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出版者:中国财政经济

作者:郑明身主编

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页数:0

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价格:17.4

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isbn号码:9787500568445

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• 企业管理
• 管理学
• 现代管理
• 组织行为
• 战略管理
• 领导力
• 运营管理
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• 经济管理
• 管理案例

《光影间的流变：电影艺术百年发展史》 一、 序曲：从卢米埃尔的“活动影像”到默片的黄金时代 本书旨在深入剖析电影艺术自诞生之初，历经百年风雨洗礼，如何从一项新奇的技术发明，蜕变为影响世界文化、经济与社会思潮的综合性艺术门类。我们并非探讨企业内部的组织架构与决策流程，而是将目光投向光影世界的构建与演变。 故事始于19世纪末，法国的卢米埃尔兄弟将摄影机与放映机结合，带来的震撼人心的“活动影像”。早期电影是粗粝而写实的，记录着日常生活片段，如工人走出工厂，或火车驶入车站，其魅力在于“动”本身。然而，电影艺术的早期萌芽，更多地体现在乔治·梅里爱（Georges Méliès）这位“魔术师”手中。他通过剪辑、特技和布景，将电影提升为叙事和幻想的载体，奠定了视觉特效的雏形。 进入20世纪第一个十年，电影开始建立起自己的叙事语法。美国西海岸的制片人意识到，将零散的镜头组织起来，可以构建出宏大的故事。此时，大卫·沃克·格里菲斯（D.W. Griffith）成为关键人物。他系统地运用了特写、远景、交叉剪辑（蒙太奇的早期形式）等手法，极大地丰富了电影语言的表现力。《一个国家的诞生》等作品引发了关于电影道德影响的巨大争议，同时也确立了长片叙事电影的主导地位。 默片时期（1910s-1920s）是世界电影美学探索的黄金阶段。在德国，表现主义电影以其扭曲的布景、强烈的阴影和夸张的表演（如《卡里加里博士的内阁》），表达了战后弥漫的焦虑与心理不安。而在苏联，谢尔盖·爱森斯坦（Sergei Eisenstein）将蒙太奇理论推向极致，他主张“撞击式蒙太奇”，意图通过镜头的并置产生新的、超越单个镜头的思想意义，强调电影的社会教育和革命功能。 与此同时，卓别林（Charlie Chaplin）和巴斯特·基顿（Buster Keaton）则在喜剧的表象下，刻画了小人物的辛酸与尊严。他们的肢体语言和精巧的构思，证明了无声电影在情感传达上的巨大潜力。这一时期的电影工业也逐渐成熟，好莱坞的制片厂制度开始成型，为日后的商业霸主地位奠定了基础。 二、 有声与色彩的革命：好莱坞的黄金时代与流派的兴盛 1927年，《爵士乐之王》的问世，标志着有声电影时代的开启。声音的加入是革命性的，它不仅带来了对白，还丰富了环境音效和音乐的运用。这迫使许多默片时代的明星黯然退场，同时也为电影注入了新的戏剧张力。 在声音和彩色技术的双重推动下，好莱坞进入了其被誉为“黄金时代”（1930s-1940s）的鼎盛期。制片厂制度（Studio System）高度发达，各大制片厂如同工业化流水线，制作了海量的类型片：浪漫歌舞片、黑色电影（Film Noir）、西部片、犯罪片等。这些电影在提供娱乐的同时，也巧妙地反映了美国社会对大萧条和二战的复杂情感。例如，黑色电影对宿命论和城市异化的描绘，成为对主流乐观主义的一种隐秘反思。 然而，电影艺术的革新并未止步于美国。欧洲的电影人正酝酿着新的浪潮。法国的“诗意现实主义”以其忧郁的氛围和对社会边缘人物的关注，为后来的新浪潮运动积蓄了力量。战后，意大利的新现实主义（Italian Neorealism）横空出世。以罗西里尼和德·西卡为代表的导演，将摄影机推向了真实的街头巷尾，启用大量非专业演员，记录战争创伤和底层民众的生存困境，追求一种近乎纪录片的真实感，深刻影响了全球电影的写实倾向。 三、 新浪潮的冲击：作者论的崛起与电影语言的解构 进入20世纪50年代末和60年代，世界范围内的社会思潮剧烈动荡，青年文化对既有秩序产生质疑，这直接反映在电影领域，催生了影响深远的新浪潮运动。 法国新浪潮（Nouvelle Vague）是这场变革的核心。以特吕弗（François Truffaut）和戈达尔（Jean-Luc Godard）为代表的“左岸派”影评人转向导演岗位，他们高举“作者论”（Auteur Theory）的大旗，主张导演才是电影真正的作者，电影风格和主题深度来源于导演个人的世界观和独特的表达方式。他们打破了传统好莱坞叙事模式的严谨性，大量使用手持摄影、跳切（Jump Cut）、即兴对白和直接对镜头说话，使观众清晰地感知到“电影的制造过程”，从而强调电影的媒介特性而非单纯的故事讲述。 与此同时，东欧和日本的电影大师们也在进行深刻的艺术探索。英格玛·伯格曼（Ingmar Bergman）将镜头聚焦于人类存在、信仰危机与死亡的终极拷问，其心理深度与哲学思辨达到了极高的水准。黑泽明的史诗性构图和对人性复杂面的把握，则为世界动作片注入了新的重量。 四、 商业大片时代的来临与独立电影的抗衡 到了70年代，美国电影经历了一次内部的“反叛与回归”。一批深受欧洲艺术电影影响的年轻导演，如科波拉（Francis Ford Coppola）、斯皮尔伯格（Steven Spielberg）和卢卡斯（George Lucas），他们既掌握了欧洲的作者意识，又深谙好莱坞的商业叙事技巧。他们制作的《教父》、《大白鲨》、《星球大战》等作品，不仅在艺术上成就斐然，更以前所未有的方式点燃了全球观众的热情，标志着“好莱坞复兴”和现代商业大片的诞生。 随着技术的发展，视觉奇观成为了电影市场竞争的核心要素。数字技术开始渗透到电影制作的各个环节，使得过去无法想象的场景成为可能。 然而，在这股商业化的洪流中，独立电影（Independent Cinema）作为一股重要的制衡力量不断发展。它强调小成本制作、对社会议题的尖锐关注以及风格上的自由探索，为那些不适应主流叙事规范的导演提供了舞台。美国圣丹斯电影节等平台，成为了孕育下一代电影革新者的温床。 五、 数字化、全球化与未来图景 进入21世纪，电影艺术迎来了数字化浪潮。从胶片到数字摄影的转变，极大地降低了制作和发行的门槛，催生了全球范围内的电影制作热潮。3D、高帧率等新技术的应用，持续挑战着观众的视觉习惯。 更重要的是，流媒体平台的兴起彻底颠覆了传统的发行和观看模式。电影不再局限于影院这一特定空间，线上点播成为主流，这模糊了“电视”与“电影”的界限，迫使创作者重新思考叙事长度和媒介适应性。 本书的最后部分，将探讨全球化背景下，非好莱坞电影文化（如韩国电影、印度宝莱坞）对世界影坛的影响，以及电影艺术在虚拟现实、人工智能辅助创作等前沿领域中的潜在未来形态。我们回顾的百年历程，是一部关于光影魔术师们如何不断创新、挑战既有界限、并在社会变迁中寻找自身定位的艺术史诗。它展现的，是人类集体想象力与技术进步交织下，一门永不停止自我更新的艺术的生命力。

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这本书，说实话，初看时我还有些许疑虑。毕竟，“现代企业管理”这个书名太常见了，感觉像是把所有教科书里的陈词滥调都揉在一起的产物。但翻开目录，我立刻意识到我的偏见可能有些武断了。它并没有一开始就陷入那些枯燥的理论模型，而是选择了一条更具“实战感”的切入点——从组织变革的微观视角入手。作者似乎非常擅长捕捉那些在大型企业转型中容易被忽略的“人与流程”的冲突点。比如，它对敏捷开发（Agile）在传统科层制（Hierarchy）结构中水土不服的分析，简直就像是复盘了我司上个季度的失败项目。书中引用的案例并非那种光鲜亮丽的跨国公司“成功神话”，而是更多聚焦于那些正在经历“阵痛期”的中型制造业企业如何平衡效率与创新之间的矛盾。尤其让我印象深刻的是关于“跨部门沟通壁垒”的章节，它没有停留在“加强沟通”这种空泛的口号上，而是深入剖析了激励机制（Incentive Structure）如何不自觉地固化了部门间的“信息孤岛”。这本书的语言风格偏向于一种冷静的、近乎人类学的观察，它不急于给出标准答案，而是引导读者去解构自己企业内部的权力流向和信息传递的真实路径。读完这部分，我感觉自己不再是单纯的管理层执行者，更像是一个拿着显微镜观察细胞分裂过程的生物学家，看得透彻，才能下手得准。

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从一个纯粹的理论研究者的角度来看，这本书最大的价值在于它对管理学范式转移的洞察。它没有停留在对德鲁克、明茨伯格等前辈的简单复述上，而是敏锐地捕捉到了后工业时代，尤其是全球供应链重构背景下，传统“控制导向”管理正在向“协同网络”管理过渡的趋势。书中对“虚拟组织”和“生态系统治理”的论述，引用了大量复杂的系统动力学模型，但作者的高明之处在于，他能将这些晦涩的模型，通过极其生动的商业场景得以实例化。我特别欣赏它对“知识产权的分布式管理”这一未来议题的探讨，它挑战了传统的“集中式决策中心”的观念，预示着未来的企业可能更像是一个去中心化的自治社区（DAO）而非传统的金字塔。这本书的语言风格是高度学术化的，充满了严谨的定义和严密的论证链条，但其前瞻性和对未来商业形态的描绘，又充满了令人兴奋的想象力。它不仅仅是在“管理”企业，更是在“预言”未来的组织形态，是一本能让专业人士感到挑战和兴奋的作品。

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我是一名在互联网行业摸爬滚打多年的产品经理，对管理学的传统叙事早已审美疲劳。那些关于波特五力模型、SWOT分析的重复解读，对我而言，无异于慢性毒药。然而，这本书的后半部分，特别是关于“数字化转型中的组织韧性”这一主题的探讨，却出乎意料地抓住了我的注意力。它并没有将数字化视为简单的工具替换，而是将其定义为一种组织心智模式的彻底重塑。作者对“数据素养”（Data Literacy）的定义非常新颖，它不再是技术部门的专利，而是上升到了高层决策的必备素质。书中用大量的篇幅去解析了那些因决策者无法理解数据洞察而导致的项目搁浅案例，这些分析之尖锐，让我不由自主地在阅读时频繁点头，甚至忍不住在旁边空白处画出流程图试图反驳，但最终发现自己的反驳点早就在作者的预设之中。更让我感到惊喜的是，它对“后福特主义”的批判并非停留于理论批判，而是通过对“平台化运营”的解析，展现了现代服务业如何通过不断解构与重组业务单元来实现持续的动态平衡。这本书的论证逻辑非常严密，行文流畅，仿佛一位经验丰富、言辞犀利的资深顾问在与你进行一场高强度的思维碰撞，迫使你不断审视自己对“效率”和“价值”的传统认知。

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坦率地说，我通常不太相信市面上那些号称能“彻底改变你的管理思维”的书籍，它们往往虎头蛇尾。但这一本在谈及“领导力”那一章时，展现出了一种罕见的谦逊和深度。它没有大谈特谈“愿景感召”或“魅力型领导”，而是将重点放在了领导者在面对“不确定性”和“信息缺失”时的决策伦理上。作者引用了几则非常经典的经济学博弈论案例，来阐释在信息不对称的情况下，领导者如何通过建立“信任溢价”来降低交易成本。这一点，对于我这种需要频繁进行跨文化合作的管理人员来说，简直是醍醐灌顶。它不再把领导力描绘成一种与生俱来的光环，而是一种在极端压力下通过系统性风险管理和道德一致性来逐步构建的结构。书中关于“授权悖论”的讨论尤为精妙：当管理者试图向下授权以提高效率时，往往因为对结果的过度担忧而不断回收到控制权，最终导致效率更低。这本书提供的解决方案不是更严格的KPI，而是建立一套“容错成本可控”的反馈机制，这种务实的态度让人倍感踏实。读完这一部分，我感觉像是完成了一次高强度的领导力内观，收获远超预期的哲学思辨和操作指南。

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我是一名刚接手家族企业改革的年轻管理者，面对着父辈留下的沉重组织惯性，倍感压力。市面上很多管理书籍要么过于面向初创企业，谈论快速迭代和“All in”的激情；要么就是针对大型成熟跨国公司，谈论冗长的合规流程。这本书的奇特之处在于，它似乎精准地卡在了中间这个“中年危机”的企业群体上。书中对“组织惯性”的解析，简直就是对我司现状的精准描述——每一个流程的设定都有其历史合理性，但堆叠起来就成了创新的枷锁。作者提出了一个很有意思的观点，即“维护现有成功系统的成本，会随着企业生命周期的延长呈指数级增长”。然后，它没有给出推倒重来的激进建议，而是细致地阐述了如何在不破坏核心业务现金流的前提下，设置“影子组织”或“平行实验场”来孵化新模式。这部分内容的具体性让人印象深刻，比如它详细描述了如何设计一个不受年度预算周期限制的“小额创新基金”的运作流程，以及如何量化评估这些“影子项目”的潜在回报。这种不煽动情绪、专注于结构性优化的叙事方式，极大地降低了改革的心理阻力。这本书更像是一份为“守成者”准备的“变革手册”，充满了智慧的妥协和务实的路径设计。

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