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出版者:四川美术

作者:赖运华

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页数:0

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价格:32.0

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isbn号码:9787541034046

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《古法新韵：中国传统纹样设计实践指南》 作者： 陆秉文 出版社： 华夏文化艺术出版社 定价： 128.00 元 ISBN： 978-7-5080-9876-5 --- 内容简介 一、本书的定位与核心价值 《古法新韵：中国传统纹样设计实践指南》并非一部单纯的图录集，而是一本深入探究中国传统纹样生成逻辑、演变脉络及其在当代设计语境下活化应用的实用工具书与理论参考手册。本书旨在弥合传统美学知识与现代设计实践之间的鸿沟，为平面设计师、服装设计师、环境造型师、工艺美术师以及对中国传统文化抱有热忱的研究者，提供一套系统、可操作的设计方法论。 我们深知，真正的创新源于对经典的深刻理解。本书超越了对纹样符号的表面罗列，着重解析隐藏在龙凤、祥云、回纹、海水江崖等经典母题背后的哲学思想、社会功能和工艺限制。 二、结构与章节详解 本书共分为五大部分，层层递进，确保读者从基础认知到高级应用都能循序渐进： 第一部分：纹样之源——传统语境下的符号学基础 (约 300 字) 本部分奠定理论基石，探讨中国纹样作为一种“视觉语言”的本质。 章一：形制与意涵的绑定： 剖析纹样如何从自然物象（动植物、山川河流）转化为具有特定文化指涉的符号。例如，探讨“牡丹”纹样在唐宋不同时期的社会阶层暗示差异。 章二：材质与工艺的制约： 深入分析不同材料（青铜器、丝绸、陶瓷、木雕）对纹样形态的影响。例如，阐述在缂丝工艺中，为保证线条的连续性和织物的稳定性，纹样必须遵循的“骨架”结构。 章三：时间维度下的演变： 通过对比历代重要时期的代表纹样（如商周的饕餮纹、汉代的忍冬纹、明清的万字纹），梳理其风格的抽象化、简化或繁复化的趋势。 第二部分：母题解析——经典纹样的结构拆解 (约 450 字) 本部分是本书的核心实践部分，对最常见的十大类纹样进行细致的结构解构，强调“构成”而非“装饰”。 章四：几何母题的无限循环： 重点分析“回纹”（雷纹）和“方胜纹”的数学基础。通过图例展示如何通过基础单元的旋转、镜像、平移，生成无穷无尽的复杂结构。讨论其在建筑斗拱和边框设计中的应用逻辑。 章五：自然母题的抽象提炼： 详细研究“水波纹”（如“海水江崖纹”）的韵律感。剖析其如何在不同时期从写实走向写意，并探讨“云气纹”的流动性表达。 章六：动物纹样的精神寓意： 区别“龙纹”与“螭纹”的细节差异，解析龙在不同朝代（如唐代张扬的龙与清代威严的龙）的造型变化，并分析其在服饰、器皿中的“避邪”或“祈福”的功能定位。 章七：植物与吉祥纹饰的组合： 探讨“岁寒三友”（松竹梅）、“花卉组合”（如牡丹、莲花）的寓意联结，及其在传统婚庆、寿宴设计中的应用规范。 第三部分：线法与笔触——从手绘到数字化的转译 (约 350 字) 本部分关注执行层面的技术细节，指导设计者如何将二维平面的纹样转化为具有生命力的视觉元素。 章八：线条的力度与节奏： 强调中国传统线条（铁线描、兰叶描等）的“气韵”。指导读者如何通过控制线条的粗细变化、转折的圆润与方折，来模拟传统笔墨的“干湿浓淡”。 章九：对称与平衡的打破： 讨论在追求“均衡”的古典美学中，如何巧妙地运用“非对称”的布局来增强视觉的动态感和趣味性，尤其在屏风、扇面等非矩形载体上的布局技巧。 章十：色彩的象征体系： 系统梳理传统五色观在纹样中的应用，如正红、宝蓝、孔雀绿的组合规则，以及对“素描”和“单色”纹样的解析，避免当代设计中色彩的随意堆砌。 第四部分：再造与新生——现代设计语境下的纹样活化 (约 300 字) 本部分探讨如何进行“去符号化”和“结构重构”，使传统纹样适应现代审美和媒介要求。 章十一：极简主义下的纹样提纯： 如何剥离掉纹样中过于繁复的装饰细节，保留其核心骨架和韵律，使其适用于现代品牌Logo或极简包装设计。 章十二：跨界应用与材料实验： 展示纹样在新型材料（如光纤、亚克力、参数化建模）上的表现力，探讨如何利用现代技术（如3D打印、激光雕刻）精确还原或解构传统肌理。 章十三：动态纹样的设计思维： 针对UI/UX和影视动画领域，提出将静态纹样转化为动态序列的方法，如模拟云气的流动、水波的衍射等。 第五部分：案例研习与附录 (约 150 字) 收录来自不同地域、不同时期的经典纹样高精度线稿图谱，并附有设计实践案例分析，展示如何将理论应用于服装面料、室内壁纸、文创产品等领域的具体设计流程。 --- 读者对象： 致力于提升文化内核的设计专业人士。 传统手工艺传承人与创新者。 艺术院校师生及相关专业研究人员。 本书特色： 1. 结构严谨： 理论分析与实践指导并重，避免空泛的审美说教。 2. 图例丰富： 包含数百张高清的纹样结构拆解图与矢量化参考模板。 3. 工具性强： 强调“可复制”的设计逻辑，而非仅提供“成品欣赏”。 通过对《古法新韵》的学习，读者将能够真正理解中国纹样的“骨气”，使设计作品在根植于本土文化的同时，焕发出面向未来的独特光彩。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了一种仿宣纸的质感，搭配上那种沉稳的墨绿色，一下子就将读者的心绪带入了一种宁静致远的气氛之中。内页的纸张选择也颇为考究，触感细腻，油墨印刷清晰，即便是对于色彩还原要求较高的插图部分，也处理得非常到位，没有出现模糊或者色彩失真的情况。装订方面，采用了精装并带有锁线的设计，平摊阅读时非常方便，可以毫无保留地欣赏每一幅作品的细节。尤其值得称赞的是，作者在排版上展现出了极高的艺术修养，留白的处理恰到好处，让画面与文字之间有了呼吸的空间，而不是那种将内容塞得满满当当的局促感。这种对物理形态的重视，本身就是对艺术的一种尊重，让人在捧读的过程中，就能感受到一种仪式感。

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作为一名长久关注艺术史脉络的读者，我发现这本书最令人称道之处在于其跨越时代的对话能力。作者在探讨自己创作理念的同时，巧妙地穿插了对古代大师作品的点评与借鉴。这种引用并非简单的罗列，而是深入到精神层面——他如何看待董源的披麻皴在现代语境下的意义，或者如何从石涛的“一画论”中汲取打破陈规的勇气。读到这些章节时，我能清晰地感受到一种精神的传承与创新之间的张力。这种将个人实践与宏大艺术史熔于一炉的叙事方式，极大地提升了本书的厚度和思想深度，它不再局限于技法指导，而上升到对中国文人精神的再阐释，让人在欣赏画作之美的同时，也领悟到一种生活哲学。

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这本书的结构编排，看得出来作者是下了苦功的，它不仅仅是一本作品集，更像是一本精妙的“心法秘籍”。开篇并没有急于展示最华丽的作品，而是从最基础的笔墨运用、墨色的层次变化入手，循序渐进，逻辑性极强。作者的文字叙述风格非常平实，没有故作高深的术语堆砌，而是用一种近乎对话的方式，将复杂的技法分解成一个个易于理解的小步骤。我尤其喜欢其中关于“意在笔先”的论述，它强调了构思在创作中的主导地位，远远超过了对技巧的纯粹模仿。对于一个刚接触绘画或者希望精进技艺的爱好者来说，这本书提供了清晰的路径图，它不仅教你“怎么画”，更重要的是告诉你“为什么要这样画”。

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我花了整整一个下午沉浸在这套书的内容里，那种感觉就像是跟随一位经验老到的隐士，穿梭于崇山峻岭之间，每翻开一页，都是一次心灵的洗礼。作者的笔法非常独特，他似乎并不执着于模仿古人，而是在继承传统的基础上，开创出了一种极具个人辨识度的风格。那些山峦的线条，乍看之下遒劲有力，但细看之下，却能发现无数细微的皴法变化，如同时间的刻痕，诉说着大地的呼吸。尤其是他对“气”的把握，简直出神入化，无论是浓墨重彩下的云雾缭绕，还是淡墨晕染出的空灵远景，都让人感觉到画中自有生命力在流动。读完几章后，我甚至产生了一种错觉，仿佛自己也沾染上了墨香，对世俗的喧嚣感到了一丝疏离，只想找个安静的角落，细细品味这份清幽。

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这本书带给我的震撼，更多的是一种情绪上的冲击和灵感的迸发。某些篇章的内容，读起来简直如同诗歌一般，充满了节奏感和画面感。比如关于如何捕捉雨后山涧水汽的那一段描述，作者仅仅用了几笔极其简练的文字，就勾勒出了一幅流动、湿润的立体景象，让人读完后立即想拿起笔尝试一番。它成功地打破了传统画册那种高高在上、难以企及的距离感，变得非常“亲民”却又不失专业水准。它激发了我内心中沉睡已久的创作欲望，让我开始重新审视自己周遭的环境，发现原来最寻常的街角、最普通的树木，都能在特定的光影下，焕发出令人惊叹的艺术潜力。这本书，与其说是一本指导手册，不如说是一剂强效的“艺术催化剂”。

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