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出版者:湖北美术

作者:高俊超

出品人:

页数:5 页

译者:

出版时间:2007年08月

价格:29.8

装帧:平装

isbn号码:9787539420646

丛书系列:

图书标签:

• 素描
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艺术殿堂的沉思：探寻西方绘画史中的“大风景”与“小趣味” 一卷磅礴的画卷缓缓展开，它不是聚焦于个体面孔的微观刻画，而是将目光投向了人类文明进程中，那片广袤无垠、包罗万象的“大风景”。 本书并非一本关于素描技法的实用指南，更不是一本聚焦于精确捕捉瞬间神韵的速写集。相反，它是一部深入剖析西方艺术史上，尤其是在巴洛克至浪漫主义这一关键转型期，风景画与风俗画如何从边缘走向中心，最终构建起一个独立于宗教和肖像之外的视觉宇宙的学术性论著。 本书将艺术史的叙事，从传统的“英雄时代”中抽离出来，转而探讨那些承载着时代精神的“副线”——风景的哲学内涵与日常生活的诗意记录。我们不再关注文艺复兴巨匠们如何以黄金分割来塑造完美的人体比例，而是深入研究荷兰黄金时代画家们如何通过对光线、云层和水面的细致描摹，来表达新教伦理中的谦逊与敬畏；探讨法国“卢浮宫学院派”如何将阿尔卑斯山脉塑造成一种崇高（Sublime）的象征，而非简单的地理记录。 第一部分：风景的崛起——从背景到主体 本书的开篇，着眼于风景画的“本体论”。在漫长的中世纪和早期文艺复兴时期，风景往往只是作为圣经故事或神话传说的陪衬，是人物活动的空间容器。然而，随着地理大发现和科学观测的兴起，世界观开始发生根本性的转变。人们不再将大地视为“伊甸园的残片”，而是将其视为一个值得系统探索和赞美的实体。 我们将详细考察意大利巴洛克时期，尤其是克劳德·洛兰（Claude Lorrain）和尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）对“理想风景”的建构。洛兰的画作，以其完美的黄金比例构图、柔和的乳白色光晕，以及对地中海古典废墟的想象性描绘，确立了一种“古典田园诗”的范式。我们分析他的作品如何成为后世贵族旅行和文化品味的象征，以及这种对“理想化自然”的追求，实则是对当时欧洲政治和宗教不确定性的一种审美逃避。普桑的风景则更为理性，他将古典神话植入严谨的几何结构中，探讨的是秩序与混沌的永恒辩证关系。 随后，笔锋转向北欧，重点剖析荷兰十七世纪的“世俗自然”。这里的风景不再需要神圣的叙事支撑。阿尔伯特·凯普（Aelbert Cuyp）的“日光下的河口”，蕾梅尔（Jacob van Ruisdael）那充满戏剧性的“风暴下的橡树”，都反映了新兴资产阶级对自身劳动成果的骄傲——肥沃的土地、可以航行的港口、以及变幻莫测但最终可控的天空。我们甚至会探究一些细微之处，比如，荷兰画家如何通过对泥土和芦苇的精确描绘，来间接表达对“契约精神”和“商业效率”的赞美。 第二部分：日常的诗意——风俗画中的社会镜像 如果说风景画是关于“何处”的哲学，那么风俗画（Genre Painting）就是关于“如何活”的社会学观察。本书的第二部分，将焦点从宏大的自然转向了普通人的居室、酒馆和街道。 我们详细梳理了小大卫·特尼尔斯（David Teniers the Younger）对法兰德斯乡村生活的描绘。这些场景充满了烟雾缭绕的室内、醉醺醺的农民和滑稽的肢体语言。但这并非简单的“丑角”描绘。通过对比特尼尔斯作品中农民的放纵与上流社会收藏家对这些作品的购买行为，我们揭示了当时社会阶层之间微妙的“观看距离”和自我投射。贵族们通过观看农民的“低级趣味”，来反衬自身的“高雅教养”。 在法国，我们将目光投向让-安托万·瓦托（Antoine Watteau）及其开创的“fêtes galantes”（雅致的户外聚会）主题。瓦托的人物——那些衣着华丽、表情忧郁的贵族，在宁静的公园中进行着若有似无的调情。这不再是鲁本斯式的狂热肉欲，而是一种浸透着巴洛克式虚无感和感伤主义的“优雅的迷失”。我们分析他如何用柔和的色调和朦胧的边缘，暗示着旧制度的颓废与即将到来的变革的焦虑。 第三部分：崇高与情感的爆发——浪漫主义的转向 进入十八世纪末和十九世纪初，工业革命带来的社会剧变和启蒙运动的理性高歌的破产，引发了艺术中对“情感”的极端回归。本书第三部分专门探讨了浪漫主义如何彻底颠覆了古典风景的秩序。 我们深入剖析约瑟夫·特纳（J.M.W. Turner）和卡斯帕·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich）的艺术语言。特纳的画作不再是洛兰式的宁静港湾，而是吞噬一切的“光的暴力”——暴风雨中的海船、燃烧的国会大厦。他的笔触变得越来越松散，色彩越来越炽烈，这标志着艺术家不再是自然的记录者，而是自然力量的“共谋者”。 弗里德里希的《雾海上的漫游者》成为了一个时代的标志。孤立的背影面对着深不可测的山峰和云海，这不仅仅是对自然景观的描绘，更是对“个体精神的无限性与宇宙的压迫感”之间的张力的哲学表达。我们对比分析，这种对“敬畏的恐惧”（Awe）的追求，如何成为对启蒙理性“万物皆可被测量”论断的有力反驳。 结语：从“物”到“心”的旅程 本书的最终结论是，风景画和风俗画的发展史，是一部从客观记录转向主观体验的艺术进化史。它们共同见证了西方社会从集体信仰向个人主义、从神权统治向世俗关注的微妙转移。通过对这些“非主要”艺术类别的深入考察，我们得以更清晰地理解艺术如何回应时代的需求，如何将一片平凡的土地或一个无足轻重的日常场景，提升到足以承载人类最深层恐惧与希望的精神载体的地位。 本书旨在为艺术爱好者、历史研究者以及所有对视觉文化如何塑造人类心灵史感兴趣的读者，提供一个详尽且富有洞察力的参照系。它邀请读者放下对“英雄肖像”的固有迷恋，转而沉浸于那片由光影、云气和平凡人间的烟火气所构筑的，同样深邃而动人的艺术世界。

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拿到这本画册后，我的第一反应是“哇，好厚实”。但这种厚实感并非单纯的装帧带来的，而是内容本身的丰富度和深度带来的充实感。我过去购买过一些国外引进的素描教材，它们往往过于强调欧洲古典美学的标准，对于亚洲人面部特征的刻画相对缺乏针对性。但这本挂图在人物选择上似乎更贴近我们日常能接触到的面孔，没有那种遥不可及的完美感，反而更具有亲切的写生价值。作者在处理光影时，并没有使用那种僵硬的、界限分明的灰阶，而是通过非常细腻的排线过渡，营造出一种柔和而富有空气感的氛围。特别是眼窝和鼻翼两侧的暗部处理，处理得非常微妙，既保证了立体感，又避免了死黑的出现。我发现，即便是同样是平光下的半身像，不同人物的面部结构差异也被捕捉得非常到位，这对于我理解“结构决定一切”这个素描的核心理念，提供了非常直观的视觉证据。可以说，它不是一本让你照着画就能“得到”一个漂亮头像的书，而是一本让你理解“为什么”要这么画的书。

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我是一个对“效率”要求比较高的学习者，通常一本画集如果内容过于零散或者讲解晦涩，我很快就会失去兴趣。但这本书的编排简直是为我量身定做。它以一种近乎“模块化”的方式呈现了各种角度和表情下的头像处理，你可以根据自己的薄弱环节进行针对性地翻阅和练习。比如，如果你对四分之三侧面的鼻子结构感到困惑，直接翻到相应的章节，就能看到好几个不同案例的详细剖析，每一个案例都强调了关键的结构线和投影关系。我特别注意到书中对嘴唇的描绘，很多初学者都容易把嘴唇画成两条简单的线段，但这本书里呈现的嘴唇，无论是微笑还是闭合，都强调了其球体和肌肉组织的体积感，上下唇的厚度关系处理得非常准确。这种清晰的结构引导，大大减少了我自我摸索的时间。而且，印刷的质量也值得称赞，墨色的还原度非常高，即便是最浅的阴影过渡也能清晰可见，这在临摹时至关重要，因为很多细节的微妙之处恰恰隐藏在那些淡淡的笔触之间。

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说实话，我原本对“挂图”这种形式的画册抱有那么一丝丝的保留，总觉得它们可能更偏向于装饰性而非实用性。然而，这本《俊超素描人物头像挂图》彻底颠覆了我的看法。它的内容组织逻辑性非常强，从最基础的头骨结构过渡到面部五官的精确描绘，再到不同光照角度下的体积感表现，层层递进，环环相扣。我惊喜地发现，书中对结构线的处理非常清晰，即便是初学者也能从中找到清晰的参照点。更难能可贵的是，它没有一味地强调“画得像”，而是在“像”的基础上，融入了更多对人物性格和情绪的刻画。比如，有几幅老年人物的素描，脸上的皱纹不再是简单的线条堆砌，而是像历史的年轮一样，记录着岁月留下的痕迹，那种深沉的历史感和沧桑感，让人久久不能忘怀。这种既有学院派的严谨，又有写实派的温度的风格，在我看过的诸多素描集里是相当少见的。我尤其欣赏作者在表现头发和皮肤质感时所使用的笔触变化，那种粗细和力度的微妙控制，是需要长久经验积累才能达到的境界。

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这本画册，拿到手上就感觉分量十足，纸张的质感非常细腻，光是触摸就能感受到制作者的用心。虽然我还没完全翻完，但光是看前几页的排版和设计，就已经能感受到一种沉稳又不失灵动的艺术气息。每一页的留白处理得恰到好处，既没有让人觉得空洞，又给予了画面足够的呼吸空间。特别是色彩的运用，虽然是素描，但其中蕴含的光影变化和层次感，让人不得不佩服作者对明暗关系的精准把握。很多画作中的人物眼神非常传神，仿佛下一秒就要从纸上走出来与我对视，这种捕捉瞬间神态的功力，不是一朝一夕可以练成的。我个人特别喜欢其中几幅侧面肖像，那种轮廓线的干净利落和内在情绪的微妙流露，简直是教科书级别的示范。对于一个正在努力提升自己绘画基础的爱好者来说，这本书简直就是一份宝贵的财富，它不像一些速成的技巧书那样浮夸，而是脚踏实地地展示了如何通过线条和结构去塑造一个鲜活的生命体。我打算近期会花更多时间仔细临摹其中的一些基础练习，相信对我的进步会有巨大的推动作用。

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作为一名常年与绘画工具打交道的爱好者，我对纸张的耐受度和墨水的持久性是有一定要求的。这本素描挂图的装帧质量，尤其是纸张的吸墨性和平滑度，给我留下了深刻的印象。它似乎能很好地承受不同硬度铅笔的压力，即使用力较重进行排线练习，纸面也不会出现明显的洇墨或损伤，这保证了练习过程的顺畅。更吸引我的是，这本书展现了一种非常成熟的“动态平衡”的审美观。它不像某些写实作品那样追求绝对的精确到每一个毛孔，而是保留了手绘独有的生命力和速度感。在一些大动态的头部速写中，可以看到作者如何快速地抓住人物的动态重心和神态特征，那种一气呵成的感觉，极具感染力。我从中领悟到，素描头像的精髓，除了结构的准确性，更在于如何用最简洁的线条去概括复杂的形体，这种“减法”的智慧，远比堆砌复杂的细节要难得多。这本书提供了一个极佳的范本，让我们看到如何优雅且有力地完成一幅素描作品。

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