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出版者:ワニブックス

作者:五十岚隼士

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006年09月

价格:3150円 (税込)

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isbn号码:9784847029622

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昭和浪漫的余晖：当代日本摄影中的“物哀”与“幽玄” 一部深入探讨战后日本摄影艺术如何捕捉和诠释其独特美学精神的深度研究 本书并非聚焦于某一特定偶像或商业摄影作品，而是将目光投向自上世纪五十年代至今，日本摄影界中那些深刻植根于本土文化土壤，并试图用镜头语言来表达“物哀”（Mono no aware）与“幽玄”（Yūgen）等古典美学概念的摄影大师及其作品群像。 我们试图在光影的交错中，重新审视那些被时间冲刷、被记忆珍藏的瞬间，探讨摄影如何成为解读一个民族集体潜意识和审美取向的独特载体。全书分为五个核心章节，辅以大量经典作品的精细分析，力求呈现一个复杂而迷人的日本视觉文化图景。 --- 第一章：战后创伤与“纪实的美学转向” 战后日本，在物质重建的同时，精神世界经历了剧烈的重塑。这一时期的摄影不再满足于单纯的记录，而是转向对存在的本质和瞬间的永恒性的探求。本章将重点考察如木村伊兵卫（Ihei Kimura）后期作品中对日常生活的“诗化”处理，以及土门拳（Ken Domon）对“风土”（Fūdo）的执着记录。 我们分析“纪实性”在日本摄影中如何被解构和重构。纪实不再等同于客观的报道，而是一种带着强烈主观情感和哲学思考的介入。例如，在探讨城市化进程中，那些被快速发展所遗忘的角落，摄影师如何通过光线、构图和对人物表情的捕捉，营造出一种既在场又疏离的“哀愁感”。 重点案例分析将放在那些描绘普通人日常劳作和家庭生活的作品上。这些作品中，镜头语言透露出对逝去时光的怀念，对短暂生命中美的珍视——这正是“物哀”精神在社会纪实领域的投射。他们记录的不是宏大叙事，而是微小生命在时代洪流中的坚韧与脆弱。 --- 第二章：从“挑衅”到“私性”：主观摄影的兴起与“个人世界”的构建 进入六十年代，受西方现代主义思潮影响，日本摄影界出现了一股强烈的反叛浪潮，以东松照明（Shomei Tomatsu）和细江英公（Eikoh Hosoe）为代表的“挑衅性”摄影，试图打破既有的审美框架。 本章深入探讨“私性”（The Subjective Turn）在日本摄影中的特殊含义。与西方强调自我表达的“主体性”不同，日本的私性摄影更倾向于通过扭曲、超现实和象征性的影像，揭示潜藏在社会表象之下的欲望、恐惧和非理性力量。细江英公对三岛由纪夫的《蔷薇刑》的影像诠释，便是将文学的象征意义转化为极致视觉冲击的典范。 我们特别剖析“禁忌之美”的探索。这些摄影师如何利用强烈的对比、景深的处理以及对人体和废墟的描绘，来表达一种对既定秩序的反思，以及对生命原始冲动的肯定。这种“挑衅”，实际上也是一种更深层次的、对“存在之虚无”的哲学确认。 --- 第三章：幽玄之境：风景摄影中的空寂与留白 “幽玄”的概念，强调深远、晦暗、不可言喻的美感。本章聚焦于那些以自然景观或静物为主要题材的摄影作品，探讨他们如何将禅宗思想融入影像结构之中。 代表性的如川田喜久弥（Kikuji Kawada）或奈良原一高（Ikko Narahara）在拍摄特定空间（如废弃的剧场、荒芜的海岸线）时所展现出的对“空间感”的独特处理。他们很少使用直白的叙事，而是通过光影的层次感和构图中的“留白”，引导观者进入一种冥想的状态。 分析将集中在以下几点： 1. 光线的运用： 如何使用低调（Low Key）和多重曝光来模拟夜晚或雾气弥漫时的模糊感，以追求“若隐若现”的幽玄境界。 2. 纹理的象征意义： 对苔藓、锈迹、破碎的木材等自然或人造纹理的特写，这些纹理成为了时间流逝和生命循环的无声见证。 3. 对“不在场”的描绘： 许多优秀的风景摄影中，人物的缺失反倒突显了环境的精神力量，使得观众的想象力成为影像的延伸部分。 --- 第四章：日常的“非日常化”：当代摄影中的碎片与瞬间捕捉 进入八十年代至今，随着摄影器材的普及和媒介环境的变化，日本摄影进入了一个更加碎片化、更贴近个人经验的阶段。这一阶段的作品，往往放弃宏大的主题，转而关注生活中的偶然、荒谬和即兴。 本章讨论了那些被戏称为“写实主义的消亡”的作品。例如，对家庭内部场景、街头瞬间的快速捕捉，这些作品看似随意，实则暗含着对社会异化和人际疏离的洞察。 重点分析了“偶然性”在日本当代摄影中的重要地位。摄影师不再是精心策划的导演，而是敏锐的捕捉者。他们试图在那些未被期待的时刻中，发现隐藏在俗世表象下的某种“永恒的滑稽”或“短暂的诗意”。这种手法，恰恰是对传统严谨构图的一种温柔反叛，但其内核依然是对生命瞬间价值的肯定。 --- 第五章：镜与影的交融：技术革新与美学精神的持续对话 最后一章，我们探讨在新媒体和数字技术冲击下，日本摄影美学精神的演变与坚守。数字时代的便利是否稀释了过去摄影师对影像的敬畏？ 通过分析当代一些使用大画幅和即时成像技术（如宝丽来）进行创作的摄影师，我们可以看到一种回归“物质性”的倾向。他们对底片颗粒、化学反应、以及图像物理形变的关注，是对纯粹数字影像泛滥的一种审美抵抗。 最终，本书总结道：无论技术如何发展，日本摄影的核心魅力始终在于其对“瞬间的哀伤”和“不可见的深度”的执着探索。它不是关于拍摄什么，而是关于“如何观看”——用一种既接受世界的残缺，又从中提炼出超越性之美的独特方式。这部摄影史，是关于一个民族如何用光影来与自身的历史、美学和哲学进行对话的记录。

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这套作品的成功之处，在于它没有过度依赖夸张的布景或者炫目的后期，而是将焦点精准地放在了主体气质的挖掘上。服饰的选择也相当考究，无论是简约的日常穿着，还是那些更具设计感的造型，都完美地衬托出了人物的独特韵味，丝毫没有喧宾夺主的感觉。我特别喜欢那几张在自然光下拍摄的特写镜头，皮肤的纹理、发丝的细节，都处理得真实而又富有诗意。这种“真实中的完美”才是最打动人的地方。它让人觉得，这不是一个遥不可及的偶像，而是一个活生生的、拥有丰富内心世界的个体，只是被赋予了极致的镜头语言。翻到最后几页的时候，我甚至有点依依不舍，仿佛一场精彩的戏剧落幕，留下的只有回味无穷的怅惘。这已经超出了“写真”的范畴，更像是一本关于光影与灵魂的视觉散文集。

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这本写真集，坦白说，初拿到手的时候，我的心跳都漏了一拍。那种被精心设计的、流光溢彩的画面，一下子就把人拉进了一个完全不同的世界。装帧本身就透露着一股匠心，纸张的质感拿在手里沉甸甸的，摸上去细腻得像是丝绸，让人爱不释手。更别提那些印刷的色彩了，饱和度拿捏得恰到好处，光影的处理简直是教科书级别的。你看着那些照片，会觉得每一个瞬间都被时间凝固住了，那种捕捉到的神态和情绪，是任何语言都难以形容的。尤其是有几张远景，背景的虚化处理得极其到位，将人物的轮廓勾勒得如同梦境一般，让人忍不住想去探寻照片背后的故事，去想象那时的环境到底有多么迷人。整体的编排也很有节奏感，从开篇的清新自然，到中间几页的深沉内敛，再到最后的张扬热烈，仿佛跟着摄影师的镜头进行了一场情绪的过山车之旅。光是翻阅的过程，就成了一种享受，一种对美的极致沉浸。

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我必须得说，这本书的魅力在于它的层次感和耐看性。很多写真集看一遍就够了，因为所有的“惊喜点”都集中在第一次翻阅的时候。但这本不同，它鼓励你反复品味。今天看可能觉得A图很美，明天再看可能就被C图的眼神所吸引。它有着一种魔力，能随着你自身心境的变化，展现出不同的侧面。我甚至在想，摄影师在拍摄的瞬间，是如何精准地捕捉到了那些稍纵即逝的、介于清晰与模糊之间的微妙状态的。那种捕捉到了“人性瞬间闪光点”的能力，实在是太令人钦佩了。这本书带给我的不仅仅是视觉上的愉悦，更是一种审美上的提升和精神上的滋养。这是一次成功的、令人心满意足的收藏体验，绝对是同类作品中的佼佼者，值得所有追求高品质影像艺术的同好们拥有。

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与其他同类作品相比，这本写真集的排版布局简直是鬼斧神工。它不是简单地将照片堆砌起来，而是深谙留白之道。恰到好处的空白区域，反而让那些被选中的照片有了呼吸的空间，让观看者的视线得到了充分的引导和放松。这种设计上的克制，反而凸显了照片本身的冲击力。而且，主题的连贯性非常强，无论是色调的统一，还是情绪的递进，都处理得非常流畅自然，几乎没有突兀感。我注意到，即便是角度最刁钻、光线最复杂的几张照片，最终呈现出来的效果也是和谐统一的，这背后绝对是团队高超的审美和精密的计算。对我来说，收藏它不仅仅是拥有几张漂亮的图片，而是拥有了一个完整的、高品质的艺术品。它值得被放在书架最显眼的位置，随时可以取下来进行“朝拜”。

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说实话，我本来对写真集这种形式总是抱着一丝保留的态度，觉得很多时候都是流水线作业，缺乏灵魂。但是这本完全颠覆了我的看法。它更像是一部精心策划的视觉小说，每一页都在无声地讲述着关于“存在”的哲学。我特别欣赏摄影师在光线运用上的大胆和细腻。有些画面，光线像是从遥远的星辰洒落下来，打在人物的肌肤上，那种透明感和质感，简直让人屏息。这不是简单的记录，而是一种艺术的再创造。再看模特的表现力，简直是教科书级别的“眼神杀”。不需要多余的肢体动作，仅仅是一个侧脸的微表情，就能够传递出千言万语。那种略带迷惘、又似乎充满力量的眼神，总能轻易地捕捉到我内心深处最柔软的部分，让人久久不能忘怀。我甚至会花上几分钟，只是盯着其中一张照片看，试图解析其中隐藏的情绪层次，每一次重温，都会有新的感悟。

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我终于托朋友买到了，不得不说那个时候真的是抓得住的未来，现在得抱住啊

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那时候年轻啊 T T

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