吉他民谣组合弹唱精选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:海潮出版社

作者:李廷

出品人:

页数:155

译者:

出版时间:2001-5

价格:14.20元

装帧:

isbn号码:9787801514561

丛书系列:

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蓝调之魂：美国黑人音乐的演变与影响 内容简介 本书深入剖析了蓝调音乐（Blues）在美国的发展脉络及其对全球音乐文化产生的深远影响。我们将追溯蓝调的起源，探寻其如何在密西西比三角洲的种植园中孕育而生，成为非裔美国人民族集体情感的载体。这不是一本简单的乐理教材，而是一部关于苦难、希望、坚韧与创造力的音乐史诗。 第一部分：起源与萌芽（1860s – 1920s） 蓝调的根源深植于非洲的音乐传统、奴隶的劳动歌曲（Work Songs）、田间呼喊（Field Hollers）以及宗教灵歌（Spirituals）之中。在奴隶制废除后，特别是在美国南部的棉花种植园和铁路工地上，这种音乐形式开始初步定型。 1. 原始形态与主题： 早期的蓝调是即兴的、口头传承的，其主题高度聚焦于日常的艰辛：贫穷、失恋、背叛、漂泊不定的生活，以及对自由的渴望。我们详细考察了“AAB”三行诗式结构（即第一行重复，第二行发展，第三行提供问题的解答或感叹）在这一阶段的形成。 2. 密西西比三角洲的觉醒： 密西西比三角洲被公认为蓝调的发源地。查尔斯·爱德华·皮尔森（Charles Edward Peerson）等早期音乐人类学家记录了早期流浪音乐家的活动。这一阶段的音乐家，如查理·帕顿（Charley Patton），以其粗犷的嗓音和独特的指弹技巧，奠定了乡村蓝调（Country Blues）的基础。我们分析了帕顿如何将福音音乐的元素与世俗的叙事巧妙地融合。 3. 早期录音的冲击： 随着20世纪20年代“种族唱片”（Race Records）市场的兴起，蓝调开始被商业化。“妈妈”· 姆·西尔弗（Ma Rainey） 和贝西·史密斯（Bessie Smith） 等“经典蓝调”（Classic Blues）歌手的出现，将蓝调从田间带入了城市剧院和录音棚。她们的表演风格更具舞台性，并引入了钢琴和管乐的伴奏，极大地拓宽了蓝调的受众基础。 第二部分：大迁徙与城市化（1930s – 1940s） 20世纪初的“大迁徙”（Great Migration）将数百万非裔美国人从南方农村推向北方工业城市，如芝加哥、底特律和圣路易斯。蓝调也随之迁移、变异，并获得了新的“电气化”的声响。 1. 德州与皮埃德蒙特蓝调： 在此期间，德克萨斯蓝调（如盲人莱蒙德·杰克逊的演奏）以其更为抒情和复杂的指法著称，而皮埃德蒙特蓝调（集中于弗吉尼亚和卡罗莱纳地区）则以其摇摆的节奏和深受欧洲民谣影响的旋律线脱颖而出。 2. 芝加哥蓝调的崛起与电声化： 随着城市噪音的增大，原有的原声吉他难以穿透喧嚣的人群。麦迪·沃特斯（Muddy Waters）、小沃尔特（Little Walter） 和嚎叫的野狼（Howlin' Wolf） 等人开始使用电吉他、电贝斯和强力扩音设备。这本书详细探讨了芝加哥电声蓝调（Chicago Electric Blues）是如何通过失真（Distortion）和回授（Feedback）技术，创造出一种充满原始力量和都市焦虑感的全新音乐形态。我们深入分析了威利·迪克森（Willie Dixon） 作为词曲作者和制作人在塑造这一时期蓝调声响中的核心地位。 3. 节奏与布鲁斯（R&B）的先声： 到了40年代末，蓝调的节奏加快，结构也趋于简化，这直接催生了节奏与布鲁斯（R&B）。这种向更商业化、更适合舞蹈的音乐形式的转变，为摇滚乐的诞生埋下了伏笔。 第三部分：蓝调的黄金时代与跨界影响（1950s – 1960s） 二战后，蓝调达到了其成熟的顶峰，同时也开始向更广阔的音乐领域渗透。 1. 蓝调的风格细分： 这一时期，蓝调不再是单一的面貌。例如，B.B.金（B.B. King） 发展出了一种极具歌唱性和旋律性的独奏风格，强调单音线条的叙事性，这与更注重切分音和律动感的芝加哥蓝调形成了对比。同时，底特律和西海岸的蓝调也发展出了各自的地方特色。 2. 摇滚乐的“借用”与“反哺”： 本书清晰地描绘了蓝调如何成为早期摇滚乐（Rock and Roll）的骨架。猫王、巴迪·盖伊（Buddy Guy） 和查克·贝里（Chuck Berry） 等人都在很大程度上改编和演绎了早期的蓝调作品。我们分析了蓝调的十二小节结构、布鲁斯音阶（Blues Scale）和和声进行（Chord Progressions）是如何被吸纳进新兴的流行音乐语汇中。 3. 英国入侵与蓝调复兴： 60年代，英国的年轻音乐家，如滚石乐队（The Rolling Stones）、吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix） 和奶油乐队（Cream），重新发现了被美国主流忽视的原始芝加哥蓝调录音。他们以更高的音量、更复杂的即兴演奏和迷幻（Psychedelic）的元素，将蓝调重新带回了国际舞台，引发了全球性的“蓝调复兴”（Blues Revival）。 第四部分：现代蓝调的演变与遗产（1970s至今） 随着摇滚乐和放克音乐（Funk）的成熟，纯粹的蓝调音乐在商业上逐渐退居二线，但其精神和技术内核从未消失。 1. 融合与实验： 从70年代开始，蓝调开始与爵士乐（Jazz-Blues，如阿特·布鲁克海姆）、灵魂乐（Soul）和重金属（Heavy Metal，如史蒂夫·雷·沃恩）进行更深入的融合。音乐家们在保持蓝调情感深度的同时，不断探索新的音色和节奏可能性。 2. 传承者与未来： 即使在当代，蓝调依然是许多新兴音乐流派（如后朋克复兴、独立摇滚）的隐性驱动力。本书探讨了当代音乐家如何既尊重传统，又勇于创新，确保蓝调作为一种深刻的情感表达方式得以延续。 本书特色： 详尽的案例分析： 对关键人物的唱片进行深入的音乐学分析，剖析其演奏技巧和歌词意涵。 文化背景重建： 细致描绘了从种植园到城市移民的社会历史背景，解释音乐如何作为一种生存工具。 乐器与技术的演进： 追踪了从原声吉他到电吉他、再到效果器在蓝调音乐中应用的历程。 《蓝调之魂》不仅是对一种音乐流派的梳理，更是对美国社会变迁中，声音如何承载历史记忆与人类不屈精神的深刻探究。

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说实话，我对《古典吉他演奏技巧的再审视：从普雷斯蒂到布罗姆菲尔德的演进》这本书的第一印象是“厚重而严谨”。我之前接触过一些古典吉他的教材，它们要么是简写版的练习曲集，要么就是过于强调历史背景而忽略了实际操作的细节。然而，这本著作以一种近乎学术论文的严谨态度，深入剖析了二十世纪古典吉他演奏法从持琴姿势到拨弦发力的细微变化。作者并非简单地罗列技巧，而是通过大量的历史文献引用和对比分析，阐述了为什么某些演奏方法会在特定时期成为主流，又如何被后来的大师所超越或修正。我尤其欣赏它对右手“自由手位”和“靠弦手位”的辩证讨论，书中详细对比了两种技术在音色纯净度和力量控制上的优劣，并配有高清照片和慢动作视频的二维码链接（虽然我还没来得及扫描）。对于我这种常年受困于右手稳定性的演奏者来说，书中关于“指甲弧度对音色共振的影响”的章节简直是醍醐灌顶。它要求你不仅要练习，更要思考你每一次拨弦背后的物理原理。读完前三章，我已经开始重新审视自己多年来的练习习惯，并尝试以一种更科学、更具目的性的方式来提升我的音准和连贯性。

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翻开这本《后摇滚时代：氛围吉他音色构建与实验性演奏法》，我立刻被它那极其前卫和极客化的内容深深吸引住了。这绝不是一本传统意义上的乐理书，它更像是一本关于如何“制造声景”的实验手册。我一直痴迷于那些使用大量延迟（Delay）、混响（Reverb）和调制效果器，创造出如史诗般宏大或如迷雾般空灵的吉他音色，但苦于找不到系统的理论指导。这本书恰好填补了这个空白。作者对踏板链的排列组合进行了近乎科学的分析，从输入级的失真选择，到输出级空间效果的深度控制，都有非常详尽的参数解析和推荐设置。最让我惊艳的是关于“反向混响”和“颗粒合成”在吉他演奏中的应用章节，这完全颠覆了我对效果器使用的传统认知。书中不仅有大量的乐谱实例，还贴心地附上了当前市面上主流效果器型号的参数对照表，方便读者直接在自己的设备上复刻出书中描述的音色。阅读过程中，我不断地停下来，拿起我的Loop Station和几块效果器，跟着书里的指引进行调整，那种从无到有、创造出全新听觉体验的过程，充满了无与伦比的成就感。对于想要跳脱出传统和弦框架，探索吉他声音无限可能性的乐手来说，这本书是必不可少的“黑魔法”指南。

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我太太上周送我的这本《夏威夷四弦琴（Ukulele）的环球之旅：从波利尼西亚到爵士乐的融合探索》，一开始我还带着点轻视，觉得Uke不过是个小玩具，能有什么深度？结果我大错特错了！这本书彻底颠覆了我对尤克里里的固有印象。它以一种极其活泼、充满异域风情的方式，带领读者从夏威夷传统的“C6调”基础和弦开始，逐步过渡到复杂的爵士和弦指法和布鲁斯即兴。作者的文笔非常具有画面感，仿佛你真的坐在檀香山的沙滩上，听着海浪声学习乐器。书中精彩的部分在于它对“和声色彩”的运用。例如，它如何巧妙地将爵士乐中的“增六和弦”融入到原本简单的Uke伴奏中，瞬间让一首儿歌听起来充满了成熟的韵味。此外，书中还包含了一整章专门讨论如何使用“打击乐指法”（Percussive Techniques），教你如何用拇指和手掌边缘敲击琴面来模拟鼓组的音效，这极大地丰富了独奏的表现力。我甚至用它里面的节奏型，尝试为我孙女编了一首生日歌，效果出奇地好，让她乐得合不拢嘴。这本书完美地平衡了趣味性、实用性和音乐的深度。

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这本《指尖上的蓝调：当代布鲁斯吉他大师速成宝典》简直是为我这种入门不久的布鲁斯爱好者量身定制的圣经！我一直对那种沙哑、深沉、充满情感的布鲁斯音色心驰神往，但市面上的教材要么过于理论化，要么就是几首老掉牙的曲子翻来覆去地教。这本书则完全不同，它开篇就用非常生动的故事和案例，将布鲁斯音乐的历史脉络和灵魂所在讲得透彻。作者似乎深谙布鲁斯乐手的心态，没有直接堆砌枯燥的音阶图，而是从情感表达入手，教你如何在Fm调上用弯音（Bending）真正“哭泣”起来。特别是关于Shuffle节奏的讲解，配合着清晰的指板图示和配套音频的慢速示范，我第一次真正理解了为什么布鲁斯听起来总是那么“摇摆”。书中还收录了三位不同流派的布鲁斯大师的标志性演奏片段，从T-Bone Walker的优雅到Albert King的狂野，每种风格都配有详细的技巧拆解，让我感觉自己不是在学习技术，而是在与这些传奇对话。我已经迫不及待地想在下一个周末的吉他沙龙上，用我刚学会的“十二小节布鲁斯”结构，即兴一段属于我自己的忧郁故事了。这本书的价值，远超它的定价，它提供的是一把通往布鲁斯精神世界的钥匙。

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《未来合成器时代：基于模块化系统构建吉他效果链的新范式》这本书，简直是为我这种“老派”吉他手打开了一扇通往未知领域的大门。我习惯了效果器排成一排的传统设置，但这本书完全倡导一种“信号流重构”的概念。它不是教你如何买新的单块效果器，而是教你如何用模块化的思维，去理解和控制声音的每一个参数——从振荡器、滤波器到包络发生器。书中的图解极其精妙，将复杂的信号流程图画得像建筑蓝图一样清晰易懂。我以前只知道失真效果器会“削波”，但这本书解释了它是如何通过特定的非线性电路模型来实现这种效果的，并指导读者如何利用这些原理，用数字建模来模拟出各种老式电路的“缺陷美”。其中关于“调制矩阵”的应用部分，是我最感兴趣的，作者展示了如何将一个LFO（低频振荡器）的输出同时控制两个不同参数（比如同时控制延迟时间和失真增益），从而创造出那种听起来像“外星飞船起飞”的奇特音效。这本书需要一些耐心和一定的基础知识，但一旦你掌握了其中的思维模式，你对所有电子音乐效果器的理解都会提升到一个全新的维度，它真正将吉他手从“效果器使用者”提升到了“音色架构师”的高度。

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