具体描述
作者认为，作为考生，首先应该注重水粉画基础理论的学习，同时还要坚持写生实践。成熟的绘画技法不是凭空产生的，而是源于长期写生经验的积累。而且，各种艺术门类、各个画种都有自己的“绝活”和“窍门”，有些是传统的，有些是创新的。在水粉画中，一些小窍门、小方法往往可以衍生出大技巧，甚至能够达到事半功倍的效果。
本书内容深入浅出，浓缩了水粉画的基础理论，能使考生在平时训练中得到正确指导。作者以丰富的实践经验对每幅范画进行了指导性点评，并配以作画过程说明，介绍了独到的绘画方法与技巧，便于学生参考与临摹。
作者简介
佟翔天，1929年3月生，满族，中共党员，国家一级美术师。中国电影家协会会员，中国美术家协会会员，中国电影电视学会会员，中国电影美术学会理事。1949年8月参加中国人民解放军从事文艺创作工作。1952年调入八一电影制片厂担任电影美术设计工作，主持完成了《闪闪的红星》、《归心似箭》、《高山下的花环》、《大决战》、《中国革命之歌》等100多部影片的美术设计和拍摄任务，其中《中国革命之歌》荣立三等功。
美术作品多次参加全国、全军大型美展并获奖。水粉画作品《三军过后》在“纪念中国人民解放军建军55周年”画展上被评为优秀作品，《雅鲁藏布江流向喜马拉雅山》入选第六届全国美展，《源》、《爱》入选第七届全国美展，《昨夜风雪》、《小镇》参加1991年在美国旧金山举办的“中国当代水彩画展”。《雅鲁藏布江流向喜马拉雅山》《上海豫园》两幅作品编入《中国现代美术全集》。
主要著作有《电影特技》、《谈色彩》、《佟翔天的水粉风景画技法》、《有生命的泥土》、《著名画家指导美术高考——水粉画》等。
目录信息
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读后感
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用户评价
我不得不提一下这本书在“材料与媒介”上的广博涉猎。许多美术书籍往往只专注于油画或水彩中的某一种，但这本书却像一本艺术百科全书，对各种传统和现代的绘画材料都有所涉猎，并且详细说明了它们各自的“脾气秉性”。比如，它会告诉你，不同品牌的水粉颜料在覆盖力和干燥速度上的细微差别，以及如何在水性材料中巧妙地模拟出油画的厚重感。对于我这种对各种可能性都充满好奇心的学习者来说，这简直是打开了一扇新世界的大门。更让我惊喜的是，书中还专门辟出了一章，讨论了如何利用现代科技辅助创作，比如如何使用数位板进行草图的精准修正，以及如何利用摄影技术来优化光源采集。这表明作者的视野非常开阔，深知艺术教育需要与时俱进。这种对材料本质的深刻理解，加上对新兴工具的接纳态度，使得这本书不仅对传统美术生有用，对那些希望将传统技法融入数字艺术创作中的人，也同样具有极高的参考价值。
评分我本来以为这本“高考指导”无非就是些应试技巧的堆砌，无非就是教你怎么在规定时间内画出“标准答案”式的作品，但翻开之后，我完全被它对“观察”这件事的深刻阐释所震撼了。作者仿佛是个哲学家，他引导读者去思考，你看到的究竟是物体本身，还是你大脑对物体的预设印象？书中有一部分专门探讨了“视觉捕捉”的训练方法，比如要求读者在极短的时间内记住一个复杂的场景的整体动态和比例关系，而不是沉溺于细节的描摹。这种训练方式，对于我们这些长期被细节困扰的绘画者来说，无疑是一剂猛药。它强迫你从宏观上去把握画面的“气势”和“结构”，而不是被琐碎的笔触所迷惑。我尤其喜欢其中关于“色彩心理学”的探讨，作者用大量的色彩搭配图例，解析了冷暖色调如何调动观者的情绪，以及如何通过色彩的饱和度对比来创造画面的视觉焦点。这已经超越了纯粹的绘画技巧范畴，触及到了艺术表达的深层逻辑。坦白说，这本书与其说是教你画画，不如说是教你如何“看见”世界，如何将你对世界的独特感知转化为视觉语言，这一点，对于任何一个想在艺术领域走得更远的人来说，都是至关重要的财富。
评分这本书的叙事风格非常平易近人，没有那种故作高深的理论术语，读起来像是在听一位经验丰富的前辈在闲聊中传授秘诀。其中关于“如何进行有效的自我批评”的部分，我感觉收获尤其大。作者指出，许多学生在面对自己的作品时，要么是过度自卑，要么是盲目自恋，缺乏一种客观、建设性的审视视角。书中提供了一套“三步走”的自审流程：首先是基于技术标准的检查（如结构、比例）；其次是基于艺术表达的检查（如情感、主题是否清晰）；最后是基于受众反馈的预演。这个结构清晰的反馈机制，让我学会了如何“抽离”出来看自己的画，而不是完全沉浸在创作的激情中而无法自拔。此外，全书在探讨“创新与传统”的关系时，观点非常中肯，它既没有全盘否定传统技法的价值，也没有鼓吹盲目追求新奇古怪，而是强调在扎实的基本功之上，寻找属于自己的声音。这种平衡的艺术观，对于一个正处于塑形关键期的学习者而言，无疑是至关重要的精神引导。它教会我，真正的“创新”，往往源于对传统的深刻理解和突破。
评分这本书，我得说，简直是为我这种在艺术的十字路口徘徊的迷茫者量身定做的指南。它没有那种高高在上的学院派腔调，更像是一位经验丰富的老者，坐在你身边，用最朴实的语言，一步一步地剖析那些看似深不可测的艺术理论。我特别欣赏作者在讲解素描光影那一章节时的细致入微，他没有仅仅停留在“亮面、暗面、反光”这些基础概念上，而是深入探讨了不同光源特性如何影响物体表面的质感呈现，比如，柔和的散射光如何塑造出雕塑般的体积感，而尖锐的侧光又是如何强调了表面的粗糙纹理。书中那些案例分析，选取得极其巧妙，从古典大师的静物写生到现代艺术家的速写练习，跨度之大，让人对艺术史的发展脉络有了更清晰的认知。更难得的是，作者在谈论创作心态时，那种真诚和鼓励，让我这个在临摹中屡屡受挫的人，重新找回了拿起画笔的勇气。那种“艺术是永无止境的探索，失败只是通往成功的必经之路”的论调，比起那些空洞的说教，更能触动人心。这本书的排版和图例选择，也体现了极高的专业素养，每一幅范画的解析都配有清晰的局部放大图和箭头指示，让人一看便知作者的意图所在，实属难得的佳作。
评分这本书的实用性，真的超出了我的预期，尤其是在处理复杂构图和空间透视的部分。过去我总是在透视线的使用上感到头疼，总觉得画出来的画面僵硬而缺乏生命力。但是，这本书里介绍了一种“经验性透视法”，它不是死板地要求你精确计算消失点，而是通过对经典建筑和自然景观的案例分析，教你如何通过视觉经验来预判和修正透视的偏差，让画面在符合逻辑的同时，保持一定的艺术处理空间。对于需要在短时间内完成大幅作品的高考场景来说，这种灵活应变的能力简直是救命稻草。另外，关于人物动态速写的章节，简直是宝藏。作者没有提供一堆僵硬的人体骨骼图，而是抓住了“运动的瞬间”和“力的传导”这条主线，用极其简练的线条勾勒出人物的能量流向。我尝试着用书中学到的“三点定势”法去捕捉行走中的行人，竟然神奇地抓住了那种动感和节奏感。这种教学方式，非常注重思维的迁移能力，而不是简单的模仿，让你在面对任何新的绘画对象时，都能迅速找到切入点。
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