会声会影10中文版从入门到精通 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国青年

作者:杰诚文化

出品人:

页数:402

译者:

出版时间:2007-10

价格:39.90元

装帧:

isbn号码:9787500677550

丛书系列:

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• 影视剪辑

《数字影像叙事：从捕捉到精修的完整流程解析》 （本书旨在提供一个超越单一软件工具的学习框架，聚焦于数字影像制作的底层逻辑、艺术表达与技术实现的系统性整合。） 第一部分：影像思维与创作基石 本部分将带领读者建立起扎实的影像制作理念，理解技术如何服务于叙事，而非成为束缚。我们不局限于任何特定软件的版本特性，而是探讨通用原理。 第一章：何谓“影像叙事”？ 从概念到镜头： 探讨故事板（Storyboard）和分镜头脚本（Shot List）在预可视化阶段的关键作用。理解场景的内在节奏与情绪流动。 光影的语言： 深入分析自然光、人工光的特性及其在二维画面中塑造三维空间感和烘托人物情感的作用。重点讨论布光的基本模型（如三点布光法）在不同题材（访谈、风光、剧情片）中的应用差异。 构图的永恒法则与打破： 解析黄金分割、三分法、引导线等经典构图原理。同时，探讨如何有意识地运用失衡、留白等手法来制造张力或营造特定的氛围。 动态的意义： 区分平移（Pan）、俯仰（Tilt）、推拉（Dolly/Zoom）等基本镜头运动背后的叙事意图。探讨运动镜头如何引导观众的注意力，以及如何通过景深的变化来区分主体与背景的重要性。 第二章：素材的获取与准备 采集设备的选择哲学： 并非关注某款摄像机的功能参数，而是探讨传感器尺寸、动态范围（Dynamic Range）与色彩深度（Color Depth）对后期处理潜力的影响。理解高规格素材的价值所在。 现场记录与元数据管理： 建立高效的素材命名、分类和归档系统。讲解“时间码”（Timecode）和“日志”（Logging）在大型项目中的重要性，确保素材查找和同步的准确性。 录音优先原则： 强调“声音是画面质量的基石”。讲解基础的麦克风拾音原理（动圈、电容、指向性）以及同步录音（双机位或独立录音机）的必要性，为后续的混音打下基础。 第二部分：非线性编辑的核心架构 本部分将流程化地解析现代非线性编辑系统的通用工作流，强调效率与非破坏性编辑的重要性。 第三章：界面与工作区的高效配置 工作流的定制化： 分析不同类型的项目（如短片、纪录片、宣传片）对编辑界面布局的需求。如何设置素材箱、时间线和预览窗口，以适应个人的操作习惯。 键盘快捷键的肌肉记忆训练： 系统性地梳理常用剪辑点、标记、导航和素材管理的快捷键组合，目标是让操作流程在思考之下，减少对手部鼠标的依赖。 项目管理与备份策略： 建立多层级的备份体系（本地、云端、离线存储）。讨论项目文件、媒体缓存（Cache）和渲染文件的分离管理策略，确保项目文件的轻量化和安全性。 第四章：精准剪辑与节奏的构建 片段的选择与筛选： 教授“粗剪”（Rough Cut）的思路，即快速搭建故事骨架，忽略细节。重点讨论如何运用“选择性剪辑”来保留情感的力度，而不是仅仅按照脚本推进。 跳切（Jump Cut）的艺术处理： 探讨在需要压缩时间或营造紧张感时，如何使用跳切。对比分析同步跳切（声音保持一致）和非同步跳切（声音同时变化）带来的心理效果。 转场（Transition）的审慎使用： 区分“硬切”（Cut）、“叠化”（Dissolve）和“淡入淡出”（Fade）的内在情感含义。强调应尽量使用硬切，并严格控制叠化的时长，避免滥用炫技转场。 多机位同步与混剪： 针对访谈或多角度拍摄的素材，讲解基于时间码或音频波形进行自动同步的技术，以及在同步后如何快速切换机位，保持叙事的流畅性。 第三部分：声音的再创造与混音艺术 本部分将深入探讨声音设计在提升影像质感中的决定性作用，这是许多初学者容易忽视的关键环节。 第五章：音频的净化与修复 降噪与修复技术： 针对现场录音中常见的环境底噪、电流声、齿音等问题，介绍频谱分析和针对性修复的方法。强调在不损失人声清晰度的前提下进行处理。 对白（Dialogue）的标准化： 讲解响度标准（如-24 LKFS 或 -16 LUFS）的概念。如何通过均衡器（EQ）突出人声的清晰度，并进行动态压缩（Compression）以确保不同说话者的音量保持一致。 第六章：声音的层次构建（Sound Design） 环境声（Ambiance）的烘托： 如何选择和使用环境音素材（如街道、森林、办公室），使其与画面场景精准匹配，建立观众的沉浸感。 音效（SFX）的增强与创造： 探讨如何利用音效来强调动作（如关门、脚步、撞击）。进阶讲解如何使用合成或叠加技术（Layering）来创造出非自然界存在的、更具冲击力的音效。 音乐（Music）与情绪的同步： 音乐的选材与剪辑点如何配合画面的高潮与低谷。分析“画外音音乐”（Underscore）和“画内音音乐”（Diegetic Music）的区别及其对观众感知的影响。 第四部分：色彩的科学与艺术表达 色彩校正和调色是决定最终画面“质感”的核心步骤，本部分着重于理解色彩理论在数字影像中的实际应用。 第七章：色彩校正（Correction）——建立基线 示波器与波形图的解读： 教授如何精确读取矢量示波器（Vectorscope）、波形监视器（Waveform Monitor）和亮色范围（Luminance Parade）。理解这些工具是实现“客观准确”色彩的基础。 白平衡的校准： 掌握使用灰卡或针对性参考点，在不同光源下建立准确的白平衡基准。理解色温（Kelvin）对画面冷暖基调的物理影响。 曝光与对比度的标准化： 通过限制亮度范围（Clip/Crush），确保高光不溢出（Highlights intact）和阴影有细节（Shadow detail preserved）。 第八章：色彩分级（Grading）——确立风格 色彩心理学与风格映射： 分析不同色彩倾向（如青橙调、高饱和度、低饱和度）所传达的心理感受（如怀旧、科技感、压抑）。 基础调色流程： 系统演示如何分步骤地应用色彩调整：先进行整体的亮度和对比度调整，接着处理肤色（Skin Tone）的准确性，最后加入风格化的色相偏移。 遮罩（Masking）与局部调控： 讲解如何使用局部调色工具，如线性或圆形渐变，针对性地提亮主体或压暗背景，实现画面重点的视觉引导。 第五部分：交付与优化 本部分关注如何将编辑和精修完成的作品，以最佳状态输出到不同的播放平台。 第九章：导出设置的精准控制 编码器与容器的选择： 深入解析H.264、ProRes、DNxHD等主流编码格式的特性、比特率（Bitrate）与压缩效率之间的权衡。 目标平台的规范： 针对网络流媒体（如YouTube、Vimeo）和传统电视广播的不同帧率（Frame Rate）和分辨率要求，制定定制化的导出预设。 渲染优化策略： 讨论硬件加速（GPU vs. CPU）在不同渲染任务中的效率差异，以及如何通过优化项目设置来缩短最终输出时间。 第十章：扩展应用与未来趋势 高动态范围（HDR）影像简介： 探讨HDR的基础原理及其对未来制作流程的潜在影响，包括所需的监视设备和工作流程调整。 动态图形与集成工作流： 简要介绍如何无缝地将视觉特效（VFX）或动态图形（Motion Graphics）的元素，以高质量的格式导入编辑流程，并保持色彩和时间线的同步性。 总结： 本书提供的是一套全面的数字影像制作思维框架，强调对技术原理的深刻理解，而非仅仅对特定软件界面的机械记忆。通过掌握这些通用的原理和流程，读者将能够适应未来任何编辑软件的迭代，真正实现“用影像说话”的目的。

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天哪，这本书简直是为我这种视频剪辑新手量身定做的！我之前尝试过好几个软件，总是被那些复杂到让人头皮发麻的界面劝退，感觉自己像个拿着火箭筒去打蚊子的人，完全不知道从何下手。《会声会影10中文版从入门到精通》这本书的编排逻辑实在太清晰了，它不是那种堆砌术语的说明书，更像是一个经验丰富的老手，手把手带着你，从最基础的素材导入、时间轴概念讲起，每一步都有详尽的截图和操作提示。最让我惊喜的是，它对色彩校正和音频处理的讲解简直是神来之笔。以前总觉得调色是件玄学，这本书里却用非常直观的方式解释了白平衡、色相饱和度的调整对画面情绪的影响，让我这个小白也能轻松做出电影感的画面质感。而且，作者在讲解转场和特效时，并没有一味追求花哨，而是强调“恰到好处”，这对于提升视频的专业度至关重要。读完前几章，我已经敢于自己动手尝试剪辑旅行Vlog了，那种从“完全不懂”到“初窥门径”的成就感，真的无与伦比，强烈推荐给所有想在视频制作领域迈出第一步的朋友们！

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说实话，这本书最让我印象深刻的是它对“成品导向”的强调。很多教程只关注如何使用功能，但很少会告诉你，这些功能最终如何服务于最终的视频效果。这本书在每个重要功能模块的结尾，都会有一个“效果展示与应用场景分析”的小节。例如，在讲解粒子特效时，它不仅展示了如何拖拽预设，还分析了在科幻片、婚礼Vlog、企业宣传片中，不同密度的粒子应该如何应用，以及如何通过调整后期合成模式（如叠加、滤色）来达到不同的氛围感。这种由功能到应用的逆向思维训练，极大地拓宽了我的思路。它让我开始思考“我想要达到什么视觉目标”，而不是“我能用这个软件做什么”。这本书的语调是启发性的，它鼓励读者去实验、去打破常规，而不是死板地遵循每一步指令。对于我这种需要将剪辑用于商业演示文稿制作的人来说，这种对“专业呈现”的关注，是其他很多基础教程所欠缺的宝贵财富。

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我是一个对软件更新迭代速度感到焦虑的用户，生怕买了一本很快就会过时的教材。尽管这本书是针对“会声会影10”版本的，但我惊喜地发现，它传授的很多核心原理是跨版本的。比如，关于蒙版技术的使用、多机位剪辑的流程管理，这些底层逻辑在后续版本中依然适用，只是界面和按钮位置可能微调。这意味着这本书的“保质期”比我想象的要长得多。作者很巧妙地在讲解过程中，穿插了一些针对性的“版本特性提示”，提醒读者哪些操作在特定版本中有优化或变化，这种细致入微的处理，显示了作者对该系列软件的长期关注。在我尝试用它来处理一些旧项目时，发现书中提到的某些优化设置，能显著提升渲染速度，这对于我这种硬件配置一般的用户来说，简直是巨大的福音。它不是在教你如何“记住”菜单，而是在教你如何“理解”软件的工作方式，这才是真正的“精通”之道。

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这本书的排版和视觉设计，真的让我感到非常舒服。现在很多技术书籍为了追求信息密度，把页面弄得密密麻麻，阅读起来特别费劲，眼睛很容易疲劳。但《会声会影10中文版从入门到精通》的版式设计显然是花了大心思的。它采用了大量的留白，重要的概念和快捷键都用醒目的色块或加粗字体突出显示，检索效率极高。我经常在实际操作中遇到问题时，可以直接翻到对应的章节，快速定位解决方案。更棒的是，它附带的配套素材和练习文件结构清晰，我可以直接下载下来，对照书中的步骤进行同步练习，这比单纯看视频教程要有效得多，因为我可以随时暂停、回溯、调整速度。我发现，作者在描述复杂操作时，语言风格非常沉稳、有条理，没有那种浮夸的推销感，读起来让人非常信服。特别是关于项目管理和文件备份的章节，对于我这种经常因为文件丢失而抓狂的人来说，简直是雪中送炭，体现了作者在实际工作流程中的经验沉淀。

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老实说，我对市面上大部分的“精通”系列教程都持保留态度，很多都停留在“会用”的层面，真想达到“精通”的境界，还得靠自己大量的摸索和踩坑。然而，这本书在软件基础操作的扎实铺垫之后，迅速切入到了更深层次的制作理念和高级技巧的探讨。它没有仅仅停留在“如何点击哪个按钮”，而是深入剖析了“为什么要这样设置参数”。比如，关于关键帧动画的讲解，作者用了一个章节的篇幅，详尽对比了不同插值方式（线性、贝塞尔曲线）对物体运动轨迹流畅度的影响，这才是专业人士关注的核心。此外，书中对“叙事性剪辑”的讨论也很有启发性，它教你如何通过镜头语言和节奏控制来引导观众的情绪，而不是仅仅把片段堆砌起来。我尤其欣赏作者在涉及3D编辑和运动跟踪部分的处理方式，它承认了软件的局限性，同时指出了如何利用后期合成技巧来弥补原生功能不足的方法，这种务实和深入的探讨，让我觉得这本书不仅仅是一本工具书，更是一本关于视觉叙事思维的教材。对于已经有一定基础，想要突破瓶颈的进阶用户来说，这本书的价值远超其售价。

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