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出版者:河北美术

作者:刘万鸣

出品人:

页数:178

译者:

出版时间:2006-9

价格:39.00元

装帧:

isbn号码:9787531027331

丛书系列:

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《中国画论》是一部探讨中国绘画创作理念、审美标准、技法传承及发展脉络的学术专著。本书并非直接收录古代画家的具体画作，而是聚焦于历代画论家、艺术家、理论家留下的珍贵文字，如《历代名画记》、《益斋书学》、《画禅室随笔》、《芥子园画谱》等经典论著中的核心思想。 全书共分为五个部分，力求为读者呈现一个系统而深入的中国画论全景。 第一部分：中国画论的思想渊源与哲学根基 本部分将追溯中国画论的哲学源头，深入探讨儒家、道家、佛教思想对中国绘画美学观念的影响。例如，儒家的“中和之美”、“尽善尽美”如何体现在绘画的构图与意境营造中；道家的“道法自然”、“虚静”如何指导艺术家捕捉自然万物的神韵与生命力；佛教的“禅意”、“空灵”又如何渗透到水墨意境的表达，以及对轮回、因果等概念的绘画化演绎。我们将剖析这些哲学流派如何塑造了中国画“以形写神”、“气韵生动”等核心美学原则，以及“天人合一”的宇宙观在绘画中的体现。 第二部分：历代画论家的理论贡献与思想演变 本部分将系统梳理中国画论史上重要理论家的贡献及其思想的演变。从顾恺之“以形写神”的开创性论述，到宗炳“山水松石， laj, lue, lian, ceng ”的“畅神说”，再到谢赫“六法论”的体系化构建，以及张彦远对“意匠”与“形似”的辨析，以及“应物象形”、“随类赋彩”等具体法则的阐释。我们将着重分析晚唐五代、宋元明清各代画论家，如荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等山水画大师的理论实践，以及文人画兴起后，苏轼、米芾、赵孟頫等人在绘画观念上的革新，如“士人画”的提出、强调诗书画的结合、追求笔墨趣味等。尤其会探讨元代黄公望、王蒙等人对“元气淋漓”和“逸气”的追求，明代董其昌将“南北宗论”推向高峰，以及清代石涛、八大山人等人的革新性理论。 第三部分：中国画核心技法与笔墨美学研究 本部分将聚焦于中国画创作的核心技法，并深入分析其背后的笔墨美学。我们将详细阐述“笔墨”作为中国画独特语言的构成要素，包括“用笔”的十八描以及各种线条的力度、速度、顿挫所表达的情感与意境；“用墨”的浓淡干湿、焦润涨黑的微妙变化，以及“墨分五彩”的奥秘。同时，我们将分析“皴法”在表现山石纹理、树木质感等方面的多样性，如披麻皴、斧劈皴、解索皴、荷叶皴等，以及它们各自的适用范围和表现效果。此外，本书还将探讨“设色”在中国画中的作用，包括“随类赋彩”、“古法用色”与“今法用色”的差异，以及色彩的象征意义与情感表达。 第四部分：画种论与题材意境的解读 本部分将深入探讨中国画不同画种的理论依据与题材意境。我们将从山水画、花鸟画、人物画三个主要画种出发，分析各自的审美侧重点与创作原则。例如，山水画如何通过“勾、皴、染、点”等技法，以及“经营位置”的构图安排，来营造“可行、可望、可游、可居”的意境，并探讨“境生象外”的哲学追求。花鸟画则侧重于“写生”与“寄情”，分析如何通过对动植物的细致观察与写意笔法，来传达生命的情感与人格精神，如“四君子”的象征意义。人物画的论述将涵盖“传神写照”的理论，探讨如何捕捉人物的内在气质与精神状态，以及历史人物画、宗教画、风俗画等不同题材的表现手法与文化内涵。 第五部分：中国画的传承与当代发展 本部分将对中国画的传承方式进行梳理，包括师徒相授、临摹经典、写生实践等。我们将探讨古代画论中关于“师心自用”与“不离古法”的辩证关系，以及在传统基础上进行创新的必要性。同时，本部分还将关注中国画在近现代及当代的发展，分析西画技法与理念的引入对中国画产生的冲击与融合，以及当代中国画艺术家如何在继承传统、吸收外来元素的同时，探索新的表现语言与时代精神，并对中国画的未来发展趋势进行展望。 《中国画论》旨在通过对这些丰富而深刻的理论文本的梳理与解读，帮助读者理解中国画独特的艺术魅力，领略其中蕴含的东方智慧与审美情趣，为进一步欣赏、研究中国画提供坚实的理论基础。本书适合中国画爱好者、学习者、研究者，以及对中国传统文化与艺术感兴趣的广大读者阅读。

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这本《中国画论》真是让人爱不释手，尤其是它对“气韵生动”的阐释，简直是醍醐灌顶。我以前总觉得这四个字玄之又玄，读了很多书也未能窥其堂奥。但作者似乎用一把精巧的钥匙，将这扇通往艺术真谛的大门缓缓推开。他不仅仅是罗列历代画家的理论，而是将这些理论置于当时的社会文化背景下进行剖析，让我们明白，古代的画家们是如何在笔墨之间寄托家国情怀与个人修养的。书中对董源、巨然山水画中“披麻皴”的技法分析，细致入微，仿佛能看到画家挥毫泼墨时的呼吸与心跳。更让我惊喜的是，作者还巧妙地引入了中国哲学中的“道”与“意境”的概念，使得原本偏向技法的论述，一下子提升到了哲学审美的层面。读完这一部分，我再去欣赏那些经典的山水画作时，眼光完全变了，不再是简单的线条和色彩的堆砌，而是能感受到其中蕴含的生命力和宇宙观。那种感觉，就像是原本只能听见钢琴的单个音符，突然间听到了整部宏大的交响乐。这本书对于想深入理解中国传统绘画精神内核的人来说，是不可多得的宝典。

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这本书的装帧和印刷质量真的没得说，拿到手就感觉沉甸甸的，充满了艺术书籍应有的质感。但抛开这些外在因素，内容上最吸引我的是它对“意”与“形”辩证关系的探讨。在很多章节里，作者都反复强调，中国画不是对客观事物的简单复制，而是一种“心源之物”。他通过剖析历代画家对“点景小人物”的处理，生动地说明了画家如何在宏大的自然背景中，点缀出人与自然的和谐关系，这体现了中国传统美学中“大音希声，大象无形”的哲学意趣。我发现，作者的文字功底也十分扎实，他能用非常精准且富有画面感的词汇来描述那些难以言喻的艺术感受。读起来不觉得枯燥，反而像是在一位博学的长者带领下，漫步于一座堆满了珍贵文物的历史画廊中，每件展品都有其背后的故事和理论支撑。这本书不仅是供案头研读的，更是一本可以时常翻阅，每次都能获得新感悟的工具书。

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坦白说，我一开始抱着将信将疑的态度买这本书的，毕竟“中国画论”这个名字太大了，很容易流于空泛。但读进去后，才发现这本书的切入点非常独特和新颖——它没有过多纠缠于“什么才是好画”这种主观臆断，而是将笔墨集中在“画家的创作过程”和“理论的演变脉络”上。我最喜欢其中关于“师古人，创我法”这一核心观念的梳理。作者详细分析了宋元明清各个时期，画家们是如何在继承前人经验的同时，又努力打破窠臼，形成自己独特的面貌。比如对元四家如何借鉴北宋山水，但又融入个人性情，这一点论述得极其精彩，将抽象的“个性”具化为具体的笔墨语言。阅读过程中，我时常会停下来，拿起画册对比着看，那种将文字理论与视觉实践相结合的体验，非常畅快。它提供了一套思考中国画“为什么是这样”的逻辑框架，而不是简单告诉你“它看起来很美”。这本书的价值在于，它教你如何去“看”画，如何理解画面背后的文化密码。

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如果让我用一个词来形容阅读这本书的感受，那大概是“脉络清晰”。我之前读过一些零散的画学笔记和小型画论集，总觉得知识点散乱，缺乏一个贯穿始终的线索。但《中国画论》厉害之处就在于，它成功地搭建起了一个完整的知识体系，从基础的“工具论”（笔、墨、纸、砚的运用），到中层的“技法论”（如界画、花鸟画的章法），再到顶层的“审美论”（情致、趣味的培养），层层递进，逻辑严密。特别是在论述“章法”的章节，作者没有简单地给出构图的规则，而是深入探讨了留白在画面中的哲学意义——那种“计白当黑”的东方智慧，如何通过空间的调度来暗示无限的意境。这种由表及里、由术及道的分析方法，使得读者能真正理解，中国画之所以成为一门独立的艺术体系，其背后深厚的文化积淀所在。这本书非常适合作为系统学习中国绘画理论的入门教材，它打下的基础足够坚实，能为后续的深入研究铺平道路。

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我花了整整一个周末才算大致读完这厚厚的一本，最大的感受是它的资料翔实程度令人咋舌，简直就是一部“画论”领域的百科全书。翻开任何一页，都能看到大量直接引用的古籍原文，从谢赫的“六法”到后世对“笔墨”的争鸣，几乎涵盖了所有重要的文献出处。对于一个对文献考据有洁癖的读者来说，这无疑是极大的满足。我特别欣赏作者在处理争议性观点时的态度——他从不急于下定论，而是将正反双方的论据一一摆出来，让读者自己去权衡。比如关于“文人画”与“院体画”的界限划分，书中列举了多位不同流派艺术家的书信和批语，对比之鲜明，让人不得不佩服作者做研究的严谨与耐心。它不像市面上很多快餐式的艺术普及读物，只给出结论，这本书更像是一位资深学者在跟你进行一场长达百年的对话，需要投入时间与精力，但回报绝对是丰厚的。如果说有什么不足，那就是对于初学者可能稍显晦涩，毕竟它默认读者对基本概念已有一定了解。

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其实就是古代画论的一个收集和整理。

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