点景，往往采用“散点透视”或“高远法”、“平远法”相结合的复杂空间处理方式。我们将详细解析： 1. 界画的精准与浪漫： 探讨以李诫《营造法式》为代表的官方规范如何影响后世界画的精确描绘，分析界尺下的规矩与画师在处理复杂殿宇群落时的灵活变通。 2. 散点透视的叙事性： 这种“步移景异”的观看方式如何服务于宏大场景的展现，例如故宫全景图或园林小品，如何通过多角度的并置来营造时间感和空间感。 3. 比例的象征意义： 建筑物的尺寸在画中是否严格遵循实际比例？哪些部分被夸大以凸显其等级地位（如屋顶的坡度和鸱吻），哪些部分则被弱化以突出环境氛围。 第二章：结构解析——从梁架到斗拱的笔墨解码 建筑的灵魂在于其结构。古代画师必须具备扎实的结构认知，才能将之跃然纸上。 1. 木构架的线条语言： 梁、柱、檩、枋，这些构成主体框架的构件，在画作中如何通过线条的粗细、墨色的浓淡来区分其质感和受力关系。尤其关注“出跳”的斗拱体系，如何用寥寥数笔勾勒出其层叠交错的复杂结构。 2. 屋顶艺术的笔触描摹： 歇山、悬山、庑殿顶，不同等级的屋顶在画作中呈现出何种独特的轮廓特征？屋脊的曲线、吻兽的姿态，这些细节如何通过笔法体现其宗教或等级含义。 3. 材料与肌理的墨色转化： 石基、木柱、琉璃瓦，画师如何利用干湿浓淡的变化，赋予画面中不同材质以触感？探讨如何用“皴法”的变体来表现木材的年轮或石材的粗粝感。 第二部：色彩与光影——彩绘与环境的融合 建筑的装饰性色彩，是其文化身份的重要组成部分。本书将深入剖析这些色彩在二维平面上的转换与表达。 第三章：彩画的口语化表达 中国古建筑的彩画体系极其庞杂，包括和玺彩画、旋子彩画、苏式彩画等。 1. 色彩的等级制度： 绘画中对“金碧辉煌”的表达，如何通过墨色的晕染和提白来模拟金箔的效果，以及朱红、黛青在不同场景下的使用限制与象征意义。 2. 装饰母题的简化与提炼： 龙凤、花卉、几何纹样，这些复杂的装饰图案在大幅面建筑画中往往被高度概括。分析画家如何抓住这些图案的“神韵”而非细节，使其融入整体氛围。 3. 界画中的“设色”： 对比水墨界画和设色界画在表现建筑时的侧重点差异，前者重结构，后者重氛围与装饰性。 第四章：环境对建筑的烘托 建筑并非孤立存在，它嵌入在山水、园林或城市背景中。 1. 光影的东方处理： 探讨古代画师如何利用留白和墨色的层次感来暗示时间与光线，例如清晨的薄雾、午后的烈日，而非精确计算阴影角度。 2. 园林画中的“借景”： 在表现私家园林时，如何通过前景的树木、中景的亭台、远景的山峦，引导观者的视线，使建筑成为园林意境的一部分。 3. 气氛的渲染： 战争场景中的建筑残破，祭祀场景中的庄严肃穆，这些情绪如何通过对建筑形态和环境色彩的微小调整来实现。 第三部：历史脉络与功能——建筑画的社会角色 建筑绘画在历史上承担着记录、规划、审美和教化等多重功能，远超单纯的艺术创作。 第五章：从工匠手册到文人雅趣 1. 图档的传承与演变： 考察早期的建筑测绘图、官方的营造图样，它们如何影响后世艺术家的创作，以及它们自身如何从纯粹的技术文件逐渐融入艺术审美。 2. “名胜图咏”的兴起： 随着印刷术和旅游的普及，描绘名山大川与著名宫观的建筑图集大量出现，这些画作对地方文化认同和历史记忆的巩固作用。 3. 文人视角下的建筑： 分析宋元以后，文人画家在描绘自家书斋、田园居所或特定古迹时，如何赋予建筑以隐逸、淡泊的人格投射，使建筑成为“心性”的象征。 第六章：超越建筑本身——图像中的社会结构 建筑的布局和形制是社会等级的直接体现。 1. 宫殿与寺庙的权力表达： 分析不同等级的建筑在绘画中的“区隔化”表现，例如屋顶重檐、台基高度、门窗形制的差异，如何在画作中被巧妙地“放大”或“强调”。 2. 城市肌理的侧写： 描绘城市景观的画作（如《清明上河图》的局部），如何通过对民居、店铺、城墙的描绘，侧面反映当时的社会经济活动和城市管理水平。 结语：延续的对话 《飞檐画栋，笔墨丹青》旨在提供一个多维度的观察框架，让读者能够以“画家的眼睛”去审视古代建筑的伟大。它鼓励我们超越对“徐湛体”或“界画”的单一认知，进入到那个用笔墨精确丈量天地、用色彩雕琢精神的艺术世界。通过对这些图像的深入解读，我们不仅能欣赏到古人高超的写实与写意技巧，更能触摸到隐藏在飞檐斗拱之下的，那份深厚的文化自信与哲学意境。

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我非常欣赏徐湛老师在书中传达的那种“用心”和“真诚”。他对待艺术，对待教学，都带着一种高度的责任感和热情。在讲解每一个技法的时候，他都力求做到精准和到位，而且不惜花费大量的篇幅去解释清楚。他对待读者，也就像对待自己的学生一样，充满了耐心和关怀。他会在书中提到，学习国画需要持之以恒的练习，也需要一颗热爱生活的心。这种真诚的鼓励，让我觉得学习的过程虽然会遇到困难，但也是充满乐趣和希望的。读他的书，就像是遇到了一位真正愿意倾囊相授的老师，而不是那种敷衍了事的“快餐式”教学。这份真诚，让我更加坚定了继续学习下去的决心。

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这本书不仅仅是教授绘画技巧，更重要的是它培养了我对中国传统文化的兴趣。徐湛老师在讲解山水画的时候，会穿插介绍一些文人画的传统，以及古代画家们是如何通过绘画来表达自己的情感和志向的。他会引用一些古诗词，将画面与诗意融为一体，让我感受到了中国画“诗中有画，画中有诗”的魅力。在讲到花鸟画时，他也不仅仅是教你如何画出鸟的羽毛，如何画出花的形态，更会让你了解不同花鸟所代表的象征意义，比如梅花的傲骨，竹子的君子风范。这种文化的底蕴，让绘画的学习变得更加有趣和有意义。我发现，当我开始了解这些背后的文化含义时，我对待绘画的态度也发生了转变，不再仅仅是技术层面的学习，而是开始真正地去欣赏和体会中国画的博大精深。

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初次翻阅这本书，最直观的感受便是它所传达出的那种“静”的力量。在如今这个信息爆炸、节奏飞快的时代，能够静下心来，专注于一幅画的创作，本身就是一种修行。徐湛老师在书中传递的不仅仅是绘画的技巧，更多的是一种对待艺术、对待生活的态度。他笔下的山水，总带着一种浑然天成的灵气，无论是云雾的缭绕，还是溪流的蜿蜒，都仿佛能听到大自然低语。他的线条，看似简单，却饱含力量与韵味，没有丝毫的造作，而是源于对物象最本真的观察与理解。我尤其喜欢他处理皴法的部分，那种随物赋形，不拘泥于某种固定的模式，而是根据山石的肌理特点，信手拈来，却又恰到好处，让每一块石头都拥有独特的生命。这种“静”并非死寂，而是一种内在的活力，一种沉淀后的从容。读着读着，我仿佛也跟着徐湛老师一同漫步在那些云雾缭绕的山间，感受着清风拂面，聆听着鸟语虫鸣，心灵也随之净化，变得格外宁静和专注。

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这本书最让我惊喜的是，它能够让你在学习过程中，逐渐建立起自己的绘画风格。徐湛老师在教授基本功的同时，也非常鼓励我们去思考和创新。他会在书中提到，学习别人的技法是为了更好地发展自己，而不是成为别人的复制品。他会引导我们去观察不同事物，去感受它们的独特之处，并尝试用自己的方式去表现。书中的一些练习题，也并非是让你一成不变地模仿，而是给你一个主题，让你自由发挥。这种开放式的教学方式，让我觉得非常受用。我不再仅仅是一个被动接受知识的学习者，而是开始主动思考，主动探索，逐渐找到了属于自己的绘画语言。这种能力，是任何一套死板的教程都无法给予的。

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对于我这样一个国画初学者来说，这本书简直是及时雨。很多国画的教程，一开始就讲各种复杂的技法，容易让人望而却步。但徐湛老师的这本书，从最基础的笔法、墨法讲起，循序渐进，讲解非常清晰易懂。他会用最朴实的语言，解释最专业的概念，而且每一个步骤都讲得非常透彻，不会让你觉得一头雾水。比如，在讲到如何握笔时，他会详细地讲解不同握笔方式对笔触的影响，以及如何通过调整笔杆的角度来控制墨色的浓淡。在讲解用墨时，他也详细介绍了干湿浓淡不同的墨色在画面中的运用效果。而且，书中的练习方法也很有针对性，不是那种泛泛而谈的指导，而是有具体的操作要求，让你知道下一步该做什么，如何去练习。这种由浅入深、循序渐进的教学方式，极大地降低了学习国画的门槛，让我这个零基础的人也能够 confidently 地开始我的国画之旅。

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这本书带给我的启发，远不止于绘画本身。徐湛老师在讲解过程中，常常会穿插一些关于哲学、关于人生的思考。比如，在讲到如何处理画面中的留白时，他会引申到人生中的“舍得”，有时候，少即是多，懂得放弃，才能获得更多。又或者在讨论线条的粗细变化时，他会将其比作人生的跌宕起伏，有顺遂也有挑战。这种将绘画与人生哲理相融合的方式，让这本书变得格外有深度。它不仅仅是一本绘画教程，更像是一本生活智慧的启示录。每一次翻阅，都会有新的感悟。我发现，当我对画面中的某个细节感到困惑时，往往能在徐湛老师的文字中找到答案，而且这个答案往往会延伸到更广阔的领域。这种“触类旁通”的学习方式，让我觉得受益匪浅，也让我对国画这门艺术有了更深层次的认识和理解。

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这本书在教授具体技法的时候，没有丝毫的保留。徐湛老师对于每一个笔触的运用，每一个墨色的调和，都做了非常细致的讲解。他会告诉你如何通过不同的笔法来表现事物的质感，比如用侧锋来表现树皮的粗糙，用中锋来表现枝干的挺拔。在色彩的运用上，他也分享了很多独到的见解，不仅仅是简单的颜料调配，更是关于如何通过色彩来营造氛围，表达情感。我特别欣赏他对于“墨分五彩”的理解，不仅仅是不同深浅的墨色，更是墨色在不同介质上的晕染效果，如何通过湿度的控制来达到不同的视觉冲击力。书中的图例也非常丰富，每一处讲解都配有相应的示范图，而且这些图例并不是那种经过过度修饰的完美作品，而是带有学习过程中的一些痕迹，这反而让我觉得更加亲切和可信，让我知道在学习的过程中，出现一些“不完美”是很正常的，关键在于如何从中学习和进步。

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书中的排版和插图给我留下了深刻的印象。每一页都经过精心设计，既有精美的示范作品，也有清晰的线条勾勒和技法解析。这些插图不仅仅是为了装饰，更是为了更好地辅助理解。徐湛老师的示范作品，总是那么自然生动，仿佛他笔下的景物都活了起来。而且，他对细节的处理也非常到位，无论是树叶的脉络，还是水面的涟漪，都描绘得栩栩如生。更重要的是，书中有很多放大细节的图示，能够让你清晰地看到每一笔的走向、墨色的晕染以及笔触的特点。这对于我这样的初学者来说，简直是福音，能够让我近距离地学习到大师的用笔用墨之道。整体的视觉效果非常和谐统一，让人在阅读时能够沉浸其中，感受到艺术的美感。

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这本书的装帧设计真的非常吸引我。当我第一次在书店看到它时，就被封面那温润的宣纸质感和徐湛老师笔下的那抹淡雅的墨色所打动。书的整体色调是那种沉静又不失活力的青绿色，让人在翻阅之前就感受到一种宁静致远的艺术氛围。纸张的选择也非常考究，厚实而略带韧性，墨迹在上面晕染得恰到好处，没有丝毫的渗化，触感温润，仿佛能感受到笔尖在纸上游走时的细微律动。内页的排版也很是清晰，留白适度，让每一幅作品和文字都得到了充分的呼吸空间，不会显得拥挤或杂乱。即使是印刷，也力求还原原作的神韵，色彩的过渡自然，线条的粗细变化也得到了很好的展现。装帧的细节处也体现了制书者的用心，比如书脊的锁线装订，让整本书更加牢固耐翻，而且书口也做了圆角处理，拿在手里格外舒适。整体来说，这本书不仅仅是一本教授国画技法的书，更是一件精美的艺术品，从视觉到触觉，都给人带来了极大的享受，让我在开始学习之前，就已经被这份精致所折服，充满了期待。

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这本书最让我感动的一点，是它能够让你感受到一种“传承”的力量。徐湛老师在教授技法的同时，也在不经意间传递着中国画几千年来沉淀下来的精神内涵。他的一些绘画习惯，一些思考方式，都让人联想到古代那些伟大的画家。他的画中，总有一种“写意”的精神，不求形似，但求神似，通过简练的笔墨，勾勒出事物的神韵和意境。这种精神，在当下很多注重技巧和形式的绘画教学中，可能被忽视了。但徐湛老师却将这份精神看得格外重要，他鼓励我们要多观察生活，体验生活，从生活中汲取灵感，而不是仅仅停留在模仿。他对于“师法自然”的强调，也让我回想起古代画家们深入山林，感悟自然的场景。读这本书，就像是与一位经验丰富的老师在面对面交流，他不仅教你“怎么画”，更教你“为什么这么画”，让你从根源上理解国画的精髓。

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画的好

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