欧阳询楷书《九成宫碑》 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海科学技术文献出版社

作者:施志伟

出品人:

页数:92

译者:

出版时间:2007-8

价格:12.00元

装帧:

isbn号码:9787543932814

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 楷书
• 欧阳询
• 九成宫碑
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• 碑帖

好的，这是一本关于书法艺术的图书简介，内容与欧阳询楷书《九成宫醴泉铭》无关，力求详实且自然流畅。 --- 翰墨丹青：中国古代绘画流派与技法探微 一本带领读者深入探索中国传统绘画壮阔图景的权威著作 【本书特色】 本书并非对某一特定碑帖的研习指南，而是聚焦于中国古代绘画艺术，尤其是唐宋至明清时期，各大主流画派的崛起、风格演变及其核心技法的一次全面、深入的梳理与剖析。我们摒弃了枯燥的史料堆砌，转而以清晰的脉络、丰富的图例和精准的艺术语言，构建起一个立体、可感的中国绘画知识体系。 【内容概述】 中国绘画史，犹如一部气势磅礴的画卷，历经千年沉淀，形成了风格迥异、思想深刻的诸多流派。本书将读者带入这一艺术殿堂，从宏观的时代背景入手，逐步深入至微观的笔墨细节。 第一部分：魏晋风骨与初唐气象——奠基与萌芽 本部分首先追溯了中国画的早期源流，重点解析了顾恺之“传神写照”的理论基础，以及其作品中蕴含的哲学思想。随后，着墨于初唐阎立本等人物画的成熟，探讨了“金碧山水”这一早期山水画的重要形式，及其如何受到佛教艺术和宫廷审美的双重影响。 第二部分：盛唐气象与“画圣”之争——风格的鼎盛 盛唐，是中国艺术的黄金时代。本卷核心聚焦于吴道子，这位被誉为“画圣”的巨匠。我们详细分析了吴道子“吴带当风”的线条特点，将其与早期勾勒的差异进行对比，并探究了其如何将道家思想融入山水布局之中。同时，对于李思训、李昭道父子开创的“青绿山水”一派，本书通过对敦煌壁画的参照，详尽解读了矿物颜料的运用和设色的程式化美感，展现了唐代绘画的富丽堂皇与极致的装饰性。 第三部分：五代十国的“集大成”——山水画的转折点 五代，是中国山水画史上的关键转折期。董源、巨然所代表的江南画派（董巨），以其“平淡天真”的风格，彻底改变了山水画的审美取向，从注重“写形”转向强调“写意”。本书深入剖析了“披麻皴”“点苔”等技法的形成与运用，揭示了江南地区温润的自然环境如何塑造了这种内敛、浑厚的画风。 与此同时，我们并未忽视北方的李成、范宽。范宽的《溪山行旅图》被视为北方山水画的典范，本书特别对“雨点皴”的结构力、宏大叙事感进行了细致的描摹和解读，阐明了北方山势的雄奇如何通过笔墨转化为视觉震撼。 第四部分：宋代院体与文人画的崛起——双峰并峙 宋代是中国绘画的制度化与个体化并存的时代。 院体画的精严与典雅： 以徽宗时期的画院为核心，本书详细阐述了院体画在技法上的极致要求，如对动植物的精确观察（写生）和“格物致知”的哲学指导。对马远、夏圭等“南宋四家”的“边角式”构图，以及“一角半边”的视觉语言，进行了前所未有的深入分析，探讨了这种构图如何反映了南宋偏安一隅的时代心境。 文人画的勃兴与“逸品”论： 以苏轼、米芾为代表的文人画思潮，将绘画从“技艺”提升到“人品”的高度。本书着重探讨了“墨分五色”的内涵，以及米芾“刷字”般的点染技法，如何构建了文人画对自我精神世界的表达诉求。 第五部分：元代的承继与变革——水墨世界的扩展 元代，在政治环境的压力下，文人画彻底成为主流。黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙（“元四家”）的艺术观成为后世圭臬。本书将重点剖析倪瓒的“折带皴”和极简主义构图，解析其如何用近乎荒寒的笔墨，表达对传统文脉的坚守与愤懑。黄公望的“松法”与“层层积染”，则被视为水墨技法发展的一个高峰。 第六部分：明清的流变与技法的融合——从学院派到个性解放 明代的浙派（以戴进为代表）和吴门画派（以沈周、文徵明为代表）代表了南北学院风格的延续与文人精神的回归。本书对比了浙派雄劲的“斧劈皴”与吴门画派温润秀雅的“仿古”传统。 清代，随着董其昌“南北宗论”的理论确立，绘画进入了理论成熟期。康熙、乾隆时期的“四王”对前代笔墨的系统性整理与“集大成”，是本书的另一核心内容。我们细致比对了王蒙的笔法如何被王时敏、王鉴吸收并程式化。同时，石涛、八大山人等“异军突起”，他们的“一笔画”和“笔墨分离”的大胆创新，预示着中国画即将迈向新的现代性阶段。 【结语】 本书不仅为艺术史爱好者提供了扎实的理论基础，更为书法和绘画的初学者，提供了清晰的技法参照系。通过对历代名家风格的剖析，读者将能够深刻理解中国绘画的精髓——笔墨即是语言，线条即是生命。阅读此书，如同与历代大师隔空对谈，领略中国传统艺术的永恒魅力。 ---

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这本书简直是书法爱好者的福音，尤其是对于那些对唐楷的精髓有着执着追求的人来说，简直就是一本宝典。我拿到这本书的时候，那种油墨的香气和纸张的质感就让人心生敬畏。装帧设计非常典雅，看得出出版方在细节上是下了真功夫的。里面的字帖排版清晰，每一个字的点画、结构都经过了精心的考量和布局，即便是初学者也能从中窥见唐代书法大家那份严谨与洒脱并存的独特韵味。我试着临摹了几页，感觉那份古朴遒劲的力量感扑面而来，仿佛能触摸到千年前那位大书法家在案前挥毫泼墨的情景。这本书的价值不仅仅在于提供了一套可以供人学习的范本，更在于它提供了一种进入书法艺术殿堂的钥匙，让人能够体会到中国传统文化中那种深入骨髓的审美情趣。我特别欣赏它对笔画细节的处理，那些细微的提按顿挫，都被如实地展现了出来，对于我们理解“中正平和”的境界，提供了极佳的参照。这本书的收藏价值和学习价值都是无可替代的。

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这次拿到这本书，简直是为我近期的创作瓶颈找到了一剂良药。我一直觉得自己的作品在“骨力”上有所欠缺，总感觉笔画飘浮，缺乏那种扎根于纸张深处的沉稳感。这本书的呈现方式，特别是对于线条的刻画，简直是教科书级别的示范。我仔细对比了书中对不同笔画（如横、竖、撇、捺）的处理技巧，发现自己过去对起收笔的力度控制严重不足。它不仅清晰地展示了“样子”，更重要的是，它通过极具冲击力的视觉效果，让你“感受”到了力量的传递。这种直观的冲击力远胜过冗长的文字描述。每次翻看，都会被那种中锋用笔所展现出的圆润与刚劲的完美统一所折服。对于追求书写品质，希望将作品提升到更高层次的同道中来说，这本书无疑是一个极佳的“校准器”，能帮助我们迅速发现并改正那些潜移默化的错误。

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说实话，我是一个追求极致实用性的读者，对于纯粹的理论书籍往往敬而远之。但这本在实用性和艺术鉴赏性之间找到了一个绝佳的平衡点。它的印刷质量达到了一个惊人的水平，色彩还原度极高，每一个细微的墨色变化都清晰可见，这对于我们判断帖中的“飞白”或“涨墨”效果至关重要。我最欣赏的是它在版式设计上体现出的尊重——字与字之间留白得当，不拥挤，让观者有足够的空间去进行“呼吸”和思考。这本书不像是冷冰冰的字帖，更像是一件精心装裱的艺术品。它让学习过程变成了一种享受，而不是一种负担。通过反复品读和临摹其中的章法结构，我发现自己对整体布局的掌控能力有了显著提高，不再局限于单个字的完美，而是开始注重整篇作品的气韵和节奏感。这本书的出现，无疑是给当前市场上众多制作粗糙的书法用书树立了一个极高的标杆。

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这本书的厚重感不仅仅体现在纸张的重量上，更在于其蕴含的文化积淀。我是一个对字体演变史很感兴趣的业余爱好者，所以我会留意书籍中对于历史背景和风格流变的交代。这本书在这方面做得相当出色，它没有停留在简单的“摹写”层面，而是巧妙地将当时的时代背景和书写者的心境融入其中，使得学习者在临帖的同时，也能感受到一种跨越时空的对话。我特别喜欢其中对于某些经典字形的“变体”的探讨，这让我明白了书法艺术的生命力在于其在规范内蕴含的灵活性。对比我过去收藏的其他几本类似主题的书籍，这本在细节的考据上明显更胜一筹，注释详实而又不失流畅，阅读体验非常顺滑。它像一位耐心的老师，既严格要求你的每一个起笔落笔，又引导你去理解这份严苛背后的艺术哲学，让人感觉受益匪浅，是值得反复研读的佳作。

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说实话，当我翻开这本关于传统经典的书籍时，内心是带着一丝忐忑的，毕竟许多号称“经典”的书籍在实际阅读体验上往往会让人大失所望，要么是影印质量太差，要么是解析过于枯燥。然而，这本让我惊喜不已。它的装帧设计透露出一种低调的奢华，但更重要的是内容呈现的专业度。我关注的焦点在于它对于“法度”的阐释，那种深入到结构平衡、间架布局的逻辑推演，简直让人茅塞顿开。很多我过去练习时感到困惑的“为什么这样写”的问题，都在这本书的细节展示中找到了答案。它不像市面上那些流水账式的教学书籍，而是以一种近乎学术研究的态度去解构和重构那些精妙的笔法体系。我最欣赏的是它对于整体气韵的把握，如何让一篇文章读起来气脉贯通，而不是孤立地看待每一个字。这本书的引入，无疑为我的书法学习路径提供了一个更加坚实和系统的框架，极大地提升了我对传统书体结构美的认知深度。

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